Round de sombras

Amar tanto o la cruel

destrucción del otro

¡Qué poca diferencia hay entre dos hombres! Ambos coinciden siempre en el mismo propósito: destruir.
Henry Ward Beecher

Y morirme contigo si te matas
y matarme contigo si te mueres.
Porque el amor, cuando no muere, mata.
Porque amores que matan, nunca mueren.
Contigo / Joaquín Sabina

"¿Para qué quieres seguir? ¿Para cobrarte que nunca te quise?": el personaje de Lucía a Andrés en una escena de Round de sombras.

La historia de los grandes amores no suele terminar con el meloso “y fueron felices para siempre” que predican ciertos cuentos de hadas. Al contrario, los “amores desgraciados” surcan la experiencia sentimental de todas las culturas y aparecen en todas las épocas.
Hoy, nuestro tiempo y nuestro lugar son particularmente fecundos para distintas formas de la alevosía amorosa. Mucho tiene que ver el temperamento latino y la tradición de fuertes arraigos machistas que definen a nuestra cultura. De aquí la vigencia de un ejercicio como Round de sombras (Carmina Narro, 1996), con el que Ramsés Figueroa presentó su examen para la materia de Dirección II, en la licenciatura de Teatro de la EPBA. La obra hizo una corta temporada (estudiantil, intramuros) hace un mes, pero este domingo participó en la Muestra Estatal de Teatro y podría conseguir una temporada de presentación abierta al público.

Amor y duelos de poder
Recién separados, el bioquímico Andrés Belaunzarán (David Hurtado, correcto) y la ejecutiva bursátil Julia (Aidet Fuentes Mapourmé, notable) se reúnen una noche en la casa que compartieron. Él la ha invitado a cenar y durante el encuentro se muestra obsequioso, atento: busca una reconciliación. Ella, en cambio, se resguarda detrás de una calculada armadura de frialdad y sarcasmo por la que resbalan los intentos de Andrés en pos de empatía.
La cena se desarrolla con intensidad, entre diálogos que transitan activamente de las confidencias al enfrentamiento y al reproche mutuo. A través de ellos podemos reconstruir la historia de los personajes y, sobre todo, la naturaleza del momento que están compartiendo: una vez perdido el amor y con las heridas frescas y abiertas, no queda más que revolcarse entre los escombros de la intriga, el entredevoramiento mutuo y la desidealización.
Así: agria, irónica, de momentos dolorosos y un final contundente, Round de sombras hace de sus dos protagonistas ejemplares perfectos para la vivisección del desencanto, de los egoísmos, de los celos y de la culpa, pero sobre todo, permite la vivisección del amor como un duelo de poder.
Y en ese duelo cada uno de los enamorados, en nombre del amor, buscará (y logrará) la cruel destrucción del otro.

Del lobo al cordero
Hay veces en que aventurarse significa desventurarse más. A los dos personajes de Round de sombras les ocurre precisamente esto. Una vez asumido el amor como juego de poder, no puede sino conducirlos al abismo. Deberían detenerse, pero no pueden.
Por principio, una dramaturgia atenta y filosa define ágilmente a los personajes: estamos ante la mujer dominante y el varón sumiso.
Julia es autosuficiente, soberbia, fría y muy desenvuelta. No en balde trabaja para una firma bursátil: es la ejecutiva treintañera, guapa y exitosa, que toma decisiones y que procura planificar cada aspecto de su vida. Andrés, en cambio, es un laboratorista esencialmente introvertido y algo ratonil que carece de todo lo que Julia posee: carisma, aplomo y habilidad social. Es el nerd por excelencia, cuyo único atributo aparente es un sentido del humor más o menos sombrío (“a veces creo que sólo te casaste conmigo porque te hago reír”). Si parejas como esta no fueran habituales en la vida cotidiana, uno se preguntaría cómo es que dos personajes tan distintos han podido hacer una vida en común.
La contradicción es la causa de su desastre, evidentemente. Andrés es un hombre demasiado opaco y amorfo para una mujer del temple emprendedor de Julia. A su vez, ella es demasiado cínica y liberal para un hombre como Andrés (“No soy sociable porque no necesito a la gente. Tu necesitas a la gente porque tienes que andar por la vida rodeada de espejos para verte todo el tiempo”).
Sin embargo, es en este punto clave donde la dramaturgia establece la más perturbadora vuelta de tuerca de todo el trabajo.
En efecto: si en cierto sentido Julia es como una loba y Andrés como un cordero, la sinaloense Carmina Narro ha llevado la situación de los personajes a un punto extremo para mostrarnos que hasta un lobo tiene dentro de sí su oculta cuota de cordero, y cómo hasta una oveja puede esconder colmillos y garras afilados debajo de su dócil estampa. ¿Parece una alteración del orden natural? Lo es. De allí el horror que despierta. Valga recordar aquí, a propósito de esto, que algo similar habíamos visto en Morelia, en los años noventa, en los personajes de Peter y Jerry de La historia del zoológico (Edward Albee, 1958 en versión del grupo "Theomay"). Como sea, lo espeluznante en Round de sombras es ser testigos de esta transformación que, en el último momento, revela a Julia como la víctima y a Andrés como verdugo.

Con un tratamiento naturalista, la puesta revisa al amor como un duelo de poder en el que los personajes se destruyen mutuamente.

Enjaulados sin salida
Hay que añadir que esta solución no es tramposa (alguien lo comentaba al salir de la función y no comparto ese punto de vista). La situación ya estaba totalmente prefigurada desde uno de los diálogos más tempranos de Andrés, cuando le explica a Julia que no atendió su llamada telefónica previa, cuando él estaba en el laboratorio, porque estaba ocupado acariciando a sus ratas blancas: “Es que estaba con mis ratas -le dice-. Con mis ratitas. Las ratitas sienten cuando las vas a matar, así que tienes que acariciarlas; que sientan que las quieres antes de abrirles sus pancitas. ¡Carajo! Trabajo con ellas. ¿Cómo no las voy a querer? Lloro mucho cuando les abro la cabeza y sus ojos… sus ojitos…”. Tácitamente está revelando el verdadero contexto de la cena.
Más adelante vendrán otros signos ominosos que preparan el desenlace: el frasco de ácido colocado sobre la mesa; la angustiosa imagen de esos roedores de laboratorio que, corriendo en sus ruedas, creen que van a alguna parte cuando la verdad es que están enjaulados, condenados para siempre; la cada vez más evidente máscara de neutralidad de Andrés, soportando las alevosías verbales de Julia y calculando el momento justo para someterla, aplicarle el trapo con cloroformo y lanzarle el ácido al rostro.

Bienvenida a otro Infierno
Nada tan terrible como los amores destructivos. Y Carmina Narro toca fondo con este ejercicio. Bajo los dulces compases del clásico A mi manera (Frank Sinatra, 1969), Andrés acaba con el arma más poderosa de Julia: su belleza. Tras arrojarle el líquido a la cara y acudir a abrazarla protectoramente, le espeta: “¡Tienes que entender que, estando así, yo soy el único que puede quererte todavía!”
La frase es irrebatible y en esta línea particular, la obra lleva la crueldad al virtuosismo. ¿Sólo podemos poseer la belleza cuando la destruimos? Es la victoria más pírrica de todas, pero cosas peores ocurren cuando el amor enferma y su único objetivo es anular y someter al otro.
En todo caso, la perspectiva que se abre ante estos dos personajes torturados parece peor que la de la muerte. Si su matrimonio ya había sido un infierno, como se infiere de todo cuando han dicho, ¿qué les espera ahora?
Como si fueran personajes salidos de Luna Amarga (Polansky, 1992, que llevaba al límite la situación de una novela original de Pascal Bruckner), lo que les aguarda a Julia y Andrés es otro infierno más íntimo, privado, donde podrán dejarse devorar a gusto por esa espiral sado-masoca que conduce siempre a la locura o a desenlaces todavía más macabros. Lo que acabamos de ver no ha hecho sino empezar.

Cumplido naturalismo
Concebido como un trabajo para aprobar la materia de dirección en el octavo semestre de la licenciatura de teatro, el grupo Silencio Teatro, conformado por alumnos de la Escuela Popular de Bellas Artes, ha resuelto este texto con eficacia. Lo que nos han ofrecido es un teatro estudiantil absolutamente profesional, esto es: apasionado, responsable, inteligente y veraz.
La puesta del grupo es una pieza redonda en sus aspiraciones naturalistas, de una gran veracidad escénica, incluso en escenas tan difíciles como la del bofetón que Julia le propina a Andrés.
También importa tener en cuenta que se trata de un trabajo muy atento a su realidad, que toma una dramaturgia nacional y aborda un tema que no es en absoluto ajeno o extraño, sino común, asequible a cualquier público.
En términos de actuación el aplauso es para Aidet Fuentes Mapourmé, quien logra una potente caracterización. Por su parte, David Hurtado aparece correcto, pero sin proyectarle aún a su personaje las complejidades que alcanza su colega. Vale. Hay, de todos modos, suficiente simetría entre los dos personajes para convencer y conmover y no hay que olvidar que los dos actores han afrontado una experiencia particularmente difícil porque tanto la dramaturgia como el concepto de la puesta en sí (como teatro arena, muy cerca del público) están pensados para que todo el peso del trabajo recaiga en los personajes. Es un teatro de actores.
Como director, Ramsés Figueroa resuelve con limpieza y sencillez, dos atributos que nunca serán lo suficientemente festejados. Establece la mesa de la cena como centro de gravedad del espacio, con una tenue lámpara pendiendo al centro y flanquea el espacio escénico como un ring de boxeo cuyas cuerdas son en realidad cintas amarillas de las que emplea la policía para acordonar el lugar de un crimen.

La "segunda vuelta"

Originalmente, este trabajo dura unos treinta minutos (otro acierto, pues la economía de tiempo queda al servicio de la intensidad de los contenidos. Además, no debe olvidarse que Round de sombras es apenas una de las tres piezas del tríptico Químicos para el amor, de la misma dramaturga).
Pero para participar en la Muestra, que solicita trabajos de una duración mínima de 50 minutos, el equipo optó por elaborar, a modo de experimento, una “segunda vuelta” repitiendo la pieza, pero invirtiendo los roles de los personajes (Julia es la laboratorista introvertida que invita a cenar a Andrés, el empleado bursátil y es ella la que finalmente desfigura el rostro de su compañero).
La idea, surgida al amparo del taller de dirección impartido hace unas semanas en Morelia, dentro de las actividades previas de la muestra, es buena, ya que pone en perspectiva el rol de cada personaje y, sobre todo, introduce una variante para calibrar las reacciones del público ante una tipología femenina distinta. Sin embargo, el experimento indudablemente necesita madurar.

EN VIDEO; Dos fragmentos de Round de sombras.

La hija de Rappaccini

Inocencia envenenada

La belleza no es sino el comienzo de lo terrible. Lo que somos apenas capaces de soportar. Lo que sólo admiramos porque serenamente desdeña destrozarnos. Todo ángel es terrible.
Elegías de Duino (Elegía I) / Rainier María Rilke, 1922

No me atrevo a ofrecer lo que deseo dar,
y menos a tomar lo que perder me mataría.
Miranda en La Tempestad (Acto III, escena 1) / William Shakespeare, 1611

Y en una tarde triste de los más dulces días,
la Muerte, la celosa, por ver si me querías,
como a una margarita de amor te deshojó.
Margarita (fragmento) / Rubén Darío, 1893

El tiempo del Ser no tiene principio ni fin.
Por eso el nacimiento y la muerte de los mundos no se detienen nunca.
Vishnu Purana, Libro I, capítulo 1, versos 18-19 / Atribuido a rishi Vyasa, Siglo II antes de Cristo

Ana Teresa Zayas Chavira interpreta a Beatriz en La hija de Rappaccini.

Gallardamente adolescente en su espíritu, provocado-ramente subversiva en su tema e irritantemente amateur en sus actuaciones, La hija de Rappaccini (Octavio Paz, 1956, en dirección de José Refugio García) se presentó en la muestra ayer, domingo, pero tuvo una primera temporada del 16 de enero al 1 de febrero en el teatro Stella Inda, del IMSS: fue la obra que abrió el telón teatral de 2009 en Morelia y por eso le dedico una atención especial. No es una atención gratuita. Se trata de uno de nuestros clásicos nacionales menos conocidos y merece el esfuerzo.
El único acto de la pieza consta de un prólogo, nueve escenas y epílogo, y narra el amor imposible entre Juan, un estudiante napolitano que llega a Padua, y Beatriz, la bella y enigmática hija del doctor Rappaccini, quien es un genio botánico empeñado en darle atributos inéditos al mundo vegetal. A partir aquí, la historia replantea uno de los estereotipos más inquietantes de nuestras culturas patriarcales: la femme fatal, la “vampiresa”, la mujer-monstruo. Es decir: la devoradora de hombres.

De lo cósmico a lo humano
Un sentido trascendente abraza a esta puesta gracias a una aparición mítica, cuyas reflexiones abren, acompañan y cierran la obra. El personaje del Mensajero en la dra-maturgia de Octavio Paz ha sido caracterizado aquí por José Refugio García como Kali: la diosa-madre hindú cuya dualidad sostiene al universo a través de un permanente ciclo de creaciones y aniquilamientos.
“Mi alma es transparente –dice el personaje, que ya no aparece oscuro como en la tradición veda, sino en coloridos atuendos, como un lúdico arlequín–: Si os asomáis a ella, en su fondo no encontraréis nada que sea mío. Nada, excepto la imagen de vuestro deseo, que hasta entonces ignorábais”.
En esta calidad de espejo místico, Kali (Yareli Muñoz) muestra al público varios arquetipos, algunos extraídos del tarot de Marsella (la Estrella, el Ermitaño, los Amantes, un juglar…) que revelan a cada personaje de la obra. Kali acentúa así el sentido alegórico de lo que vamos a ver.
La hija de Rappaccini, pues, no será un mero relato de amour fou a la francesa, donde los manes del amor son adversos a los protagonistas, sino una reflexión ética y trágica acerca de la mujer y del amor.

Eros Alexis Otega encarna al doctor Rappaccini en la versión de la compañía moreliana Espacio Escénico.

Romance fatal
La hija de Rappaccini abre con el joven Juan (Yazman Pulido en la puesta original, relevado ayer por Said A. Soberanes Benítez), quien llega a Padua a estudiar Leyes. Al alojarse en una modesta posada, Juan elude los lances de la madura ama de llaves Isabel (Yareli Muñoz en doble papel) y domina su miedo ante la lóbrega perspectiva de estar solo en una ciudad ajena, para lo cual parodia con humor a dos clásicos: Drácula (Stoker, 1897) y Nosferatu (Murnau, 1922).
Desde el balcón de su cuarto Juan también descubre el exótico jardín de su vecino, Rappaccini (Eros Alexis Ortega), quien se deleita con sus singulares creaciones.
“¡Ah! Te ruborizas, pero estás bien armada”, le dice Rappaccini a una de sus flores en tanto Juan lo espía. La frase valdría para describir a cualquier rosa y sus espinas, pero pronto notaremos que la flor de Rappaccini es singularmente letal: “Si alguien te rozara –añade el científico–, pronto vería su piel cubierta por una rica vegetación de manchas azules”.
Al modo de Fausto (Goethe, 1808) o del doctor Víctor Frankenstein de El moderno Prometeo (Shelley, 1817), Rappaccini tiene una insaciable pasión por lo Infinito y gracias a su genio ha podido tocar lo prohibido. Como todo personaje fáustico, sus motivos son nobles, pero las consecuencias de sus actos son terribles: conmovido por la delicada belleza de las flores, Rappaccini ha usado su ciencia para darle armas a lo que antes era frágil: ha creado flores indómitas, bellezas ponzoñosas “más fuertes que la vida”.
Al espiar a Rappaccini, Juan ve por primera vez a Beatriz (Ana Teresa Zayas Chavira), la solitaria hija del científico. La bella joven añora otra vida pero ha aceptado su confinamiento en el jardín paterno, donde se impone la presencia de un robusto árbol al que ella llama “hermano”.
Lo obvio no tarda en ocurrir: Juan y Beatriz se conocen y se enamoran. Por primera vez, la tímida muchachita que huía ante cualquier extraño aguarda un poco antes de correr, y el joven que no tenía a quién darle unas rosas halla a quien dirigir su afecto.
Pero los obstáculos tampoco demoran. Desde el comienzo, Juan había sido advertido por Isabel del oficio de su vecino (“Es un gran sabio. Dicen que no hay otro médico como él. Y dicen otras cosas… El señor juzgará por sí mismo”). Luego, ya prendado de Beatriz, Juan es prevenido contra ella por el profesor Baglioni (Eduardo Jacobo Guízar), viejo amigo del padre de Juan, catedrático en Padua y antagonista profesional de Rappaccini.
Ocultando mal sus celos académicos, Baglioni critica la labor de su colega y, llegado el momento, le revela a Juan lo inaudito: Beatriz es el mayor experimento de Rappaccini. Es otra clase de flor venenosa, pero más terrible que las demás porque ella no es una planta, sino algo que comenzó siendo humano.
La advertencia de Baglioni llega tarde. Una escena antes, Juan se había internado en el jardín y había sido accidentalmente rozado por Beatriz. Ahora, horrorizado, el muchacho descubre que está contaminado: un soplo de su aliento basta para ennegrecer a la rosa más lozana.
A partir de aquí las desgracias se precipitan. Baglioni le ofrece a Juan un antídoto… pero no para él sino, alevosamente, para que se lo dé a Beatriz. A su vez, la confianza que Juan le debe a su amada flaquea. Y Rappaccini revela a destiempo sus intenciones hacia Juan: sólo quiere que sea la pareja de su hija.
Ante las dudas de unos, las intrigas de otros y la incomprensión de todos, Beatriz asume su destino. Bebe el antídoto que le ofrece Juan, aunque sea letal para su sangre, y va a acurrucarse al pie de su árbol tutelar para morir ahí.
Rappaccini ha perdido a su única hija. Juan ha perdido a su amada. Baglioni ha conjurado la amenaza profesional de Beatriz y Rappaccini, pero al precio de convertirse en un asesino. El amor y la vida han perdido una oportunidad de triunfar.

Tres miradas a un tema
Tres miradas distintas coinciden en la puesta de La hija de Rappaccini para poner en perspectiva el tema de la mujer fatal.
Por un lado, el cuento original de Nathaniel Hawthorne, escrito en 1844, cuestiona la victimización de la mujer en un mundo patriarcal (con un franco tono romanticista y un estilo de resonancias góticas); por el otro, la aportación de Octavio Paz al reelaborar el cuento es que redimensiona la tragedia con acentos poéticos que son a la vez líricos y trascendentes, desde un estilo claramente modernista (en un ámbito de referencias místicas, románticas, orientales y neoclásicas cosmopolitas).
A su vez, el director J. Refugio García lee correctamente a Paz, comprende bien los guiños de su dramaturgia y los interpreta para la escena. Ahí están, para probarlo, la excelente solución que le ha dado a la escena siete con su juego de sombras chinescas (si Paz viviera, habría aplaudido ese tratamiento), así como la caracterización del Mensajero como Kali, y la atmósfera onírica que se le procura imprimir a toda la obra. Sin embargo, y desgraciadamente, falla al configurar un elenco débil cuyo nivel actoral compromete toda la puesta en escena, pues sin actuaciones no hay tono y el ritmo inevitablemente se cae.
Pero antes de ir tan lejos vale la pena detenerse y acudir a la fuente de la pieza para ver el alcance de la adaptación de Paz y ponderar la lectura que de ella logran los teatristas morelianos que la han montado.

Hawthorne y el estudio del pecado
La hija de Rappaccini se inspira en un cuento de Nathaniel Hawthorne (Salem 1804–Plymouth 1864). “El hombre de letras más sombrío de Norteamérica”, como él mismo se definía, dedicó su pluma a explorar el sentido ético del pecado. El mejor ejemplo es su novela La letra escarlata (1850), donde una joven adúltera se niega a traicionar la identidad de su amante, convirtiéndose así en un personaje más íntegro que sus acusadores. Esta novela es vital para entender el pensamiento conservador en los días de los “pylgrim fathers” que fundaron la nación esta-dounidense y ha sido llevada al cine varias veces.
Pero si esto es así en sus novelas, en sus cuentos Hawthorne suele colocar un elemento fantástico que es el vehículo para expresar conflictos éticos.
Por ejemplo, en La marca de nacimiento un científico se casa con una mujer que tiene una mancha en el rostro y el hombre se obsesiona en investigar tal marca, sin importarle arriesgar la vida de su esposa. En El joven Goodman Brown el joven del título (Goodman, literalmente: Buenhombre) quiere ser malo para ser “único”, “especial”, pero conducido por el mismísimo diablo a una misa negra, descubre allí hasta a los más puritanos de su pueblo y se vuelve paranoico: la exclusividad del mal no existe y ya no hay en quién confiar. En el extraordinario texto El egoísmo un hombre sobrevive angustiosamente al dolor que le causa una serpiente que vive en su pecho.
En estos y otros relatos de Hawthorne, los personajes han transgredido un límite o han antepuesto el egoísmo, la soberbia o la ley a alguna necesidad humana básica (consuelo, ternura, lealtad…).
Siguiendo esta línea, en La hija de Rappaccini Hawthorne nos pone ante un personaje fantástico que es inquietante por su ambivalencia. Beatriz es una presencia antinatural, hija de artes prohibidas: es una “mujer-veneno”, un monstruo. Pero al mismo tiempo es un personaje inocente: no eligió ser lo que es. Más aún, desde su naturaleza mortífera Beatriz opta por no causarle el mal a nadie y esa bondad acaba por convertirla en la víctima de los demás, que se transforman así en los verdaderos monstruos, ya que ellos sí han podido elegir y todos le han causado daño a ella con sus decisiones.
En este sentido, el concepto de un “Pecado original” que cada uno de nosotros lleva como un fardo desde que nace (como pasa con Beatriz) nunca se reveló tan cruel como en este texto. Y hablar de “Pecado original” no es gratuito. En su relato decimonónico, y acorde al entorno puritano en que vivió, Hawthorne establece un paralelismo claro entre el Paraíso de la tradición judeocristiana y el jardín de Rappaccini, que no es sino otro Edén donde veremos cómo se reproduce la Caída.
El símil va más allá. Si la Beatriz de Dante en La Divina Comedia (1642) era una emisaria de la Divinidad que guiaba al poeta hacia el Paraíso, la Beatriz de Hawthorne representa a una Hija del Hombre; ella encarna a la humanidad después del Pecado Original. ¿Acaso no somos todos, como ella, una compleja mixtura entre Bien y Mal? Y Hawthorne reflexiona sobre esto y nos muestra que lo terrible no es que seamos, como Beatriz, ángeles y monstruos al mismo tiempo, sino que ante esa realidad seamos soberbios como Rappaccini, obtusos como Baglioni o pusilánimes como Juan. Para Hawthorne, en este cuento, tales son los verdaderos pecados, porque los tres nos ciegan y nos impiden reconocernos y aceptarnos como somos.

Yazman Pulido (arriba) como Juan en la primera temporada de esta obra, emprendida en el mes de enero.

La femme fatal y los otros venenos
Ya se ha dicho que La hija de Rappaccini redimensiona a la femme fatal, pero falta mostrar cómo.
De entrada, este prototipo halla su imagen más terrible, no en las “mujeres-veneno” (que sólo son dos anécdotas breves, casi perdidas en la literatura oriental, rescatadas por la enciclopédica erudición de Paz), sino en el mito de las mujeres con vagina dentada que surca, ese sí, varias culturas, desde la Polinesia y África hasta el Medio Oriente y China.
Pero lo extraordinario en el cuento de Hawthorne es cómo el autor mira más allá de tales mujeres letales y nos revela su contraparte: el homme fatal.
En efecto, los tres personajes masculinos en el cuento de Hawthorne desean ayudar a Beatriz, pero en el fondo los tres temen el contacto mortal de la muchacha. Debido a este miedo, tanto Rappaccini como Baglioni y Juan (Giovanni en el texto original) sólo pueden ver a Beatriz desde sus propios intereses egoístas y esto lleva a un desenlace cruel: para la joven cada acto de esos hombres significará su muerte.
Esto es importante. Si Beatriz es una mujer-veneno, los otros personajes de esta pieza también están emponzoñados.
El doctor Rappaccini está envenenado de soberbia intelectual. Ha buscado alcanzar lo que siempre le ha estado vedado al hombre: la inmortalidad en la Tierra y la perdurabilidad de la belleza. Rappaccini encarna la Hybris griega (aquel que ambicione subir demasiado alto será derribado por los dioses).
Baglioni, en cambio, es el hombre común envenenado de escepticismo materialista. Incapaz de percibir “lo maravilloso”, quiere reducirlo todo al ámbito de lo seguro y lo calculable. Bagloni encarna esa forma de estupidez humana que nos ha acompañado a través de todos los tiempos y de todas las civilizaciones: es un hombre que quiere destruir aquello que no puede comprender.
Juan, por su parte, alberga un conflicto no menos tremendo. Colocado ante el amor que le abrirá las perspectivas de su vida (como hace el amor con todos nosotros, cuando somos jóvenes), Juan es incapaz de superar su miedo para dar ese salto hacia lo Porvenir. Por esta razón, al final, es un personaje muy doloroso, ya que no ha sabido acopiar el valor necesario para estar a la altura de sus sueños.
En cuanto a Beatriz, su condición revela la paradoja central de lo humano: es bella, pero también venenosa; es noble, pero está maldita; es el pecado, pero también la posibilidad de la redención. Su personaje conjuga así los dos extremos clásicos de ver a la mujer en las culturas patriarcales: como santas o como diablesas. Beatriz es las dos. Pero como tal dualidad parece irreductible para el pensamiento occidental, Beatriz será la víctima de un mundo de hombres que no puede vencer sus propios miedos ante la dimensión de lo femenino, que es al mismo tiempo sagrada, erótica, lunar y telúrica.

Paz y la trascendencia modernista
Pasemos ahora a la dramaturgia de Octavio Paz. La palabra clave para comprender lo que hizo nuestro poeta mexicano con su versión de La hija de Rappaccini es “modernismo”. En efecto: La hija de Rappaccini es un texto modernista o no es.
Veámoslo así: en El caracol y la sirena (“Cuadrivio”, Ed. Joaquín Mortiz, 1989), Octavio Paz deslindaba lo esencial del movimiento modernista latinoamericano y decía: “Sus poetas enriquecieron el idioma con acarreos del francés y del inglés; abusaron de arcaísmos y neologismos y fueron los primeros en emplear el lenguaje de la conversación. Su cosmopolitismo no excluía a las conquistas de la novela naturalista francesa ni las formas lingüísticas americanas” (…). “Fueron exagerados, no hinchados; muchas veces fueron cursis, pero nunca tiesos. A pesar de sus cisnes y de sus góndolas, le dieron al verso español una flexibilidad y una familiaridad que jamás fue vulgar y que habría de prestarse admirablemente a las dos tendencias de la poesía contemporánea: el amor por la imagen insólita y el prosaísmo poético”.
Todo lo anterior (en especial “el amor por la imagen insólita”) está presente en La hija de Rappaccini, con el añadido de que las citas a la cultura occidental gala y sajona se extienden a las tradiciones orientales a las que Paz tanto amó.
Desde este contexto, una línea puesta por Paz en labios del doctor Rappaccini apunta cuál es la preocupación esencial del poeta en este trabajo teatral. Dice su personaje: “Lo que para unos es vida, para otros es muerte. Nosotros sólo vemos la mitad de la esfera, pero la esfera está hecha de muerte y vida. Si acertase con la medida y las proporciones justas infundiría porciones de vida en la muerte; entonces se unirían las dos mitades: ¡seríamos como dioses!”.
Esta línea es clave. Como modernista, Paz recupera los trágicos relatos de amour fou (“amor imposible”) de las tradiciones griega y francesa; las inquietantes atmósferas góticas de las que nacería el thriller de tradición británica (y de las cuales el propio Hawthorne ya había abrevado para su cuento). También redimensiona el espíritu romántico de la anécdota (y es absolutamente romántico, pues, desde este enfoque ¿qué es Beatriz sino la alter ego del monstruo del doctor Frankenstein, cuya desgracia es que ama a un mundo que la desprecia y la teme?)
Pero, sobre todo, Paz introduce un sentido místico, un aliento de trascendencia sobrehumana al colocar la tragedia en una perspectiva cósmica. Esa es la importancia del personaje del Mensajero, que mira la vida de los hombres como un péndulo permanente entre el amor y la muerte, entre la vida y la destrucción, entre el abrazo y el desencuentro.
Así pues, La Hija de Rappaccini, recupera los elementos propios del neoclasicismo (la pasión por la ciencia y el detalle) y del romanticismo (la seducción de la muerte, el ideal imposible, la búsqueda de una trascendencia sobrehumana, la devoción al mundo natural como una tierra de misterios) y demuestra su vigencia en un contexto contemporáneo para decirnos, con gran belleza, que “el amor es elección”. Esa es la herencia que nos lega y es un texto extraordinario.

Aspecto al trabajo con teatro de sombras para resolver la escena siete del texto de Octavio Paz.

Cimas y abismos de una puesta
A la hora de revisar lo que ha hecho con todo lo anterior el equipo moreliano responsable de esta experiencia, hay que empezar señalando que el director José Refugio García ha comprendido notablemente bien el texto que tiene entre manos. Con una eficaz intuición, por ejemplo, le ha dado al personaje del Mensajero la identidad de la diosa Kali, que en la cosmogonía hindú representa al dualismo que sostiene al universo a través de procesos de aniquilación y rege-neración permanente. Muerte y vida encarnan en Kali. Es la Madre Protectora y la Madre Negra, terrible con su collar de calaveras. Su significado primordial es el de la destrucción total que crea un nuevo orden de mayor pureza. Ella es la “Devoradora del Tiempo”: crea y derriba incesantemente para proteger a la Eternidad.
Todo el texto de Paz es surcado por sugerencias trascendentes afines a esta idea. Y como lo trascendente siempre está muy cerca de las experiencias oníricas (al mismo tiempo lúdicas, absurdas, salvajes e insólitas), el director y su equipo han introducido diversas estructuras de representación del juego y del sueño: las sombras chinescas, la música que es esencialmente hipnótica y taciturna, la caracterización de Kali como un arlequín, la concepción de la mesa de trabajo de Rappaccini como un contrabajo contrahecho, la iluminación crepuscular barrida por densos azules que viran al violeta o al verde… y existe cierto aliento para-teatral que sugiere que cuanto vemos en escena es un mero estremecimiento en la mente de Kali. Toda la obra es un sueño.
Y los resultados de todo esto serían deslumbrantes de no ser por las desventuras actorales que arrasan con la puesta. Hay que decirlo: hasta la inspirada escenografía se pierde aquí por la limitada actoralidad del elenco.
Los desfases son de diversa índole. Por ejemplo: la única presencia con la energía bien instalada es la de Eros Alexis Ortega, que también es quien mejor ha comprendido sus textos. Pero inexplicablemente el actor sobre-enmascara su voz y entre las dos cosas: su energía arriba y la voz afectada, se dispara a mil años-luz de los demás.
Mientras, en las antípodas, la ausencia escénica acosa a Ana Teresa Zayas (que está prácticamente debutando en el teatro en el papel de Beatriz). Pero también es justo decir que, aunque ella muestra las carencias más acentuadas, la limitación más comprometedora para la puesta es pro-bablemente la de Yareli Muñoz, porque su personaje del Mensajero tiene las líneas más bellas de todo el texto, aquellas que atesoran los más intensos momentos de poesía en prosa, pero los ricos matices de sus líneas se pierden porque no logra expresar tal riqueza, aunque en la función de ayer hubo mayor limpieza. Sus trazos están bien acotados por la dirección (como ocurre con los demás), pero eso es todo. Y los trazos no bastan. De hecho, no deberían notarse.
Así pues, sin el indispensable orden actoral, el tono de la puesta se desdibuja de inmediato y lo que tendría que ser una suprema experiencia de horror poético de guiños fáusticos deviene un acontecimiento neutro, incluso insípi-do, que no alcanza a interesar o conmover al espectador. Peor todavía, porque la actuación es la piedra angular que le da sentido a todos los demás elementos de la experiencia teatral. Al fallar la actuación, que es la razón de ser de lo teatral, todos los demás aciertos, por sublimes y poderosos que sean, se desconectan entre sí y quedan aislados, perdidos. Son las crestas solitarias de un imponente continente submarino que no alcanzamos a ver.
En este sentido, a La hija de Rappaccini se le puede considerar una experiencia fallida, pero los errores deben festejarse si nos disponemos a afrontarlos y aprender de ellos. ¿No se dice a veces que la vida es una permanente experiencia de pruebas y ensayos?
Para mí, al ser este el trabajo que inauguró el año teatral moreliano, La hija de Rappaccini me confirma el estado general de la escena estatal. Cada grupo michoacano, con su perfil singular, lleva consigo sus cimas y sus abismos, sus aciertos y sus retos incumplidos. Todos difieren, claro, porque cada uno es resultado de su propia historia.
Aquí, en todo caso, prefiero quedarme con la bella audacia de las cuatro instancias productoras de este ejercicio porque se han arriesgado a ofrecernos uno de los textos más desconocidos y hermosos de la dramaturgia mexicana (una auténtica rara avis) y no han retrocedido ante el temor de ensuciarse demasiado a la hora de acometer semejante empresa.
No hay mejor colofón para este esfuerzo que las propias palabras de Octavio Paz, puestas en labios de su Mensajero al cerrar la obra: “Una tras otra se suceden las figuras: el juglar, el ermitaño, la dama. Una y otra vez aparecen y desaparecen, se juntan y separan. Guiadas por los astros o por la voluntad sin palabras de la sangre, marchan hacia allá, siempre más allá, al encuentro de sí mismas; se cruzan y enlazan por un instante y luego se dispersan y se pierden en el tiempo. Como el concertado movimiento de los soles y los planetas, infatigablemente repiten la danza, condenadas a buscarse, condenadas a encontrarse y a perderse y a buscarse sin tregua por los infinitos corredores. ¡Paz a los que buscan, paz a los que están solos y giran en el vacío! Porque ayer y mañana no existen: todo es hoy, todo está aquí, presente. Lo que pasó… está pasando todavía”.

EN VIDEO: Algunos momentos de La hija de Rappaccini.

Recursos en la web

Para aquellos que deseen indagar más acerca de esta obra teatral, de su fuente literaria o de hechos asociados a ambas, ofrezco los siguientes vínculos que vale la pena visitar.

Cuentos de Nathaniel Hawthorne en inglés original

• http://www.online-literature.com/hawthorne/
  
  

Cuentos de Nathaniel Hawthorne traducidos al español

• http://www.ciudadseva.com/textos/cuentos/ing/hawthor/nh.htm (para lectura en línea)
  
• http://www.elortiba.org/nathaw.html (descarga en zip)
  
• http://www.librosparadescargar.com/ebook-1/1151572128-cuentos-recopilados (descarga en zip)
  
• http://books.google.com.mx/books?id=7WIZ06J_hTIC&dq=Hawthorne+cuentos&printsec=frontcover&source=bl&ots=xLjlmAiJxE&sig=9G9kvmZP22732uQQnVsB-LYwTqQ&hl=es&ei=B42pScLrPISGngf0lu36Dw&sa=X&oi=book_result&resnum=9&ct=result#PPA7,M1 (Wakfield y otros cuentos. Captura digital. Libro con diez relatos).
  

Versión en inglés original del cuento La hija de Rappaccini, de Hawthorne en:

• http://www.shsu.edu/~eng_wpf/authors/Hawthorne/Rappaccini.htm
  
  

Versión traducida al español del cuento La hija de Rappaccini, de Hawthorne en:

• http://www.cinefantastico.com/terroruniversal/ficcion/index.php?t=cuentos&id=348&mode=cuento
  

La hija de Rappaccini. Libreto teatral original de Octavio Paz. Edición digital (formato flash):

• http://issuu.com/thetwister2000/docs/la_hija_de_rappaccini_1956_-octaviopaz_/5?mode=embed&documentId=081221170703-1d7d97d406434e2e9c9b84e846c61f62&layout=grey
  

Una aproximación al mito de la mujer veneno desde La hija de Rappaccini. Ensayo. Daniel Domínguez Cuenca. Sitio de la revista digital de la Universidad “Cristóbal Colón”:

• http://www.eumed.net/rev/rucc/17-18/ddc.htm
  
  

HOY EN LA MUESTRA

Lunes, junio 22

Segundo Coloquio de la Muestra Estatal de Teatro
Primera sesión de diálogo con los directores de seis agrupaciones en torno a las obras que han presentado. Participan Angie Suárez (Entre nos), Roberto Briceño (¿Y si Heidegger no hubiera muerto?), Ramsés Figueroa (Round de sombra y El príncipe que tenía que trabajar para seguir siendo príncipe), Luis Gonzalo Chávez (La casa de Bernarda Alba) y José Refugio García (La hija de Rappaccini) Foro La Bodega, 17:00 pm. Entrada libre

El cepillo de dientes
Copérnico Vega vuelve a la escena local con un clásico del teatro latinoamericano. El cepillo de dientes, del chileno Jorge Díaz (1930–2007) fue la primera dramaturgia en AL que, a comienzos de los sesenta, exploró las premisas del “teatro del absurdo”. La anécdota retrata el culto al ocio y a la indiferencia en un matrimonio de clase media en etapa terminal. Hay que verla. Teatro Melchor Ocampo, 20:30 pm. Entrada libre.

FOTO: El dramaturgo Jorge Díaz, autor de El cepillo de dientes. Imagen tomada del archivo del diario chileno "El Mercurio" (http://img.emol40.elmercurio.com/)

Entre nos, de Los Reyes, abrió la muestra

Soledades compartidas

Alma que, siempre disconforme de ella,
como los vientos vaga, corre y gira;
alma que sangra y sin cesar delira
por ser el buque en marcha de la estrella.
Alma desnuda / Alfonsina Storni

Soy huésped de mí misma
Emily Dickinson

Angie Suárez y Paola Mora protagonizan a Leonor y Laura en el trabajo que abrió la muestra en el teatro Ocampo.

Le correspondió al teatro del interior del Estado, representado por la agrupación Teatro Libre de Los Reyes, “partir plaza” ayer y abrir las actividades de la Muestra Estatal de Teatro 2009 con la representación de la pieza en un acto Entre nos (Santiago Serrano, Argentina, 1990). La obra es dirigida por Angie Suárez y Óscar Malagón Pérez y representa el trabajo más reciente de este ensamble oriundo del oriente michoacano.
Aunque la inauguración oficial, con su acto de protocolo, se realizó ayer a las 20:30 horas en el foro La Bodega con ¿Y si Heidegger no hubiera muerto?, es importante precisar que Entre nos fue el ejercicio encargado de dar el verdadero comienzo, en punto de las 18:00 horas, a las jornadas escénicas que se extenderán en la capital del Estado hasta el próximo día 30.
Tarde nublada y de intenso congestionamiento vehicular en el primer cuadro moreliano, con el centro capitalino flanqueado por un festejo de apoyo sindical en el Colegio de San Nicolás y el plantón de docentes ante Palacio de Gobierno. Mientras, durante esta función inaugural, en la butaquería del teatro Melchor Ocampo hubo pocas localidades ocupadas.
Pese a todo, el rito se cumplió y la experiencia teatral llegó a su cita como sigue:

Dos callejones sin salida
Ya cuarentonas, y tratando de fingir que están satisfechas con la vida que les ha tocado, las muy distintas Leonor (Angie Suárez) y Laura (Paola Mora), coinciden en la banca de un parque. La primera ha llegado ahí para dedicarse a tejer; la segunda ha acudido durante su hora de comida en el trabajo.
Paulatinamente, las dos mujeres pasan del recelo a la confianza y de las apariencias a las revelaciones mutuas. Habiendo remontado poco más de “la mitad del camino de la vida” (diría Dante), ambas se descubren trágicamente solas (aunque una de ellas, Leonor, ya ha engendrado una familia) y sin perspectivas sentimentales para el futuro. La vida se ha vestido de gris para las dos y, a pesar de todo, el catártico encuentro concluye con un positivo cambio de actitud, por lo menos para una de ellas.
Esta es la premisa de la pieza Entre nos, breve ejercicio del dramaturgo y psicoanalista argentino Santiago Serrano. Los integrantes de Teatro Libre de Los Reyes han acometido el montaje con la mayor sencillez posible. Sólo están las dos actrices en escena, el banco donde se registra su encuentro y, contra el ciclorama, al fondo, la proyección de una imagen fija del quiosco de la Plaza de Armas en Morelia, para ambientar.
Desde esta simplicidad, Angie Suárez (Leonor) y Paola Mora (Laura) consiguen interactuar con eficacia para expresar las ironías y sarcasmos que pueblan los diálogos del trabajo, pero también los momentos patéticos, muy contenidos, con los que se pone en perspectiva la soledad de la mujer contemporánea, no importa que esta sea un ama de casa tradicional capaz de aferrarse al consuelo de una familia que la ame (caso de Leonor) o una oficinista marchosa y con deseos de escalar puestos que se esmera en superarse, tener buen aspecto y llevar las riendas de su vida (caso de Laura).

La sencilla eficacia
El trabajo, modesto pero muy digno, se disfruta entre otros motivos porque no se extiende ni se regodea inútilmente en su situación y bastan menos de cincuenta minutos para compartir la anécdota, cuyo tono coloquial también colabora a una fluida conexión con el público.
Entre tanto, los dos personajes intercambian vulnerabilidades, se tornan cómplices, se lanzan unos cuantos arañazos, algunos dolorosamente certeros (“no eres más que una vaca echada, en eso te convertiste”), declaman poemas que dan testimonio de su condición y, tras un primer momento de disimulos, acaban convirtiéndose en solidarias y lastimosas confidentes.
Muy costumbrista en su espíritu, el trabajo establece sus retratos correctamente. No es una ventana a otros mundos, sino un espejo que refleja los que habitamos, pero desde esa dimensión cumple, exhibe, cuestiona, hace reir y pensar.

Buena respuesta
En entrevista, tras la función, Angie Suárez detalla los pormenores de este estreno.
Como se recordará, hace un año, su grupo se presentó en la Muestra Estatal de Teatro con una versión de Entre Pancho Villa y una mujer desnuda. Luego de esa experiencia, Entre nos se estrenó en Ciudad Hidalgo en marzo pasado, tras un ágil periodo de casi 20 días de ensayos y a la sazón ha ofrecido una decena de funciones, todas ellas en el cine María Isabel, en Los Reyes, que ha sido habilitado como foro escénico.
“Hemos tenido muy buena respuesta de la gente –dice la directora–, especialmente de señoras de la edad de nuestros personajes. Me parece que la obra les permite identificarse fácilmente porque el texto habla de problemas muy comunes que se dan en todas partes; el asunto de la soledad cuando una es mujer parece un tema universal y es muy diferente a la forma en que ustedes, los hombres, sacan adelante crisis parecidas”.
Indica asimismo que la alerta desatada por el brote de influenza causó sus estragos a la obra. “Llegamos a dar alguna función con apenas dos o tres personas en el teatro, pero lo interesante es que la gente no ha dejado de acudir”. Actualmente, el grupo espera confirmar funciones de este trabajo en las comunidades de Cotija o Peribán. También se apresta para llevar a escena Cleotilde en su casa, de Jorge Ibargüengoitia. A nueve años desde su nacimiento, Teatro Libre de Los Reyes ha llevado al escenario 28 distintas puestas en escena.

EN VIDEO: una escena de Entre nos, ofrecida por el grupo Teatro Libre de Los Reyes.

Acto inaugural en el foro La Bodega

Relación más fructífera

pide titular de la Secum

Vista parcial al público asistente a la inauguración de la Muestra Estatal de Teatro 2009, en La Bodega.

La invitación a buscar “caminos más atrevidos”, que lleven a una relación “mucho más fructífera” entre instituciones, creadores, productores y actores, fue el llamado principal del secretario estatal de cultura, Jaime Hernández Díaz, a la comunidad artística de la entidad al inaugurar anoche en Morelia las actividades de la Muestra Estatal de Teatro 2009.
El acto de protocolo ocupó apenas diez breves minutos y tuvo como sede el foro La Bodega. Intervinieron en el mismo el titular de la Secum y el jefe del departamento de teatro de la institución, Fernando Ortiz Rojas.
En sus discursos, los dos funcionarios coincidieron en acentuar la presencia de nuevas generaciones de teatristas, procedentes de una formación universitaria que ha venido abriendo el camino a licenciaturas en artes durante la última década.
Fernando Ortiz celebraría, en ese contexto, el surgimiento de un gremio teatral que “en este 2009 se muestra presuroso por configurar un rostro del teatro michoacano”.

‘Formación, reflexión y autocrítica’

En la primera de las dos intervenciones de la noche, Fernando Ortiz recordó que las actividades de la muestra comenzaron realmente a fines de mayo pasado con la realización de tres talleres dedicados a los temas de la función del director, la voz y la actuación, que se impartieron gratuitamente a integrantes de la comunidad escénica local. Indicó que tales sesiones ayudaron a redondear el perfil de una muestra que no sólo apunta a la exhibición del hecho escénico, sino “a la formación, la reflexión y la autocrítica”.
Al perfilar al foro, lo denominó “un encuentro de diversas maneras de hacer teatro”, pero hizo énfasis en la presencia de una comunidad estudiantil que se permite compartir su trabajo con otros, en una tarea que busca fortalecer los nexos del diálogo y el entendimiento de cara a un gremio escénico que en este 2009 “se muestra presuroso por configurar un rostro del teatro michoacano”.
El también director teatral concluyó: "Esperando que cada uno encuentre las respuestas que le permitan emprender con mayor ahínco su esfuerzo escénico, deseamos que cada función nos brinde la posibilidad de ser más humanos a través de la ficción que es el teatro".

EN VIDEO. Intervención de Fernando Ortiz (Departamento de Teatro, Secum) en la inauguración de la Muestra.

A favor de nuevas alternativas

En su turno, el responsable de la Secretaría de Cultura agradeció los esfuerzos del departamento de Artes Escénicas, cuyas acciones, dijo, apuntan a responder a planteamientos formulados a la Secum por la comunidad artística desde las jornadas de consulta emprendidas al comienzo de la actual administración gubernamental godoyista.

Habló de la demanda de ser “abiertos” a las nuevas realidades del ámbito artístico, en este caso del teatro, como una inquietud institucional presente en los últimos años. Acentuaría la presencia de licenciaturas en artes y humanidades que han surgido en la última década, “generando modificaciones sustanciales en el panorama escénico”.
En lo esencial de su intervención, Hernández Díaz señalaría: “La Muestra Estatal de Teatro nos exige necesariamente una nueva relación entre las instituciones, los creadores, los productores, los actores; una relación que, continuando con lo que ha sido una característica: el respeto, la libertad a la creación y a la producción, nos permita avanzar hacia caminos mucho más atrevidos. Caminos en los que la Secretaría de Cultura siga generando apoyos a las producciones, estímulos a los creadores, pero también que busquemos nuevas alternativas y nuevos campos en una relación que me parece tiene que ser una relación mucho más fructífera”.
El funcionario también evocó las recientes reuniones de trabajo celebradas en Zamora, y las demandas manifestadas allí de acciones de descentralización, las cuales encuentran un eco concreto en esta muestra, en la que participan cuatro grupos representativos de Uruapan, así como ensambles de Maravatío, Indaparapeo y Los Reyes, que se presentan al lado de los grupos morelianos.Siendo las 20:40 horas, la declaratoria oficial dio paso a la puesta en escena de ¿Y si Heidegger no hubiera muerto?, de Roberto Briceño y la agrupación teatral Contrapeso. Dos horas antes, a las 18:00 p.m. en el teatro Ocampo, el grupo “Teatro Libre”, de Los Reyes, había ofrecido la primera función del escaparate con su versión a Entre nos, del dramaturgo Santiago Serrano.

EN VIDEO. Intervención de Jaime Hernández (Secretario de Cultura de Michoacán) en la inauguración de la Muestra.

¿Y si Heidegger no hubiera muerto?

Ser, libertad y verdad

Las palabras le fueron dadas al hombre para disfrazar sus pensamientos
Charles-Maurice de Talleyrand

El amor es una memoria educada (o un olvido insistente)
Como pájaros perdidos V / Jaime Sabines

¿Acaso me contradigo?
Muy bien, me contradigo.
Soy grande: dentro de mí hay multitudes
Celebración a mí mismo / Walt Withman

El momento de la llamada telefónica en ¿Y si heidegger no hubiera muerto?. La agrupación teatral Contrapeso en la jornada inaugural

Las apariencias engañan. ¿De veras engañan? Claro que sí. Pero sólo a quienes no son lo bastante sutiles o agudos para interpretarlas o comprenderlas. Después de todo, si una apariencia es y existe, entonces también guarda una verdad: no sólo sobre sí misma sino sobre aquello que intenta disimular o esconder.
Aún así, las cosas no son tan simples. En el fondo, cada una de las certezas que creemos tener y con las cuales vivimos depende siempre de una suma muy diversa de factores.
He aquí el punto de partida de ¿Y si Heidegger no hubiera muerto? (Roberto Briceño, 1996 / 2008), con la que anoche se declaró inaugurada la Muestra Estatal de Teatro 2009 en el foro La Bodega.

El quinto personaje
Distribuida en cuatro cuadros, esta pieza en un acto comenzó a ser concebida por Briceño hacia 1996, cuando se cumplían veinte años de la muerte del filósofo de Friburgo, y de cuya importancia Foucault dijo una vez: “quizá algún día el siglo XX se recuerde como heideggeriano”
En este trabajo, tras una noche de fiesta, conocemos a los cuatro amigos bachilleres Martha, Sofía, Manuel y Fernando quienes comienzan su día, crudos pero felices, en el departamento de este último.
Al compás de Lucy in the sky of diamonds, el desenfadado amanecer de los jóvenes oscila entre duchas eróticamente juguetonas, impaciencias por desayunos que se dejan enfriar, intolerancias contra el volumen de la música en el estéreo y pláticas de temas académicos que detonan por la proximidad de un examen escolar. Pero la placidez cotidiana es quebrantada por una extraña declaración del personaje de Manuel, que al hablar por teléfono con su preocupada madre, le confirma que se encuentra bien en el departamento con sus tres amigos y luego añade, prácticamente sin que venga al caso, que también está con ellos Beatriz, "la nueva amiga de Fernando".
La alusión a ese quinto personaje, que los demás no conocían y que no ven, pone sobre la mesa los temas de la verdad, del ocultamiento y del relativismo de nuestras certezas. En una palabra: premisas caras para el pensamiento filosófico de Heidegger.
Como rasgo adicional, la puesta en escena recurre tres veces sobre una misma situación. Esto pone en tensión los principios opuestos de determinismo e incertidumbre que definen nuestro discurrir por el tiempo, un poco a la manera del díptico cinematográfico Smoking / No smoking (Alan Resnais, 1993), o del filme Corre, Lola, corre (Tikwer, 1998).

Los personajes de Manuel y Sofia en la escena en la que se cuestiona la epidermia y trivialidad extremas de los medios de comunicación.

Libertad y revelación
“¿Ser existencialista o ser metafísico? Esa es la cuestión”, diría un filósofo. Pertenecer al primero de los dos bandos es llevarse de guiños y piquetes de ombligo con el pensamiento de Nietzsche, Unamuno, Leopardi, Schopenhauer, Kierkegaard, Heidegger y Cioran. En cambio, figurar en el segundo grupo implica embelesarse con las premisas de Platón, Kant, Hegel y Husserl, entre otros.
En ¿Y si Heidegger no hubiera muerto?, Roberto Briceño se pronuncia claramente por el primero de los dos grupos. Y lo hace con vehemencia al poner en operación uno de los postulados clave de Heidegger, a saber: que “la libertad no es la licencia para poder hacer o no hacer (…)”, sino que “la libertad, antes que todo esto, es el compromiso con el develamiento de un ente como tal”.
En efecto, entre disimulos, ignorancias y hasta “actos fallidos”, en esta obra el personaje de Fernando oculta a los demás y, en el extremo, hasta a sí mismo, un hecho fundamental: la verdadera identidad de esa desconocida “Beatriz” que había sido intuida, prefigurada y convocada por su amigo Manuel.
En la revelación de esa realidad oculta, que llega al final de la puesta en escena, confluyen absolutamente todos los elementos propuestos a lo largo del trabajo: el tema de la mentira, de los “lapsus”, de esas “maneras” individuales que llegan a segregar a un individuo cuando no se ajustan a las “maneras” colectivas de la sociedad en la que vive, así como el relativismo en nuestras apreciaciones sobre cuanto experimentamos.

Los personajes de Fernando y Martha.

Procesos y resignificación
Innegablemente realista en su temperamento, esta versión actualizada de ¿Y si Heidegger no hubiera muerto? es un corte de mangas con respecto al concepto original de la puesta, hace una década.
Más allá de los contenidos descritos hasta aquí, este otro hecho es importante.
Hace unos diez años, en el Conservatorio de Las Rosas, se presentó este trabajo por primera vez. El texto era prácticamente el mismo, pero la forma de resolverlo escénicamente tenía grandes deudas con la estilística del grotesco criollo, a la sazón objeto de entusiastas exploraciones por parte de Briceño, que a través del mismo daba cauce a un definido interés por la plasticidad visual del montaje en términos fantásticos (casi diría que pánicamente extravagantes a la hora de cuestionar y aún de provocar, subversivamente, las premisas del teatro convencional).
Hay que recordar que de ese periodo, más o menos, datan otros trabajos de Briceño como El extraño jinete (Michel De Ghelderode, 1958) y Mateo (Armando Discépolo, 1923), a los que se añadirían experimentos contestatarios como El guayabo peludo (Silvia Peláez, ¿1994?) y Delicias y tormentos de la carne (Fernando Arrabal, 1983, en la que dirigió Juanjo Segurajáuregui, pero donde Briceño encarnó a un bonaerense comisario Borges que aún recuerdo bien).
En breve, desde este otro punto de vista, ¿Y si Heidegger no hubiera muerto? vale adicionalmente como el testimonio de un proceso en el que Roberto Briceño ha ido asentando sus hallazgos e intereses, transitando desde ámbitos de inspiración expresionista hasta llegar al momento actual, en el que su trabajo apunta a una resignificación del realismo y cuyas raíces bien pueden remontarse a su versión de Marsal, Marsal, de Sanchis Sinisterra, también realizada en los años noventa.
Esta resignificación se da ahora con el respaldo de las premisas del “teatro de la presencia”, concepto que debemos a autores como Brook y Grotowsky. Uno de los resultados de este “teatro de la presencia” (aunque no es el único resultado) consiste en que el espacio íntimo, lúdico, de cada actor, no interfiere con el espacio escénico que comparte con sus colegas en acción. De alguna manera el espacio personal del actor se disuelve porque todo es “personal” (el espacio íntimo, el escénico y el teatral, lo tres fundidos por la conciencia que el actor y su personaje cobran a partir de procesos de “un saber hecho de experiencias” que fortalecen la construcción de las formas y que transforman radicalmente la misma noción de “representación”).
¿El meollo de todo esto? Pues que al transformarse la experiencia de esta forma, inmediatamente todo el entorno del actor cambia a la par que su conciencia y su misma eficacia artística: el espacio escénico deviene espacio teatral y este último también es rebasado hasta transformarse en un espacio público, abierto, en el que el actor derriba la cuarta pared e incluye al público en sus acciones. Se trata de una búsqueda que procura llevar la veracidad escénica a sus últimas consecuencias. Una cumplida noche inaugural.

EN VIDEO: La escena de apertura de ¿Y si Heidegger no hubiera muerto?, el sábado en La Bodega..

Recursos en la red

Para quienes deseen ahondar un poco más en temas y cuestiones planteados por ¿Y si Heidegger no hubiera muerto? propongo los siguientes vínculos, todos actualizados y asequibles en la web:

Semblanza filosófica de Heidegger (por Elena Diez de la Cortina)
Una introducción virtuosa porque se mueve en el filo de una sencillez muy asequible, pero que no trivializa su tema. El material dedicado a Heidegger se localiza en el muy aceptable portal de divulgación filosófica Cibernous.com, en:

http://www.cibernous.com/autores/existencialismo/index.html

Nietzche: la invocación de la mentira (por Alberto Constante).
Un documento importante para el contexto de uno de los temas de ¿Y si Heidegger no hubiera muerto? El material puede ser consultado en formato pdf en:

http://serbal.pntic.mec.es/~cmunoz11/constante41.pdf

Heidegger y Lacan (por Rolando Karothy). Este texto revisa la obra del filósofo de Friburgo en el contexto de su influencia para el revolucionario pensamiento psicoanalista de Lacan y el tema de la verdad y el ocultamiento; su redacción es lo bastante clara para que ciertos conceptos esenciales sean comprendidos prácticamente por cualquier “no especialista”. El documento en:

http://www.efba.org/efbaonline/karothy-06.htm

La fundación hermenéutica de un estilo posthumanista de lecto-escritura entre Heidegger y Derrida: una cuestión ético-política (por Simón Royo Hernández, investigador postdoctoral por la UNED).
He aquí un texto más especializado, que será sin duda “oscuro” para los no filósofos, pero que sabrán agradecer los curiosos más avezados en estas lides. Más todavía porque incide en su tema desde una perspectiva políticamente despierta. El material en:

http://saavedrafajardo.um.es/WEB/archivos/AEEFP/Comunicaciones/034.pdf

Desde la más absoluta y más forzada independencia (de Arturo Ruiz Ortega).
Finalmente, aprovecho este momento y este tema para recomendar este blog, que es la continuación de un proyecto que Ruiz Ortega comenzó, insólitamente, en el sitio Facebook (¡quién lo dijera! un espacio con las neuronas operando desde un portal tradicionalmente dedicado a las triviales redes sociales). Un buen punto de partida para cualquier “simple mortal” que comienza a interesarse en la filosofía y el arte. La dirección en:

http://wwwarturoruiz.wordpress.com/tag/heidegger/

Perfiles de la muestra

Un banquete en escena

Imagen de Round de sombra: de lo mejor que veremos este año de parte de alumnos de la EPBA. Dirige Ramsés Figueroa.

La Muestra Estatal de Teatro comienza esta tarde en Morelia y se extenderá por once días con un programa de 23 títulos que dan cuenta de lo más reciente del quehacer escénico michoacano.
Como ocurrió el año anterior, un elemento sobresaliente es la presencia de trabajos universitarios, emprendidos casi todos por alumnos de teatro de la Escuela Popular de Bellas Artes, así como la celebración de tres jornadas de Coloquio en las que los autores compartirán con sus colegas y el público reflexiones sobre las funciones que han ofrecido y sus procesos y premisas de trabajo.

Generaciones emergentes
La presencia de los jóvenes universitarios es el rasgo clave de esta muestra desde la perspectiva de pensar el futuro del teatro en Michoacán a corto plazo, pues revela la manera en que están aprendiendo a asumir y a problematizar el hecho escénico las nuevas camadas de teatristas procedentes de planteles como la Escuela Popular de Bellas Artes (que el próximo 30 de agosto estará conmemorando los primeros trece años de vida de su licenciatura en artes).
Ya en la muestra de 2008, trabajos como La historia de infancia de Nuc, Con los pies en la tierra y La importancia de llamarse Ernesto (todas a cargo de realizadores universitarios), habían mostrado la vitalidad con que alumnos y egresados acometen sus exploraciones, sus juegos, sus dudas y sus primeras certezas profesionales.
Para este año, dentro de las propuestas nicolaitas figuran títulos como Round de sombra (dramaturgia de Carmina Narro en dirección de Ramsés Figueroa. Respaldado por el buen trabajo de sus dos actores, el realizador consigue una pieza naturalista muy eficaz); Jardín de pulpos, una de las más exquisitas dramaturgias del latinoamericano Arístides Vargas en dirección de Mauricio Pimentel y de Delgadina y la reina su madrina (dramaturgia de Norma Román Calvo en codirección de Valentín Orozco y Claudia Fragoso), entre otras. Como siempre en una muestra, “no estarán todas las que son” y en el tintero se quedan trabajos universitarios como La verdadera venganza del Gato Boris, pero aún así lo que estará en la pasarela muestra bien trayectorias, procesos y niveles de madurez representativos de nuestro teatro estudiantil.

Manuel (Sergio González Pérez) en una escena de ¿Y si Heidegger no hubiera muerto?, de la agrupación Contrapeso.

Diversidad y trayectoria

En el ámbito de los grupos con trayectoria se encuentran Contrapeso (esta noche abre con ¿Y si Heidegger no hubiera muerto?); la agrupación Teatro libre de los Reyes (que también hoy comparte Entre nos); la sociedad Amigos del Teatro, de Uruapan (La media naranja.com); la Sociedad Escénica de Uruapan (que presenta La casa de Bernarda Alba); Expresión teatral (con El cepillo de dientes, de Jorge Díaz); el grupo de la Casa de la Cultura de Indaparapeo (Las vírgenes prudentes); Uno más otros (con dos textos de la trilogía Los niños prohibidos); Foro-4 (con Tu piel vuelve a mi boca, del poeta Gaspar Aguilera), entre otros. Como se notará, estos grupos con trayectoria pueden subdividirse en distintas categorías: unos más institucionales, otros más autogestivos. Unos de nivel profesional, otros con discursos “políticamente correctos” y algunos más abiertamente irreverentes o contestatarios. Varios de ellos proceden de la capital michoacana y otros tantos pertenecen a esa “otra galaxia” que llamamos “los municipios”.

Agrupaciones en proceso

En el ínter, durante estas once jornadas habrá espacio para ver la labor de agrupaciones que comienzan a consolidar su quehacer y que tienen cinco años o menos en la escena estatal. Entre ellos estarían Cinema Teatro (Baños de secundaria); Puerta al teatro, de Uruapan (El oso y Petición de mano, de Chéjov); Cacofonía (El príncipe que tenía que trabajar para seguir siendo príncipe); Espacio escénico (La hija de Rappaccini); Pentagrama teatro (Corazón de fuego) y el Colectivo de teatro de Morelia (Muertos sin sepultura, de Sartré), entre otros.

Eros Alexis Ortega en La hija de Rappaccini, de Octavio Paz. Dirige J. Refugio García.

Fernando Ortiz: “para reflexionar y dialogar”

El jefe del departamento de Teatro de la Secretaría de Cultura de Michoacán y coordinador de la muestra, Fernando Ortiz Rojas, dice en entrevista: “Para mí es muy importante, sobre todo, la experiencia del Coloquio de teatro, que este año llega a su segundo año consecutivo”.
Detalla: “Durante la convocatoria para esta muestra, se solicitó a todos los grupos participantes que elaboraran una ponencia breve en la que reflexionaran sobre sus procesos de trabajo y sobre el por qué habían seleccionado las obras que presentarían. Esa fue una sugerencia, no un requisito de participación, y yo me siento muy satisfecho del hecho de que absolutamente todos los grupos participantes hayan cumplido con esa solicitud”.
“Yo creo que es importantísimo que seamos capaces, como creadores, de poner en orden nuestras ideas y expresarlas en papel… es decir, ponerlas en palabras, por escrito, pues ese proceso colabora a que cada uno de nosotros aclaremos nuestros pensamientos acerca de lo que hacemos”.
El funcionario consideró asimismo que la capacidad de los teatreros para reunirse y hablar de su trabajo es un requisito indispensable para fortalecer un sentido de comunidad indispensable en el gremio teatral. También señaló la necesidad de que los teatristas hagan realmente suyo el espacio de la muestra y acudan a ver el quehacer de los demás colegas, para enriquecer las sesiones del coloquio.

Sábado 20

La Muestra hoy

Entre nos
Dramaturgia de Santiago Serrano. Dirigen Angie Suárez y Óscar Malagón. Con: Angie Suárez (Leonor) y Paola Mora Briseño (Laura). Agrupación Teatro libre de los Reyes
Teatro Ocampo, 18:00 pm. Entrada gratuita

Dos mujeres ya cuarentonas coinciden en una banca de parque y platican. Leonor es un ama de casa a la que le gusta relajarse escuchando el paso de los trenes; Laura en cambio, es una cajera de banco que ambiciona llegar a “jefa”. A pesar de ser radicalmente distintas (una humilde, otra clasemediera; una conservadora, la otra liberal), en el fondo comparten problemas muy similares, de los cuales hablan en esta pieza original del argentino Santiago Serrano.


¿Y si Heidegger no hubiera muerto?
Dramaturgia y dirección de Roberto Briceño. Con Xochiquetzal Rodríguez / Ana Karen Rojas (Sofi Glamour), Sheyla A. Rodríguez (Martha), Sergio González Pérez (Manuel) y Justo Alberto Rodríguez (Fernando). Compañía teatral Contrapeso. Foro La Bodega, 20:30 pm. Entrada gratuita.

Distribuida en cuatro cuadros, la pieza en un acto ¿Y si Heidegger no hubiera muerto? (Roberto Briceño, 1998) es un juguete escénico que, muy beckettianamente, le hinca el diente a incertidumbres existenciales, pero desde el ámbito más cotidiano y coloquial posible. Es así como reflexiona sobre temas como la verdad, la apariencia, el ser y el tiempo (ejes del pensamiento del filósofo alemán).

A manera de bienvenida

Periodismo y

pensamiento

Catedral de Bourges, Francia. Foto del autor galo Richard Vantielckle. Visita su sitio ludimaginary.net

El fenómeno no es, ni de lejos, exclusivo de Morelia, de Michoacán o de México; se deja sentir en todo el orbe. Pero el que sea un padecimiento universal no es ningún atenuante. Lo dice el proverbio: “mal de muchos, consuelo de tontos”.
El caso es que en los últimos años nuestro periodismo cultural ha ido asumiendo, cada vez con mayor descaro, la tesis de que la información no es sino un gran negocio arrodillado ante el redituable espectáculo en turno o el muy vendible escándalo de moda, y no un derecho social o una estimulante alternativa al pensamiento.

Al amparo de esta cómoda idea hemos visto la paulatina domesticación de los medios y la transformación de diversos periodistas y editores de cultura en meros publicistas que promueven prestigios (institucionales o no), chismes (verídicos o no) y espectáculos (más o menos zafios o no) como si se tratara de ofertarle a la marchante las verduras de temporada en el mercado.

Es un hecho que confirmamos cada día en los medios electrónicos y con mayor preocupación en el ámbito de la prensa escrita: hemos estado perdiendo el periodismo de contexto, ese que nombra los miedos o las amenazas, que ilumina ideas, que señala faltas o errores, que disecciona los problemas y que reflexiona sobre las perspectivas de nuestra realidad.

Una invitación benévola

Habría mucho qué decir sobre la manera en que cumplen con su trabajo los comunicadores en las diversas fuentes de información de nuestros medios (política, economía, educación, sector empresarial, sindicatos, temas comunitarios y de divulgación...), pero el perfil de este blog es muy específico: se trata de abordar la información cultural local de la ciudad de Morelia, en el occidental estado de Michoacán, desde la perspectiva más apasionada y documentada posible y con el acento colocado, por el momento, en tres ámbitos muy precisos: el teatro, las artes visuales y el cine.
Será precisamente el arte escénico, con la Muestra Estatal de Teatro 2009 que da comienzo este sábado 20 de junio, la plataforma para dar inicio a esta propuesta de diálogo cuyo fin es remontar el conformismo, la pereza y el facilismo que tienen tan marchito a este jardín donde hace 244 años nacía un personaje tan esencial para la historia del Estado Mexicano como el Siervo de la Nación.
Morelia se merece un esfuerzo como este. La Morelia actual. La tuya, la mía y la del vecino de enfrente. Sus creadores y sus públicos. Todo aquel que desee aproximarse con interés y curiosidad a los temas de la agenda cultural cotidiana.
Y el remedio que se propone aquí para cultivar este, nuestro jardín, es bastante simple. Sólo se trata de hablar de lo que sí hemos visto, de compartir lo que realmente pensamos y de expresar lo que determinadas ideas nos hacen pensar, pero también sentir. Se trata, en fin, de ir más allá del boletín de prensa, de la cómoda nota "queda-bien" o del terrible vicio (bemoles de la tecnología en comunicaciones) de presionar las teclas "Ctrl+C" con el que muchos ¿periodistas? de la fuente cultural se fusilan el texto más inspirador que se pueden robar sobre un tema, sin dar siquiera las gracias, navegando en el buscador de google.

Este blog es, pues, una invitación al pensamiento y a la emoción de descubrir los nuevos mundos concebidos por la acción que nos comparte cada autor, cada artista, con su trabajo.

Algo sobre los poliedros

Los poliedros son figuras fascinantes. Su geometría de múltiples catetos nos da la oportunidad de advertir distintas perspectivas, aristas y lecturas ante un hecho determinado. El objetivo de este blog es compartir enfoques, desde esta mirada poliédrica, poliperspectiva, plural, que colaboren a ensanchar nuestra comprensión acerca de cada una de las experiencias imaginativas de las que nos ocuparemos aquí. Experiencias indispensables, porque son las que nos distinguen de otros animalitos que, a veces, como nosotros, también caminan sobre sus dos patitas por la faz del mundo.

Bienvenidos sean entonces a esta experiencia de compartir.

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