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Con diez proyectos representantes de ocho países, seleccionados de entre doscientas candidaturas internacionales, la edición 2012 del laboratorio-taller de guión de largometraje Cine Qua Non se realizará a partir del próximo día 12 y hasta el 26 de agosto en la residencia artística de Tarerio, en el municipio de Tzintzuntzan, a orillas del lago de Pátzcuaro.

Para dar a conocer el nuevo perfil de esta residencia artística que está alcanzando cuatro años de vida, así como para anunciar la identidad de los diez talleristas participantes, a los que se suman tres michoacanos invitados, se organizó una conferencia de prensa el jueves, en la capital michoacana, en las oficinas del Festival Internacional de Cine de Morelia.

El director general de Cine Qua Non, Jesús Pimentel Melo, explicó que, a diferencia de las ediciones anteriores, este año se ha tomado la decisión de trabajar exclusivamente con guiones concluidos o que se encuentren en la etapa de su último tratamiento. En algunos casos, los proyectos ya cuentan con financiamiento e incluso los hay que ya están listos para pasar al rodaje.

Los participantes y el título de sus proyectos en el taller Cine Qua Non 2012 son los siguientes:

Alejandro Andrade Pease (México). Proyecto: Cuernavaca

Daniel Benavides (Ecuador). Proyecto: Mandoble

Evan Buxbaum (Estados Unidos). Proyecto: Sun Belt Express

Francisco Varone (Argentina). Proyecto: Camino a La Paz

Isold Uggadottir (Islandia). Proyecto: Untitled Woman on the Verge Project

Jurgen Ureña (Costa Rica). Proyecto: Días rotos

Maria Govan (Bahamas). Proyecto: Epifanía

Mehrnoush Aliaghaei (Irán / EU). Proyecto: Donde crecen las flores silvestres

Pedro Ielpi (Argentina). Proyecto: La reivindicación

Valeria Pivato (Argentina). Proyecto: Ampacama, Ampacama

La coordinadora académica de Cine Qua Non, Christina Lazaridi, se declaró orgullosa de la resonancia que ha alcanzado este laboratorio de guionismo entre la comunidad académica y profesional del cine en distintas partes del mundo. Afirmó que se habla de él en Nueva York, pero también en festivales como la Berlinale alemana o el Cannes francés.

Jesús Pimentel Melo compartió esa satisfacción y señaló que el apoyo y los respaldos que el taller recibe de instancias privadas y gubernamentales son hechos que validan la eficacia del proyecto.

Por su parte, la codirectora de esta residencia artística, Sarita Khurana, dijo que el proceso de selección de talleristas fue extremadamente difícil este año. “Tuvimos unas doscientas inscripciones de todo el mundo, muchas de América Latina, también de Europa, Estados Unidos y Asia”.

Además, como cada año desde 2010, se ha incluido como parte del taller a tres cineastas de Michoacán que a lo largo del curso se involucrarán en las actividades con los otros diez proyectos internacionales. Los realizadores locales invitados esta vez son Diego Alejandro Flores Contreras, Iván Martínez Pérez y Jorge Ojeda Dávila.

El secretario de Cultura de Michoacán, Marco Antonio Aguilar Cortés, recordó que el gobierno de Michoacán ha venido apoyando este proyecto desde hace algunos años y puntualizó: “debemos ver al gobierno como toda una institución; independientemente de las administraciones tiene que seguir apoyando moral, económica y materialmente a proyectos que tienen un gran futuro y que pueden tener una gran proyección porque a ninguno de nosotros nos queda duda de que a través de la cinematografía muchos países han dominado a las culturas en el mundo”.

Durante la conferencia de prensa también se informó del destino que han corrido algunos de los proyectos participantes en las ediciones pasadas de Cine Qua Non y que han obtenido apoyo de instituciones públicas y privadas para su producción, entre ellos Teresa, la novia del libertador, (Perú) de Rocío Lladó, que actualmente se encuentra en la fase de pre-producción y los guiones Tamara y la catarina, de Lucía Carreras y Objetos celestes, de Lorena Padilla, que han conseguido apoyo del Instituto Mexicano de Cinematografía para su realización, así como Edén, proyecto de Elise DuRant, que data del año 2010 y que recibe apoyo de la NYFA (New York Film Academy) para su rodaje.

Conferencia de prensa en Sectur

La música, el tema del

festival Mórbido 2011

Juan Bosco (Sectur Michoacán), Pablo Guisa (Mórbido) y Armando Machorro (SMRyTV) durante la conferencia de prensa.

El Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror Mórbido de Tlalpujahua ha crecido desde su primera edición un 351.9%. Y este año se realizará del 27 al 30 de Octubre bajo el tema “El Cine de Terror y la Música”. Impacto mediático, derrama económica, eventos, espectadores e invitados, son algunos de los beneficios que el Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror Mórbido ha llevado a Tlalpujahua, su ciudad sede y que muestran mayor crecimiento en el esquema comparativo entre la primera y la tercera edición. En conferencia de prensa celebrada en la Secretaría de Turismo, el director de Promoción, Juan Bosco Castro García, destacó que en la actualidad el Festival se ha consolidado como un producto exitoso en el ámbito de la industria turística, pues su presencia logró romper la estacionalidad e impulsar el desarrollo de infraestructura de servicios para los visitantes. Pablo Guisa Koestinger, director del evento, fue quien presentó una radiografía estadística del festival, en un comparativo 2008-2010, donde sobresalen los rubros de incremento siguientes: Derrama económica 159%; Impacto mediático 632%; Espectadores 368%; Invitados 783%; Eventos 157%; Funciones 189% y Actividades paralelas 175%. La asistencia a Mórbido, fue de más de 22 mil espectadores y la derrama económica estimada por los prestadores de servicios de la localidad fue de $2,940,000.00 (dos millones novecientos cuarenta mil pesos). Durante la conferencia de prensa el director del Sistema Michoacano de Radio y Televisión, Armando Machorro Arenas, informó que este año la institución a su cargo abrirá los espacios para transmisiones del Festival en vivo.

Uno de los gráficos ofrecidos durante la reunión con los medios.

Durante 2011 Mórbido crece en

Michoacán y sale al extranjero Mórbido llega al 2011 como uno de los festivales más sólidos de México y uno de los principales productos culturales y turísticos del estado de Michoacán.
Este año se trabaja para acercar el festival a otros dos municipios michoacanos. Con la participación del Sistema Michoacano de Radio y Televisión, el festival llegará a todos los rincones del estado y el evento sigue abierto al establecimiento de acuerdos de colaboración con cualquier otro medio de comunicación michoacano. Otra novedad es la 1ª edición de Mórbido en el extranjero, un hecho que lo convierte en el primer festival de cine que se exporta: se realizará en Costa Rica, en agosto de este mismo año. Uno de los objetivos del Festival, declaró Pablo Guisa, son las alianzas con instituciones académicas ahora Mórbido hace alianza con la estación de radio de la Universidad Iberoamericana, Ibero 90.9, con la que estrena el programa Radio Mórbido, que desde una muy particular visión obscura, irreverente y mórbida, tratará temas de la cultura pop, música, tecnología, cine, literatura, etc. El programa saldrá al aire el próximo martes 26 de abril a las 23:00 horas, será un programa semanal, en vivo de una hora, por Ibero 90.9, Mórbido e Ibero 90.9 inician la conversación. La emisión será re-transmitida por la frecuencia del Sistema Michoacano de Radio y TV. Otra de las innovaciones que presenta Mórbido este año, es la Incubadora mórbida, para recibir proyectos de corto y largometraje en etapa de guion y apoyar con el desarrollo del proyecto, hasta llevarlo a la creación de una carpeta final con casting, locaciones, presupuestos, búsqueda de inversionistas y presentación a distribuidoras. Ya se encuentran en el desarrollo de los primeros tres proyectos.

Pepe Ábrego, de la firma PRP, que coordina medios y comunicación del encuentro de cine, durante una intervención.

Otra novedad es la Caravana del terror 2011, proyecto que se desarrolla gracias al apoyo de Cinemas Lumiere, encabezado por Pepe Díaz y la solidaridad de René Cardona III. Mórbido arrancará su Caravana del terror, con una selección de 7 títulos del género, clásicos y recientes, que viajarán por toda la República. La fecha de inicio, se estará definiendo según la cartelera de estrenos del próximo verano.

EN VIDEO

Ecos de Mórbido 2010

Con todos los monstros

El enmascarado Mórbido, mascota del festival del año pasado, tras haber puesto fin a Gretel, la araña de seis patas, y a la mujer vampiro, está a punto de merendarse a la momia de Guanajuato durante el espectáculo de apertura del encuentro de cine, en el teatro Obrero de Tlalpujahua.

El gobernador Leonel Godoy durante el protocolo inaugural del festival de cine de género 2010... pero quién sabe qué tan fantástico sea realmente el festival de cine fantástico: los stills del fondo dan cuenta de escenas que ya no se sabe si son de películas o imágenes de la nota roja cotidiana.

En primer plano, Christian Bach y Humberto Zurita, dos de los invitados especiales durante la inauguración de Mórbido III.

Minutos antes de la inauguración del festival en el teatro Obrero, el gobernador encabezó la apertura de una exposición de máscaras en el Museo Hermanos López Rayón.

EN VIDEO / Inauguración del festival, teatro Obrero

Aspectos de la inauguración de Mórbido 2010 durante el acto de protocolo en el teatro Obrero, antes de la premier de Ángel caído. Incluye fuertes declaraciones del gobernador Leonel Godoy en el sentido del crecimiento del festival tlalpujahuense.

EN VIDEO / Exposición de Máscaras

Momentos captados durante la apertura de la exposición de máscaras en el Museo Hermanos López Rayón, en forma previa al acto de protocolo inaugural, durante la primera jornada del festival Mórbido en Tlalpujahua.

Concierto hoy a las 20:30 pm en el CMMAS

People like us: el collage

como una postura estética

Una de las presencias realmente notables de la actual edición de Ambulante es la de Vicki Bennet (Brighton, Reino Unido de la Gran Bretaña), quien desde hace casi veinte años emprende collages audiovisuales bajo el nombre artístico de People like us (Gente como nosotros).
El del collage ya es, de por sí, un gran tema. Esta arriesgada forma expresiva, que con frecuencia ha sido acusada de plagio (a veces con razón, a veces sin ella), adquiere con People like us una genuina dimensión estética, en el sentido de que el reciclaje de productos audiovisuales previos le permite a la autora generar verdaderos discursos nuevos, siempre preñados de humor o de luminosas notas de alegría (desde que asume su actividad como un juego, a la manera en que los niños reconfiguran su mundo cuando juegan), pero también cargados de una explícita intencionalidad política.
Esto es importante, pero también es necesario comprenderlo bien. People like us me parece una artista absolutamente política… pero política de la manera correcta: no hace panfletos, no hace propaganda ni es una artista militante. Sin embargo, sus collages poseen una poderosa carga política porque la autora desafía discursos ya establecidos, mensajes ya codificados, estructuras narrativas ya concluidas y, al manipular sus contenidos, las resignifica, creando nuevos contenidos que a menudo interpelan al discurso original con una lucidez muy exigente.
El mejor ejemplo de esta actitud, para mí, o por lo menos el ejemplo que me parece que puede ser más asequible para el público, es aquel en el que la artista toma dos filmes absolutamente antitéticos: La novicia rebelde (Robert Wise, 1965) y Apocalipsis (Coppola, 1979). La manera de manipular las imágenes, pero sobre todo dos temas musicales emblemáticos (The sound of music, de Joy Division y The end, de The Doors), que son absolutamente antitéticos, permite una mordaz lectura a las pesadillas que yacen detrás de sueños como el norteamericano: la semilla de la guerra incubando detrás de las buenas intenciones o, sin ir más lejos, la esquizofrenia de una sociedad cuya estabilidad se funda en la tesis de que “el fin justifica los medios”.
Así: irreverente y aguda, atenta y desenfadada, People like us nos permite hacer muchas cosas al mismo tiempo al contemplar sus juegos interpretativos: nos permite recuperar los ocho años de edad emocional; nos plantea contrastes muy demandantes, ya en una vena surrealista que Luis Buñuel habría adorado o en lecturas que siempre rondan lo social, lo ecológico, lo consumista o lo meramente existencial. Paradojas y malabares del pensamiento por cuyos resquicios se asoman verdades incómodas, fantasías deslumbrantes y un placer por la mirada que es todo un deleite.
La autora, de quien estos días se ha estado presentando su programa retrospectivo de cortometrajes, ofrece esta noche de miércoles un performance en vivo en la ciudad de Morelia. El programa, de 45 minutos, toma como columna vertebral fragmentos de su proyecto Género collage para brindar un concierto en vivo. La cita es a las 20:30 horas en el CMMAS (Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras), en la planta alta de la Casa de la Cultura de Morelia. La entrada es gratuita, pero el cupo es limitado.

RECURSOS EN LA WEB
Para más referencias acerca de People like us, la página de Wikipedia tiene un muy buen artículo (en idioma inglés) en este enlace.
Entrevista con Vicky Bennet en la radioweb MACBA (en inglés), aquí.

Sábado 12 / Sesión de Ambulante en la EPBA

Hoy en el programa Injerto:

Los Dream films de Zoe Beloff

La historia es la siguiente: en 1909, el psicoanalista vienés Sigmund Freud hizo su única visita a los Estados Unidos. Durante su estadía en Nueva York, dedicó una tarde a visitar el parque de diversiones de Coney Island.
Esta anécdota le sirvió a la artista neoyorquina Zoe Beloff como punto de partida para la realización de sus Dream Films, una serie de exploraciones lúdicas sobre la relación entre el cine, los sueños y el sexo (o la falta de sexo y sus consiguiente deseos reprimidos), hallazgos fílmicos a partir de películas caseras que fueron filmadas entre las décadas de los veinte y los setenta, del siglo pasado, y a las que la artista neoyorquina decidió agrupar bajo el nombre de una ficticia Sociedad Psicoanalítica Amateur de Coney Island.
Así pues, el programa de hoy en la Escuela Popular de Bellas Artes, dentro de la sección Injerto, ofrece una antológica colección de nueve cortometrajes, algunos de ellos en blanco y negro, silentes, otros a colores y con música, todos reveladores de alguna faceta vinculada a la vida de este clásico parque de diversiones que, alguna vez, llegó a hacer la gran atracción en Estados Unidos.

Los filmes de la sesión (que durará en total 75 minutos), son los siguientes.

La grúa diminuta / A. Grass, 1926, 2’41”
La mantis religiosa / C. De Forde, 1931, 6’22”
El sueño del oso / A. Rosenzweig,1937, 4’17”
Persiguiendo a Louis Schnekowitz / M. Lippman, 1945, 3’46”
El sueño del león / T. Wiesengrund, 1947, 2’55”
El sueño del pollo solitario / B. D’Angelo, 1954, 3’55”
El arca abandonada / S. Weiss, 1962, 4 min.
Mi sueño de irritación dental / R. Troutman “Bobby Beaujolais, 1964, 5’10”
El trineo / E. Kammerer, 1972, 2’5”

La cita es a las 16:00 horas (4 de la tarde) en la galería Silvestre Revueltas de la EPBA, plantel Centro Histórico (Guillermo Prieto esquina con Melchor Ocampo). Gratuito

Eduardo Thomas, entrevista

Los perfiles de Injerto

El curador de la sección videoexperimental Injerto habla acerca de los realizadores participantes este año. Las proyecciones tendrán como sede la Escuela Popular de Bellas Artes plantel centro histórico. El acceso es gratuito.

Por lo demás, aunque el siguente material es asequible con el catálogo electrónico de Ambulante 2011, adjunto a continuación las reflexiones de María Minera en torno a los contenidos de Injerto 2011, cuyos títulos giran en torno al tema de las Constelaciones del lenguaje, es decir, todos los lenguajes que no son parte de nuestra oralidad habitual.

Injerto: escrituras del cine
María Minera

Para los primeros cineastas experimentales se hizo muy pronto evidente que, para ser usado como dispositivo artístico, el cine necesitaba empezar por contradecirse a sí mismo. Aquello que al cine documental o narrativo le era tremendamente útil —la veracidad—, aquí representaba un estorbo. La capacidad de registrar con toda fidelidad el entorno debía, pues, ser por lo menos mitigada, si lo que se buscaba era conseguir la autonomía estética propia de otras expresiones artísticas como la novela o la pintura (porque incluso a la novela más realista le falta lo que al cine le sobra: volumen, podríamos decir). Había, por tanto, que encontrar otros modos de transmitir la inmediatez. Fue así que los cineastas se dieron a la tarea de producir toda clase de efectos y mecanismos —vidrios que distorsionaban la imagen, animaciones abstractas, condiciones extremas de luz, uso de textos, etcétera— que sirvieran para poner hasta cierto punto a raya la irrefrenable tendencia del cine por mostrar las cosas tal y como son. No obstante, lo que fi nalmente llevaría al cine experimental —avant-garde, como se le llamaba entonces— más allá del documento y la fi cción convencional, y lo pondría a la vez a salvo de caer en un mero ejercicio artesanal, sería, como demostraron los cineastas rusos, el descubrimiento de las posibilidades inagotables del montaje; un procedimiento que, según lo defi nió Theodor W. Adorno, en lugar de “interferir directamente en las cosas, las acomoda en una constelación que tiende a parecerse a la de la escritura”. Para el fi lósofo, “todo lo que no es estrictamente cinematográfico en una película” —y pone como ejemplo La noche (1961), de Michelangelo Antonioni— es lo que le da el poder de expresar, “como desde lo profundo de los ojos, el vacío del tiempo” (de ese tiempo: conocido, lineal). En otras palabras, el modo subjetivo de la experiencia —aquel que no responde a lo estrictamente cinematográfi co— es el único capaz de otorgar a un filme su carácter artístico. Ahí las imágenes ya no se funden en un fl ujo continuo; por el contrario, buscan contrastarse unas con otras pues sólo la discontinuidad de las imágenes del mundo interior se acerca, nos dice Adorno, al fenómeno de la escritura: que improvisa, que va y viene, que abstrae. Dos cosas, entonces: el cine más que fi lmarse se escribe pero con una escritura propia, interna (“El medio por excelencia está íntimamente relacionado con la belleza de la naturaleza”, señala Adorno). Por ello no puede decirse que exista una sola manera de escribir —de hacer— cine; lo que hay son modos: constelaciones de lenguaje.
Con el tiempo, y como es natural, estas constelaciones se hicieron más complejas —a la par de la tecnología— en su intento por llevar el lenguaje cinematográfico cada vez más lejos (hasta las fronteras de otras disciplinas como, digamos, la música y las artes visuales). En la sección Injerto de Ambulante 2011 se han incluido cuatro cortometrajes a cargo de Vicki Bennett, artista multimedia y disc jockey inglesa mejor conocida como People Like Us, en los que es posible ver, por ejemplo, cómo la idea de Sergéi Eisenstein del montaje como colisión o conflicto es conducida a un territorio límite —más parecido a los sueños que al cine— en que los elementos secuenciales no sólo no se perciben uno junto al otro: tampoco, necesariamente, uno encima del otro —según quería el director ruso— sino de todas las maneras posibles. A veces dos o tres elementos confluyen en la pantalla; a veces uno y otro reaparecen por turnos o se desplazan por el espacio, poniendo seriamente en duda la noción misma de secuencia. En Trabajo, descanso y juego (2007), la pantalla, seccionada en tres partes, nos deja ver a un niño que se levanta de la cama; más allá, una puerta; detrás de la puerta, el mar; al lado del mar, un clavadista que al arrojarse al agua desata una explosión que da pie al surgimiento de una máquina de escribir en cuyo papel es posible observar de nuevo el mar, del cual brota de pronto la imagen desdoblada de una secretaria a la que le suena con insistencia el teléfono; junto a ella, un grupo de amas de casa mira la televisión; se escucha un gong; unos niños tocan un xilófono mientras los cuadros de al lado nos muestran a un jugador de golf, unos aviones de juguete, un campo de flores. Como se ve, estamos ante un ensamblaje cinematográfico de gran complejidad cuyo asunto —el papel que juega la tecnología en la elaboración de la idea colectiva de futuro— nos es entregado a manera de mensaje diríase subliminal: en efecto, la idea, como en la teoría de Eisenstein, “surge del choque de las tomas independientes”; sólo que aquí, como si se tratara de un enorme rompecabezas, debemos esperar a que choquen no dos sino todas las piezas para que al final pueda surgir la idea que se fue formando, a lo largo del filme, por debajo del umbral de la conciencia.
Tanto en esta cinta como en Descubriendo la música electrónica (1999), El controlador remoto (2003) y Desfile (2009), People Like Us trabaja con “material encontrado”: pietaje de distinta índole (educativo, comercial, industrial) que la artista toma prestado de diversos archivos públicos para generar, a través de collages audiovisuales y muy al estilo cubista, lo que ella misma define como “un acercamiento humorístico y surrealista que busca replantear la naturaleza de los contenidos originales”.
También son las sutilezas del montaje las que ocupan al japonés Takashi Ito, aunque su asunto es mucho más abstracto. Lo que da origen a sus filmes no es un conjunto de temas específicos sino una zona de trabajo: la frontera entre la fotografía y el cine, donde el cineasta ubica esas verdaderas “montañas rusas” que son sus exploraciones visuales según la crítica. En efecto: si en los collages de People Like Us es aún posible vislumbrar la presencia de un residuo narrativo, aquí lo que hay es sensación pura; los ojos dejan de ser la puerta del entendimiento para volverse simples receptáculos de los estímulos visuales y sonoros que brotan sin descanso de la pantalla. En Spacy (1981), considerada por muchos su obra maestra, Ito consigue algo muy improbable: mantener al espectador al filo del asiento por la simple manera de aproximarse, casi en la oscuridad, a un espacioso gimnasio vacío. Realizada a lo largo de dos años, la cinta está conformada por setecientas fotografías fijas del gimnasio que el director refotografió cuadro por cuadro, de acuerdo con una estricta regla que marcaba que a todo movimiento rectilíneo debía seguir uno circular: una técnica de animación en cierto sentido elemental —y conocida: los cineastas experimentales japoneses de los años setenta la utilizaban con frecuencia— que en la obra de Ito alcanza, no obstante, un grado de sofisticación y complejidad ciertamente novedoso y perturbador. Algo de ese misterio está presente también en Diario fotográfico 87, cinta de corte autobiográfico en la que el director hace un recorrido por el año 1987 a través de las fotografías que él mismo tomó durante ese periodo: desde la ventana de su casa, en una boda, en la calle, frente a un parque, etcétera. De nuevo, nada más alejado de la crónica o el recuento tradicional que este intrincado ensamblaje de instantáneas que, más que mostrar el día a día de Takashi Ito, parece revelar su vida interior: cómo percibe los sucesos, qué cosas llaman su atención, cómo se relaciona con las personas de su entorno, qué emociones le despiertan. “Mi intención es transformar las escenas cotidianas y meter al espectador en un torbellino de ilusiones sobrenaturales”, dijo Ito alguna vez, y eso es exactamente lo que logra.
El “reciclaje” de materiales fílmicos es también el punto de partida de las artistas Zoe Beloff y Lisl Ponger. Cada una, sin embargo, lo lleva a un terreno distinto. A partir de cintas caseras encontradas en mercadillos y tiendas de viejo, Beloff construye una asombrosa fi cción que da vida a una curiosa cofradía de habitantes de Coney Island que, inspirados por la sonada visita de Sigmund Freud al lugar —un hecho real ocurrido en el verano de 1909—, se proponen dar rienda suelta a la exploración del subconsciente; para ello fundan en 1926 la Sociedad Psicoanalítica Amateur de Coney Island, cuya principal actividad consiste en filmar los sueños de cada miembro para después analizarlos colectivamente. Cabe decir que, a partir de esta interesante premisa, Beloff se dio a la tarea nada sencilla de crear el archivo completo de los “sueños” del círculo psicoanalítico cuya vida se extendió —como ella imagina— hasta entrados los años setenta; cada sueño es un cortometraje y una aproximación cinematográfi ca —y desde luego onírica— diferente (el proyecto va del blanco y negro al color, como corresponde al paso del tiempo). El señor Rosenzweig, por ejemplo, sueña que se transforma en un oso, y aunque al principio lo disfruta —“Las damas me colman de atenciones”, dice—, después teme que lo descubran y dejen de quererlo y acariciarlo; el señor Grass tiene un sueño en el que su jefe y todos sus empleados son una tropa de enanos a los que debe ayudar a subir a un barco que está por zarpar; Charmian de Forde se sueña como una enorme mantis religiosa y Beverly D’Angelo como la niña a la que todos dejan plantada en su fiesta. Lo más sorprendente aquí no es tanto la historia como el hecho de que esté tan bien tramada que difícilmente uno podría reconocer el “engaño” sin ser advertido de antemano.
Por último, la austriaca Lisl Ponger explora, a través de mediometrajes de corte aparentemente documental, las maneras en que el medio cinematográfico puede contribuir a cambiar ciertos paradigmas de comportamiento colectivo, como puede ser la relación que comúnmente establece el turista occidental con los “pueblos lejanos” que visita. En Déjà vu (1999), Ponger hace uso de las clásicas películas de viajeros para contar —por medio de diversas voces en off— una historia distinta a la que muestran esas cintas llenas de clichés acerca del supuesto exotismo de “los otros”. Así lo explica ella: “Las imágenes son los nuevos souvenirs: ahora es común volver a casa con la maleta llena de fotos en lugar de seda, videos en lugar de especias. Este material es un testimonio inmejorable de una manera de ver y percibir el mundo y sus jerarquías silenciosas.”
La idea, sin embargo, no es hacer una sátira de los cineastas aficionados sino resaltar los elementos que estos diarios de viaje revelan en conjunto, incluso a su pesar, en una suerte de puesta en evidencia involuntaria. Paralelamente, Ponger busca sacudir al espectador al cuestionar su certeza más primaria, el lenguaje: las voces que narran lo que en realidad está ocurriendo en esos lugares no están ahí para ser entendidas, o no necesariamente (se hablan once idiomas distintos). La fantasmal Viena Extranjera (2004) se ocupa también de la “otredad” aunque desde otro ángulo; el material al que ahora recurre Ponger le permite retratar la situación pero desde adentro: en Viena, nos dice, “las comunidades de inmigrantes son prácticamente invisibles. Desde luego, se habla de ellas en los medios pero siempre como un ‘problema’ por resolver. En pocas palabras, rara vez estas comunidades hablan por sí mismas. Este proyecto es un intento por darles voz y visibilidad”. Lo que vemos entonces son los fragmentos, cuidadosamente hilvanados, de las decenas de películas caseras que Ponger recolectó para mostrar las diferentes celebraciones de las también decenas de comunidades que habitan los barrios “invisibles” de Viena. De esta autora se proyecta asimismo Fantasmas semióticos (1990).

Viernes 11 / Ambulante 2011 en Morelia

Ximena Cuevas, hoy en Injerto

De Ximena Cuevas, una imagen de Corazón Sangrante.

Hoy viernes comienzan las funciones de Ambulante 2011 en Morelia y desde este blog voy a concentrarme exclusivamente en los 27 títulos que se van a exhibir a partir de esta tarde en la Escuela Popular de Bellas Artes (EPBA) y que están reunidos dentro de la sección Injerto, dedicada a trabajos fílmicos y videográficos de corte experimental.
Mi decisión se basa en lo siguiente: el videoarte es en estos momentos uno de los terrenos más fértiles no solamente para explorar temas, sino estructuras y tratamientos novedosos. Allí donde el cine y el video convencionales no hacen sino repasar fórmulas más o menos manidas, los videoexperimentalistas ofrecen una vitalidad que parece vedada a otros territorios.
Por lo demás, las funciones de Injerto, dedicadas al público estudiantil de la EPBA, también proponen, por esa sola condición, una atmósfera y unos escenarios más estimulantes.
Por cierto, el catálogo con el programa completo de Ambulante 2011 (horarios, títulos, biografías y filmografías de los realizadores, stills y sinopsis de los documentales) puede ser descargado de manera totalmente gratuita desde este enlace.

Ximena Cuevas (DF, 1963), con la que abre el programa Injerto esta tarde en la EPBA, es una de las videoartistas más importantes del país, con una serie de títulos que exploran con una gran inventiva visual las representaciones de la realidad, la identidad nacional, y asuntos de género.
La autora, que comenzó su contacto con el cine y el video a la edad de 16 años, trabajando en el área de restauración de películas en la Cineteca Nacional, ha tenido entre otras la oportunidad de colaborar en el departamento de arte de la película Missing (Desaparecido), del cineasta militante griego Costa Gavras.
Ximena Cuevas estudió cine en la New York University a principios de la década de 1980. Al regresar a México comenzó a trabajar en largometrajes en el área de arte y producción hasta los años 90. Desde entonces se ha dedicado exclusivamente al video. Sus trabajos se ha exhibido internacionalmente en festivales y foros como Sundance, el New York Film Festival, Mediópolis Berlín, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y los museos Guggenheim en Nueva York y Bilbao, entre otros.
Sus trabajos en video más significativos incluyen los títulos Éxito (2002), La tómbola (2001), Contemporary Artist (1999), El diablo en la piel (1998), Cuerpos de papel (1997), Medias mentiras (1995), Corazón sangrante (1993) y Las tres muertes de Lupe (1984).
De Ximena cuevas hoy se proyectan los siguientes títulos, reunidos en un programa de 75 minutos de duración: Medias mentiras; Cinépolis, la capital del cine; Help; Tómbola, y Raffle. La cita es a las 19:00 horas en la Escuela Popular de Bellas Artes, plantel centro histórico.

Abren las funciones en Morelia este viernes 11

Anuncian Ambulante 2011

Este viernes 11 de marzo comienzan en Morelia las proyecciones correspondientes a la edición 2011 de Ambulante, la gira de documentales que la asociación civil del mismo nombre emprende en colaboración con Canana, Cinépolis y el Festival Internacional de Cine de Morelia. El festival itinerante de documentales está recorriendo esta vez 12 estados de la República Mexicana y más de 140 sedes, con una selección de más de 80 documentales realizados en México y en otras partes del mundo, los cuales se distribuyen en 50 programas y siete secciones.
El programa fue presentado el miércoles durante una conferencia de prensa en el auditorio universitario José Rubén Romero, en la que estuvieron presentes Ricardo Giraldo, director de Ambulante, y Eduardo Thomas, curador de la sección Injerto, que está dedicada a documentales de carácter experimental. Ambos estuvieron acompañados a su vez por Fernando López Alanís, asesor de la SEE en representación de la titular de esa dependencia, Graciela Andrade, y por Alfredo Durán, asesor de la Secretaría de Cultura y representante de Jaime Hernández.
Los asesores de instituciones estatales revelaron que la SEE está apoyando a la presente edición de Ambulante con una suma de 150 mil pesos, mientras que la Secum hace lo propio con recursos económicos por 63 mil pesos para los gastos de operación del programa, aparte de la facilitación de espacios y recursos en especie.

Ambulante se ha convertido en un espacio de exhibición para aquellos descubrimientos documentales actuales, históricos o clásicos que tienen algún tipo de relevancia en nuestro entorno y cuya proyección colabora a cultivar una visión crítica y a generar una conciencia colectiva en torno a cómo percibimos y comprendemos la realidad.
El programa es una ventana que permite ver una selección minuciosa del extenso abanico de la creciente producción de cine documental en México y en el mundo. Cada uno de sus títulos es un viaje literal que usa como materia prima realidades de diversos rincones del planeta. Son filmes que celebran las visiones de aquellos que apuestan por contar sus delirios, preocupaciones, sueños, historias y frustraciones.

Las secciones de este año son:

Dedazo. Una nueva sección que reúne los documentales más aplaudidos, celebrados y votados por la audiencia nacional e internacional.

Pulsos. Una muestra de la producción documental realizada recientemente en México, que impulsa y difunde trabajos con voz y visión propia.

Observatorio. Cine documental contado desde diferentes latitudes que plantea formas alternativas de advertir y plasmar realidades.

Dictator`s cut. Sección dedicada a documentales que abordan distintos aspectos de los derechos humanos y hacen una reflexión encaminada a fortalecer o desafiar nuestra percepción de la razón y de la realidad.

Injerto. Trabajos de corte experimental

Sonidero. Trabajos recientes sobre diversas e innovadoras corrientes musicales, desde propuestas con contenido social y político, hasta conciertos delirantes para miles de ávidos seguidores.

Ambulantito. Nueva sección pensada como un punto de entrada a distintas realidades a través del cine, creando un espacio de encuentro para niños y jóvenes.

Enfoque. Espacio designado a explorar un tema específico, elegido con base en su actualidad y relevancia. En este año la sección se concentra en el tema de los mercados negros, tanto en México como a escala internacional.

Retrospectiva. Dentro del tributo que cada año le rinde Ambulante a cineastas que son un referente en la cultura documental, para este año y por primera vez en México se presenta una retrospectiva de la cineasta vietnamita Trinh T. Minh-ha, quien estará en Morelia junto con otros invitados especiales.

Las siguientes dos imágenes (amplificables haciendo click en ellas) contienen la programación (sedes y horarios) del programa que comienza este viernes en Morelia.

Finalmente, en el video, a continuación, los aspectos más sobresalientes de la conferencia de prensa.

Cosecha Alamar nuevo

premio en La Habana

La película mexicana Alamar, de Pedro González Rubio, ganó este domingo el Primer Premio Coral a la mejor ópera prima en el prestigioso Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana. La película de Pedro González Rubio participó en esta sección con otras 23 óperas primas de 11 países latinoamericanos.
El jurado, estuvo integrado por el director cubano Pavel Giroud, el fotógrafo mexicano César Saldivar y la productora canadiense Helga Stephenson.
Alamar se estrenó en el Festival de Cine de Toronto en septiembre de 2009 y casi inmediatamente después, en octubre, en el VII Festival Internacional de Cine de Morelia, donde se llevó el premio a Mejor Opera Prima. Desde entonces, la cinta ha tenido un sobresaliente recorrido en los más importantes festivales internacionales. Ha recibido reconocimientos como mejor película en los festivalesde Rotterdam, Miami, Montreal, Buenos Aires, y Santiago de Chile, entre otros.
La película fue estrenada recientemente en Francia, donde ha obtenido una extraordinaria reacción de la crítica y del público francés.
En este enlace pueden acceder a la crítica publicada en este blog durante el FICM en 2009.

ALAMAR / Lista de premios

VII Festival Internacional de Cine de Morelia (2009):
Mejor Pelicula y Premio del Público

Festival Internacional de cine de Rotterdam 2010
Tiger Award (Mejor película)

Festival Internacional de Cine de Miami 2010
Mejor película

Festival de Cine de Toulouse, Francia, 2010
Premio FIPRESCI

Festival de Cine de Uruguay 2010
Premio del Jurado

Festival latinoamericano en Montreal 2010
Mejor Pelicula

BAFICI (Argentina) 2010
Mejor película y:
Premio SIGNIS (Mencion Especial)
Premio UNICEF (Mencion Especial)

Festival de Cine de Lima, Perú, 2010
Mejor Fotografia

Festival de Cine de Santiago, 2010
Mejor película
Mejor Director

Festival Internacional de Cine de Nara (Japon) 2010
Mejor Pelicula

Cine y Revolución en Morelia

Memoria y movimiento

El Fernando de Fuentes que nos legó dos de las mayores obras del cine mexicano como forma de pensamiento (El compadre Mendoza de 1933, y ¡Vámonos con Pancho Villa! de 1935), fue también el artífice de la más perfecta fórmula nacional del cine de entretenimiento, es decir, del cine que nos distrae de la realidad: Allá en el Rancho Grande (1935), que sentó un modelo y, en varios sentidos, parió a nuestra industria fílmica. A partir de la cinta protagonizada por Tito Guízar, René Cardona y Esther Fernández, las exitosas comedias rancheras del periodo se ocuparon de imponer la idea de que los únicos conflictos del mundo rural mexicano consistían en cantar canciones y enamorar muchachas.

Y aunque plantearlo así no es totalmente justo para De Fuentes, quien fue un genio, su caso es útil para poner en perspectiva las facetas del Cine de la Revolución en México, que en un amplísimo arco que va de La banda del automóvil gris (Rosas Moreno, 1919) a Zapata, el sueño del héroe (Arau, 2006), ensayó y configuró miradas inéditas en pos de identidad, pero también de estereotipos; en pos de valores, pero también de visiones idealizadas y llenas de glamur. Ha sido este un cine que colaboró activamente en el proceso de construcción de una identidad para la nación que estaba surgiendo con el siglo XX, al aportarle tanto mitos y paradigmas, como críticas y disimulos.

La prolija producción de películas que de una u otra forma aluden al tema de la Revolución Mexicana, y que ha de andar rondando los seiscientos títulos, hace pensar que sería imposible una exposición que diera cuenta razonable de esa riqueza o, por lo menos, de las trayectorias a las que apuntan, temática o estilísticamente, muchos de esos filmes.

A despecho de la incredulidad, el Instituto Michoacano de Cinematografía (Imcine), logró lo que parecía imposible al articular una exposición temática absolutamente imprescindible que abrió sus puertas en Morelia este fin de semana: Cine y Revolución.

La magna colectiva, que reúne unos 250 títulos, llegó a la capital michoacana luego de una primera temporada en la ciudad de México, en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, y se aloja en la planta alta del Centro Cultural Clavijero.

Integrada por seis salas temáticas, una sala de proyecciones y un Centro de Documentación que le da acceso al visitante a recursos virtuales y digitales que amplían aspectos de la muestra, Cine y Revolución es mucho más que un mero recuento de stills y de escenas o de tomas del cine mexicano. Es una exposición que problematiza los contenidos de la memoria, que atisba los orígenes del México posrevolucionario y que nos comparte aquello que persevera más allá de los desastres naturales y morales, más allá de las ruinas políticas y económicas; aquello que sigue respirando en las reconfiguraciones sociales y culturales de un México que es, al mismo tiempo, muy parecido y muy distinto a aquel país que, tratando de sacudirse las injusticias y desigualdades del portiriato, le dio una violenta y apasionada bienvenida al siglo XX.

Constituida a partir de unos 400 elementos, entre fragmentos de filmes, pósters, stills, equipo de filmación, utilería y parafernalia, Cine y Revolución es el fruto de una investigación de casi dos años, en la que de acuerdo a los organizadores se revisaron y registraron alrededor de 3 mil fotografías, 5 mil fotogramas, unas mil 300 secuencias de películas, 130 carteles, 200 fotomontajes, 50 registros sonoros, discografía, decenas de vestuarios, equipos de filmación, utilería, armas, libros, periódicos, revistas, guiones, reportes técnicos, álbumes, dibujos y bocetos, todo ello conservado, principalmente, en los acervos del IMCINE, de la Filmoteca de la UNAM, de la Fundación Televisa y de la Fundación Carmen Toscano, así como en numerosas colecciones públicas y privadas.
El resultado es una concentrada y deslumbrante reflexión acerca de los imaginarios, mitos y testimonios que han entretejido la identidad del México del siglo pasado, cuyos ecos alcanzan nuestro momento y ponen en perspectiva el México de hoy, el que le está dando a su vez la bienvenida al tercer milenio.

La mexicana fue la primera revolución del Siglo XX en ser filmada. Sus acontecimientos y consecuencias fueron la materia prima para el desarrollo de los primeros cineastas mexicanos (entre ellos Salvador Toscano, Jesús Hermenegildo Abitia, los hermanos Alva y Enrique Rosas), entregados a producir vistas, reportes noticiosos e incluso películas de propaganda. Mucho más tarde, hacia los años treinta, ya consolidado el nuevo régimen, la Revolución se convirtió en un tema natural para los cineastas y argumentistas que se desenvolvieron dentro del cine industrial. Fue entonces cuando comenzó la multiplicación de los filmes de ficción de tema o atmósferas revolucionarias.
Al seno de tales atmósferas, los realizadores narraron dramas amorosos o tragedias épicas, melodramas didácticos o estampas focloristas. El abanico pasa, entre otras estaciones significativas, por Flor Silvestre (1943) de Emilio Fernández, La Escondida (1955) de Roberto Gavaldón, La Cucaracha (1958) de Ismael Rodríguez, Juana Gallo de Miguel Zacarías (1959), La Sombra del Caudillo (1960) de Julio Bracho, La Soldadera (1965) de José Bolaños, Emiliano Zapata (1970) de Felipe Cazals, Reed, México Insurgente (1973) de Paul Leduc, o Los de abajo (1978) de Servando González, en las que aparecen caudillos como Pancho Villa y a través de las cuales se consolidaron las estrellas de nuestra época de oro, entre ellas Pedro Armendáriz, María Félix, Jorge Negrete y Antonio Aguilar.

De todo esto se ocupa la exposición Cine y Revolución, que es resultado de la iniciativa del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes a través del Instituto Mexicano de Cinematografía, así como de la Filmoteca de la UNAM, la Fundación Televisa, la Fundación Carmen Toscano y el Gobierno del Estado de Zacatecas.
Sin embargo, lo más celebrable de esta magna muestra es su vocación restitutiva de una memoria.
Esto es importante
Solemos creer que el pasado está muerto, pero eso no es así. Desde luego, el pasado ya no puede modificarse; no cambia. Es lo que fue. Pero eso no significa que no esté vivo. Si el pasado estuviera realmente muerto, simplemente no tendríamos tradiciones, ni memoria, ni historia. Mucho menos eso que llamamos “acervos culturales”.
Nuestra relación con el mundo depende en enorme medida de la memoria, pues la memoria no es meramente un atributo por el cual “conservamos el pasado”. En realidad, la memoria es una permanente respuesta al presente, al aquí y ahora. Mucho de lo que debemos aprender en nuestras vidas se encuentra en el pasado, sí, pero está allí esperando la oportunidad de actuar, de ejercer su acción sobre nosotros. El pasado se mantiene esperando la oportunidad de ser futuro. Y sólo para establecer esa conexión existe la memoria.

El proceso por el cual los hombres nos creamos permanentemente a nosotros mismos es la historia. Una tradición, cuando existe, sólo vale la pena por lo que puede comunicarle al presente. Este es, me parece, el mayor acierto de Cine y Revolución. Le da al visitante la privilegiada oportunidad de buscar permanentes respuestas al presente a partir de una memoria crítica y sentimental que es un patrimonio colectivo. No se la pierdan.

EN VIDEO / Palabras de Marina Stavenhaggen