Ana María Zavala y Mariano Rentería instantes previos a la foto de grupo, en el templete principal del acto de premiación.La actriz de teatro Ana María Zavala Silva y el fotógrafo y videoasta Mariano Rentería Garnica fueron galardonados este martes 14 de septiembre con el Premio Estatal al Mérito Juvenil 2010 en la disciplina de Expresión Artística, categorías A y B. La ceremonia tuvo como sede el patio principal del Palacio de Gobierno, en Morelia.
Los dos artistas formaron parte de un grupo de 18 jóvenes de quienes se reconoció su trayectoria en nueve ámbitos (Academia, Promoción de los derechos y culturas indígenas, Ciencia y tecnología, Discapacidad e integración, Fomento a la organización y participación democrática, Equidad de género, Desarrollo económico, Expresión artística y Protección al ambiente.
En el caso de Ana María Zavala, el reconocimiento viene a sumarse al reciente anuncio de que el monólogo Lágrimas de agua dulce (Jaime Chabaud / Perla Szuchmacher, 2007), que ella protagoniza, será una de las dos obras de teatro que representará a Michoacán durante las jornadas de la XXXI Muestra Nacional de Teatro a realizarse en Guadalajara, Jalisco, en noviembre próximo.
Los dos artistas formaron parte de un grupo de 18 jóvenes de quienes se reconoció su trayectoria en nueve ámbitos (Academia, Promoción de los derechos y culturas indígenas, Ciencia y tecnología, Discapacidad e integración, Fomento a la organización y participación democrática, Equidad de género, Desarrollo económico, Expresión artística y Protección al ambiente.
En el caso de Ana María Zavala, el reconocimiento viene a sumarse al reciente anuncio de que el monólogo Lágrimas de agua dulce (Jaime Chabaud / Perla Szuchmacher, 2007), que ella protagoniza, será una de las dos obras de teatro que representará a Michoacán durante las jornadas de la XXXI Muestra Nacional de Teatro a realizarse en Guadalajara, Jalisco, en noviembre próximo.
Los jóvenes premiados en Expresión artística minutos antes de recibir el premio, ocupando sus lugares en el patio principal de Palacio de Gobierno, en Morelia.Cada uno de los 18 jóvenes galardonados durante la ceremonia que comenzó poco después de mediodía fueron recipiendarios de un premio de 40 mil 852 pesos, equivalentes a 750 días de salario mínimo, así como a una medalla de plata y un reconocimiento firmado por el gobernador de Michoacán.
El mandatario, en su intervención, dijo que el Premio Estatal al Mérito Juvenil se va a consolidar. Dijo que los jóvenes son los que más sufren las crisis económicas, los que más padecen cuando se deteriora el sistema de educación pública, los que más dificultades tienen para obtener empleo y son las principales víctimas de la inseguridad, por lo que se pronunció a favor de seguir estimulándolos a través de incentivos como este premio.
Por lo demás, señaló que es en la educación, la salud y la generación de empleos donde se puede atender mejor a los jóvenes y reiteró su compromiso de apostar por los jóvenes, ya que si se les ve como un potencial del presente y futuro de Michoacán se tendrá otra óptica de los problemas naturales que enfrenta ese sector.
Al evento asistieron, entre otros, el secretario de Gobierno, Fidel Calderón Torreblanca; Alejandro González Gómez, presidente del Supremo Tribunal de Justicia; el diputado José Antonio Salas Valencia; la rectora de la UMSNH, Silvia Figueroa Zamudio; el Mayor de Infantería Pastor Navarrete Hurtado, representante de la XXI Zona Militar, y el alcalde de Purépero, Luis Alberto Téllez Pulido, así como Iris Vianey Mendoza, titular de la Secretaría de los Jóvenes.
El mandatario, en su intervención, dijo que el Premio Estatal al Mérito Juvenil se va a consolidar. Dijo que los jóvenes son los que más sufren las crisis económicas, los que más padecen cuando se deteriora el sistema de educación pública, los que más dificultades tienen para obtener empleo y son las principales víctimas de la inseguridad, por lo que se pronunció a favor de seguir estimulándolos a través de incentivos como este premio.
Por lo demás, señaló que es en la educación, la salud y la generación de empleos donde se puede atender mejor a los jóvenes y reiteró su compromiso de apostar por los jóvenes, ya que si se les ve como un potencial del presente y futuro de Michoacán se tendrá otra óptica de los problemas naturales que enfrenta ese sector.
Al evento asistieron, entre otros, el secretario de Gobierno, Fidel Calderón Torreblanca; Alejandro González Gómez, presidente del Supremo Tribunal de Justicia; el diputado José Antonio Salas Valencia; la rectora de la UMSNH, Silvia Figueroa Zamudio; el Mayor de Infantería Pastor Navarrete Hurtado, representante de la XXI Zona Militar, y el alcalde de Purépero, Luis Alberto Téllez Pulido, así como Iris Vianey Mendoza, titular de la Secretaría de los Jóvenes.
EN VIDEO / Aspectos de la premiación
P R E M I O S
Mérito Académico
Categoría A: José de Jesús Ayala Ortega
Categoría B: Francisco Ramos Quiroz
Promoción de los Derechos y Culturas Indígenas
Categoría A: José Ascención Zacarías Paz
Categoría B: Rocío Román Figueroa
Ciencia y Tecnología
Categoría A: Oscar Ivann Garduño Orozco
Categoría B: Heber Loeza Ángeles
Discapacidad e Integración
Categoría A: Diego Fuentes Dimas
Categoría B: Juan Manuel Ortega Barriga
Fomento a la Organización y Participación Democrática
Categoría A: Reyna González Suárez
Categoría B: Dafne Rangel Suárez
Equidad de Género
Categoría A: Edgar Andrés Muñoz Pérez
Categoría B: Angélica Agustín Diego
Desarrollo Económico
Categoría A: Grupo "Maxime: Servicios Integrales para Eventos"
Categoría B: Grupo "C-INNOVA"
Expresión Artística
Categoría A: Mariano Rentería Garnica
Categoría B: Ana María Zavala Silva
Protección al Medio Ambiente
Categoría A: Monserrat Gómez Padilla
Categoría B: Colectivo "Ve qué bichos"
Mérito Académico
Categoría A: José de Jesús Ayala Ortega
Categoría B: Francisco Ramos Quiroz
Promoción de los Derechos y Culturas Indígenas
Categoría A: José Ascención Zacarías Paz
Categoría B: Rocío Román Figueroa
Ciencia y Tecnología
Categoría A: Oscar Ivann Garduño Orozco
Categoría B: Heber Loeza Ángeles
Discapacidad e Integración
Categoría A: Diego Fuentes Dimas
Categoría B: Juan Manuel Ortega Barriga
Fomento a la Organización y Participación Democrática
Categoría A: Reyna González Suárez
Categoría B: Dafne Rangel Suárez
Equidad de Género
Categoría A: Edgar Andrés Muñoz Pérez
Categoría B: Angélica Agustín Diego
Desarrollo Económico
Categoría A: Grupo "Maxime: Servicios Integrales para Eventos"
Categoría B: Grupo "C-INNOVA"
Expresión Artística
Categoría A: Mariano Rentería Garnica
Categoría B: Ana María Zavala Silva
Protección al Medio Ambiente
Categoría A: Monserrat Gómez Padilla
Categoría B: Colectivo "Ve qué bichos"
Lenguajes Independientes y Revolucionarios del Arte
Bares: la independencia,
opción en un país corrupto
Bares: la independencia,
opción en un país corrupto
Mauricio Bares durante la conferencia inaugural del encuentro Lenguajes Independientes y Revolucionarios del Arte, en Morelia.
El narrador, periodista, ensayista y editor mexicano Mauricio Bares inauguró este viernes las actividades del Encuentro de Lenguajes Independientes y Revolucionarios del Arte en Morelia. El autor de Streamline 98, Sobredosis, Ya no quiero ser mexicano, La vida es una telenovela, y Posthumano, entre otros títulos, consideró que en un país como México, dominado por la mentira, la corrupción, la ignorancia y la estupidez, el camino de la independencia (ya estética, ya intelectual) es la única alternativa digna a fin de ofrecerle una mirada crítica al sistema, a la sociedad, al régimen.
El también co-fundador del periódico A Sangre Fría (1993-95), así como fundador y director de la editorial Nitro/Press, estuvo en la capital michoacana, en el auditorio del Centro Cultural Clavijero, donde dialogó con una concurrencia más bien reducida.
Festejos y perspectiva
El autor, que a lo largo de su trayectoria ha sobresalido por su forma de navegar exitosamente desde ámbitos periféricos del mundo periodístico, literario y editorial, comenzó considerando que, de cara a los festejos patrios de este año, “una sociedad tiene el derecho de conmemorar lo que quiera” y que, en tal sentido, “México tiene justificada la celebración” del bicentenario de la Independencia y del centenario de la Revolución. Empero, consideró, “el problema viene cuando puede ponerse en duda la vigencia de esos acontecimientos en un país que tiene décadas sin lucir independiente y revolucionario, sino más bien déspota y miserable”.
Al explorar las que, en su opinión, son las causas de este estado de cosas, consideró: “México resalta en los mapas con su cuerpo sinuoso, femenino, como de cuerno de la abundancia. Pronto nos percatamos que las aguas que rodean sus contornos casi lo convierten con una isla, pero su historia de ensimismamiento nos confirma su divorcio con el norte y con el sur. México es una nación que no conversa con nadie, ni siquiera consigo misma”.
Del turismo al narco
Procedió a describir sucintamente algunas de las consecuencias de ese aislamiento y, en ese contexto, cuestionó duramente la radical dependencia de nuestro gobierno hacia el sector turístico. Dijo:
“Cuando un país depende en gran medida del turismo, ese país es como una mujer que sólo vive de su belleza. Un país que no produce, que no tiene voluntad, que no cultiva su inteligencia, es como una mujer hermosa, pero banal. Y esa alternativa, la del turismo, ha sido una de las principales fuentes de ingresos de nuestro país”.
Recordó, en perspectiva: “En mi adolescencia me tocó la época del auge del petróleo, con José López Portillo. Éramos como árabes, sólo que con burros en vez de camellos. Pero el petróleo se dilapidó y, al final, fue como haber hallado una cartera en la calle: una bonanza que dependió de la casualidad, nada obtenido por méritos propios”.
“La única industria destacada en las últimas dos décadas –señaló más adelante– es el narco. Es la única que arroja números negros y que opera eficiente y permanentemente. De modo que tenemos todo el derecho de festejar las conmemoraciones del bicentenario y del centenario, pero también la obligación de ver si realmente estamos viviendo los logros de una Independencia y de una Revolución”.
La cultura de la mentira
Más adelante, consideraría que el cultivo de la mentira como uno de los rasgos característicos de nuestra forma de conducirnos como individuos y como sociedad es otro aspecto indispensable para comprender por qué el país se encuentra en el estado actual.
“El hecho de haber vivido en países de Europa del Norte –señaló–, donde la verdad es valorada éticamente y enseñada a los niños, me representó un golpe muy fuerte, siendo que yo llegaba de un país como México, donde la mentira se fomenta desde la infancia”.
“Una de las consecuencias graves de esta cultura de la mentira en México es que conduce directamente a la cultura de la corrupción. Nos hemos convertido en un país sin méritos, porque la corrupción implica la desaparición del mérito, que ha dejado de existir porque ahora se puede comprar. Los mexicanos gastamos 27 mil millones de pesos al año en actos de corrupción. Y la corrupción es la adecuación de la realidad a nuestra conveniencia; es la imposición de la mentira en un país de mentiras”.
Las muletas en educación
Consideró asimismo: “Uno de los pilares fundamentales de por qué el país está como está es la educación. El poderoso sindicato de la educación ha sido y sigue administrado por una señora que no terminó la secundaria. Y esto explica muchas cosas, entre ellas el por qué un importante porcentaje de profesores son incapaces de resolver los exámenes que ellos mismos le aplican a sus alumnos, es decir, el tipo de exámen que podría resolver un niño de diez años. Eso nos está transformando en un país de estúpidos”.
Cuestionó que dos televisoras posean el 95% de los 461 canales de televisión en el país “y sin pagar impuestos por un bien público, que es dominio de la nación”.
“En nuestros hogares –recordó–, la TV ha ocupado el lugar de padres ausentes, de madres trabajadoras, y se ha constituido en la principal fuente formadora de nuestros niños”. Hablaría en ese sentido de la influencia televisiva como una forma de emputecer a la sociedad, no sólo desde la perspectiva más directa del adjetivo (al fortalecer entre el público, de forma sistemática, la imagen de la mujer–objeto), sino como un relajamiento de todo tipo de aptitudes éticas.
Por otro lado, recordaría que de desde 1970 a la fecha, el volumen de suicidios en México ha crecido en más del 300 por ciento. “Los especialistas dicen que son síntomas de desesperanza”.
En este escenario, insistió, “el narco sigue siendo la única industria productiva y trabajadora del país, la única medianamente justa con sus empleados. Lo demás es un gobierno que ha sembrado 60 millones de pobres. Y mientras, vemos que los países asiáticos que hace cincuenta años estaban en la ruina ya nos rebasaron, que España ha invertido mucho en tecnología y que eso la mantiene entre los países del primer mundo y que hasta una nación como la India hoy compite en computación con quien sea”.
Un país de apariencias
Todo lo anterior, que vino a ser como un diagnóstico general del contexto en el que sobrevive la cultura en el país, dio paso a una serie de consideraciones sobre los escenarios de la cultura y del arte en México y de las condiciones en las que se ven acotados los creadores.
De entrada, Bares propuso:
“Desde hace años vienen en aumento los encuentros de artistas independientes del país, pero pensar en artistas independientes exige pensar primero en los artistas que son dependientes. Dependientes ¿de qué? Bueno, desde tiempos de Shakespeare y Cervantes, la literatura más importante ha sido mordaz con las sociedades de las que surge. Y parte de la vigencia de esos autores tiene que ver con el hecho de que las sociedades no han cambiado mucho desde entonces. México es un excelente ejemplo: como legado prehispánico y colonial, aún tenemos hasta hoy una sociedad ceñidamente piramidal, jerárquica e impositiva; una estructura que se mueve usando mecanismos sinodiales, hereditarios, así como esas extensiones familiares tan mexicanas que llamamos compadrazgo y amiguismo. Así funcionan la política, el deporte, las finanzas, la educación. Así se mueve también la cultura. Somos un país de apariencias, sólo que hemos llegado a un punto histórico en el que las apariencias ya no son suficientes”.
Es indudable que en México tenemos muy buenos artistas, promotores culturales y funcionarios –continuó–. Incluso suman un buen número. Pero a la hora de los porcentajes son muy pocos o insuficientes. El medio cultural se mueve bajo los mismos mecanismos que el resto del país. A final de cuentas, el arte, la cultura y la ciencia son en cierto sentido la punta de la pirámide educativa y sería una obligación de la SEP cultivar esos campos entre los nuevos mexicanos”.
Abordaría el problema también desde el ámbito de los medios. “Fuera del DF, ¿cuánto paga un periódico por una nota de cultura? ¿150 pesos? Ese es el tipo de estándar al que podemos aspirar… y eso, si te pagan”.
De transiciones erróneas y el
valor del quehacer independiente
"Creo –abundó– que el país llegó, hace una década, a un punto en el que necesitaba dialogar consigo mismo, hacer un ejercicio de reflexión, verse autocríticamente al espejo. Sin embargo, curiosamente, a la hora de la coyuntura, a la hora de cambiar un partido por otro, decidió irse con el más intolerante de todos, con el más intransigente, con el que nunca le va a ofrecer una posibilidad de diálogo, que es el PAN. Ese es el instituto político que menos está dispuesto a dialogar, el que menos dispuesto está a ofrecerle algo a la cultura o a la educación, el que ha despedazado la historia en los libros de texto. Son intolerantes. Y me parece muy raro que, como sociedad, a la hora de haber tenido la posibilidad de un cambio, hayamos optado por la alternativa menos viable. De modo que nosotros como pueblo también somos responsables del escenario que tenemos”.
De cara a lo anterior, Mauricio Bares consideró que la experiencia de vivir estéticamente en la independencia, a pesar de sus presiones (fundamentalmente de difusión y económicas) es la única alternativa digna a fin de ofrecerle una mirada crítica al sistema, a la sociedad, al régimen.
Más allá de eso, en vez de proponer soluciones (alguien entre el público las pediría), Bares indicó que antes siquiera de pensar en soluciones es preciso enfocar los problemas y verlos con absoluta claridad.
La inauguración del encuentro Lenguajes Independientes y Revolucionarios del Arte fue presidida por dos de sus organizadores: Yurixhi Pérez Bárcena y Raúl Calderón Gordillo, ambos integrantes del Centro de Investigación de las Artes de la Secretaría de Cultura de Michoacán.
EN VIDEO / Fragmentos de la conferencia
El narrador, periodista, ensayista y editor mexicano Mauricio Bares inauguró este viernes las actividades del Encuentro de Lenguajes Independientes y Revolucionarios del Arte en Morelia. El autor de Streamline 98, Sobredosis, Ya no quiero ser mexicano, La vida es una telenovela, y Posthumano, entre otros títulos, consideró que en un país como México, dominado por la mentira, la corrupción, la ignorancia y la estupidez, el camino de la independencia (ya estética, ya intelectual) es la única alternativa digna a fin de ofrecerle una mirada crítica al sistema, a la sociedad, al régimen.
El también co-fundador del periódico A Sangre Fría (1993-95), así como fundador y director de la editorial Nitro/Press, estuvo en la capital michoacana, en el auditorio del Centro Cultural Clavijero, donde dialogó con una concurrencia más bien reducida.
Festejos y perspectiva
El autor, que a lo largo de su trayectoria ha sobresalido por su forma de navegar exitosamente desde ámbitos periféricos del mundo periodístico, literario y editorial, comenzó considerando que, de cara a los festejos patrios de este año, “una sociedad tiene el derecho de conmemorar lo que quiera” y que, en tal sentido, “México tiene justificada la celebración” del bicentenario de la Independencia y del centenario de la Revolución. Empero, consideró, “el problema viene cuando puede ponerse en duda la vigencia de esos acontecimientos en un país que tiene décadas sin lucir independiente y revolucionario, sino más bien déspota y miserable”.
Al explorar las que, en su opinión, son las causas de este estado de cosas, consideró: “México resalta en los mapas con su cuerpo sinuoso, femenino, como de cuerno de la abundancia. Pronto nos percatamos que las aguas que rodean sus contornos casi lo convierten con una isla, pero su historia de ensimismamiento nos confirma su divorcio con el norte y con el sur. México es una nación que no conversa con nadie, ni siquiera consigo misma”.
Del turismo al narco
Procedió a describir sucintamente algunas de las consecuencias de ese aislamiento y, en ese contexto, cuestionó duramente la radical dependencia de nuestro gobierno hacia el sector turístico. Dijo:
“Cuando un país depende en gran medida del turismo, ese país es como una mujer que sólo vive de su belleza. Un país que no produce, que no tiene voluntad, que no cultiva su inteligencia, es como una mujer hermosa, pero banal. Y esa alternativa, la del turismo, ha sido una de las principales fuentes de ingresos de nuestro país”.
Recordó, en perspectiva: “En mi adolescencia me tocó la época del auge del petróleo, con José López Portillo. Éramos como árabes, sólo que con burros en vez de camellos. Pero el petróleo se dilapidó y, al final, fue como haber hallado una cartera en la calle: una bonanza que dependió de la casualidad, nada obtenido por méritos propios”.
“La única industria destacada en las últimas dos décadas –señaló más adelante– es el narco. Es la única que arroja números negros y que opera eficiente y permanentemente. De modo que tenemos todo el derecho de festejar las conmemoraciones del bicentenario y del centenario, pero también la obligación de ver si realmente estamos viviendo los logros de una Independencia y de una Revolución”.
La cultura de la mentira
Más adelante, consideraría que el cultivo de la mentira como uno de los rasgos característicos de nuestra forma de conducirnos como individuos y como sociedad es otro aspecto indispensable para comprender por qué el país se encuentra en el estado actual.
“El hecho de haber vivido en países de Europa del Norte –señaló–, donde la verdad es valorada éticamente y enseñada a los niños, me representó un golpe muy fuerte, siendo que yo llegaba de un país como México, donde la mentira se fomenta desde la infancia”.
“Una de las consecuencias graves de esta cultura de la mentira en México es que conduce directamente a la cultura de la corrupción. Nos hemos convertido en un país sin méritos, porque la corrupción implica la desaparición del mérito, que ha dejado de existir porque ahora se puede comprar. Los mexicanos gastamos 27 mil millones de pesos al año en actos de corrupción. Y la corrupción es la adecuación de la realidad a nuestra conveniencia; es la imposición de la mentira en un país de mentiras”.
Las muletas en educación
Consideró asimismo: “Uno de los pilares fundamentales de por qué el país está como está es la educación. El poderoso sindicato de la educación ha sido y sigue administrado por una señora que no terminó la secundaria. Y esto explica muchas cosas, entre ellas el por qué un importante porcentaje de profesores son incapaces de resolver los exámenes que ellos mismos le aplican a sus alumnos, es decir, el tipo de exámen que podría resolver un niño de diez años. Eso nos está transformando en un país de estúpidos”.
Cuestionó que dos televisoras posean el 95% de los 461 canales de televisión en el país “y sin pagar impuestos por un bien público, que es dominio de la nación”.
“En nuestros hogares –recordó–, la TV ha ocupado el lugar de padres ausentes, de madres trabajadoras, y se ha constituido en la principal fuente formadora de nuestros niños”. Hablaría en ese sentido de la influencia televisiva como una forma de emputecer a la sociedad, no sólo desde la perspectiva más directa del adjetivo (al fortalecer entre el público, de forma sistemática, la imagen de la mujer–objeto), sino como un relajamiento de todo tipo de aptitudes éticas.
Por otro lado, recordaría que de desde 1970 a la fecha, el volumen de suicidios en México ha crecido en más del 300 por ciento. “Los especialistas dicen que son síntomas de desesperanza”.
En este escenario, insistió, “el narco sigue siendo la única industria productiva y trabajadora del país, la única medianamente justa con sus empleados. Lo demás es un gobierno que ha sembrado 60 millones de pobres. Y mientras, vemos que los países asiáticos que hace cincuenta años estaban en la ruina ya nos rebasaron, que España ha invertido mucho en tecnología y que eso la mantiene entre los países del primer mundo y que hasta una nación como la India hoy compite en computación con quien sea”.
Un país de apariencias
Todo lo anterior, que vino a ser como un diagnóstico general del contexto en el que sobrevive la cultura en el país, dio paso a una serie de consideraciones sobre los escenarios de la cultura y del arte en México y de las condiciones en las que se ven acotados los creadores.
De entrada, Bares propuso:
“Desde hace años vienen en aumento los encuentros de artistas independientes del país, pero pensar en artistas independientes exige pensar primero en los artistas que son dependientes. Dependientes ¿de qué? Bueno, desde tiempos de Shakespeare y Cervantes, la literatura más importante ha sido mordaz con las sociedades de las que surge. Y parte de la vigencia de esos autores tiene que ver con el hecho de que las sociedades no han cambiado mucho desde entonces. México es un excelente ejemplo: como legado prehispánico y colonial, aún tenemos hasta hoy una sociedad ceñidamente piramidal, jerárquica e impositiva; una estructura que se mueve usando mecanismos sinodiales, hereditarios, así como esas extensiones familiares tan mexicanas que llamamos compadrazgo y amiguismo. Así funcionan la política, el deporte, las finanzas, la educación. Así se mueve también la cultura. Somos un país de apariencias, sólo que hemos llegado a un punto histórico en el que las apariencias ya no son suficientes”.
Es indudable que en México tenemos muy buenos artistas, promotores culturales y funcionarios –continuó–. Incluso suman un buen número. Pero a la hora de los porcentajes son muy pocos o insuficientes. El medio cultural se mueve bajo los mismos mecanismos que el resto del país. A final de cuentas, el arte, la cultura y la ciencia son en cierto sentido la punta de la pirámide educativa y sería una obligación de la SEP cultivar esos campos entre los nuevos mexicanos”.
Abordaría el problema también desde el ámbito de los medios. “Fuera del DF, ¿cuánto paga un periódico por una nota de cultura? ¿150 pesos? Ese es el tipo de estándar al que podemos aspirar… y eso, si te pagan”.
De transiciones erróneas y el
valor del quehacer independiente
"Creo –abundó– que el país llegó, hace una década, a un punto en el que necesitaba dialogar consigo mismo, hacer un ejercicio de reflexión, verse autocríticamente al espejo. Sin embargo, curiosamente, a la hora de la coyuntura, a la hora de cambiar un partido por otro, decidió irse con el más intolerante de todos, con el más intransigente, con el que nunca le va a ofrecer una posibilidad de diálogo, que es el PAN. Ese es el instituto político que menos está dispuesto a dialogar, el que menos dispuesto está a ofrecerle algo a la cultura o a la educación, el que ha despedazado la historia en los libros de texto. Son intolerantes. Y me parece muy raro que, como sociedad, a la hora de haber tenido la posibilidad de un cambio, hayamos optado por la alternativa menos viable. De modo que nosotros como pueblo también somos responsables del escenario que tenemos”.
De cara a lo anterior, Mauricio Bares consideró que la experiencia de vivir estéticamente en la independencia, a pesar de sus presiones (fundamentalmente de difusión y económicas) es la única alternativa digna a fin de ofrecerle una mirada crítica al sistema, a la sociedad, al régimen.
Más allá de eso, en vez de proponer soluciones (alguien entre el público las pediría), Bares indicó que antes siquiera de pensar en soluciones es preciso enfocar los problemas y verlos con absoluta claridad.
La inauguración del encuentro Lenguajes Independientes y Revolucionarios del Arte fue presidida por dos de sus organizadores: Yurixhi Pérez Bárcena y Raúl Calderón Gordillo, ambos integrantes del Centro de Investigación de las Artes de la Secretaría de Cultura de Michoacán.
EN VIDEO / Fragmentos de la conferencia
La actriz moreliana Ana Zavala en el monólogo para actriz y títeres Lágrimas de agua dulce (dramaturgia de Jaime Chabaud Magnus y dirección de Perla Szuchmacher). El trabajo se va a la XXXI Muestra Nacional de Teatro de noviembre, en Guadalajara. El monólogo Lágrimas de agua dulce y la pieza La luna vista por los muertos son las dos obras morelianas que representarán a Michoacán en la XXXI Muestra Nacional de Teatro que se celebrará en Guadalajara del 5 al 13 de noviembre entrante.
Así lo dio a conocer este jueves 8 de septiembre, a las 18:00 horas, la Dirección Artística de la MNT, al publicar un post con el acta correspondiente en el blog de la Muestra Nacional de Teatro.
El facsimilar digital del acta del jurado donde constan los resultados se puede consultar en dos enlaces (uno por cada cuartilla del acta): este y este.
Del monólogo de Ana Zavala
Nacida como proyecto gracias a una beca del Sistema Estatal de Creadores (Secrea) de Michoacán en 2007, Lágrimas de agua dulce es uno de esos casos en los que la ciega sabiduría del “azar” o del “destino” congrega en un proyecto a las personas adecuadas. La dramaturgia de Jaime Chabaud (Perder la cabeza, Oc ye Nechca, Rashid 9/11, Tempranito y en ayunas, Lluna y el cuadro El pirómano en Me cago en Freud, entre muchas otras) cumple con singular oficio una de las máximas de la construcción de caracteres (“como autor, tienes que ser despiadado con tu personaje”), al darle a Sofía un conflicto exacto y a la medida de sus atributos. Con la colaboración de Perla Szuchmacher, Chabaud también redimensionó su dramaturgia original para trasladarla al campo del monólogo y los títeres. Mientras, Edyta Rzewuska, Haydeé Boetto y Ben Hadad Gómez conciben una escenografía y unos títeres que contribuyen, con sus cualidades, a modular la intensidad conceptual y emotiva de lo que se nos está contando, pues acuden al estambre, que es un material cálido y generoso, a partir del cual atenúan sin maquillarlas las dolorosas situaciones de la tragedia que estamos viendo. La música de Félix Bailón Guarro y Alejandro Barrera Cateto es la discreta cereza de un pastel cuya almendra es la actriz Ana Zavala que convence y conmueve en cada uno de los ocho o diez personajes a los que da vida (ya como títeres de mesa o como simples objetos animados), con una gran dosis de ludismo.
Un espectáculo que mereció el primer lugar en la Muestra Estatal de Teatro de Michoacán 2008 y que desde entonces ha recorrido con mucha fortuna (la que se merece, después de todo) diversas regiones del país.
Los actores Yazman del Toro y Verónica Villicaña en una escena de La luna vista por los muertos (dramaturgia de Daniel Rodríguez Barrón y dirección de Sheyla A. Rodríguez). El trabajo también representa a la entidad en la MNT de noviembre en la capital tapatía.De La luna vista por los muertos
Distribuida en diez cuadros, de los que la versión moreliana conserva unos ocho, la pieza La luna vista por los muertos (Daniel Rodríguez Barrón, 2001) fue ganadora en su momento del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo.
La versión del grupo Aleatorio Teatro, de Morelia, fue montada a comienzos de este 2010 como un ejercicio de dirección escénica por alumnos del cuarto año de la licenciatura de Teatro de la Escuela Popular de Bellas Artes.
Dirigida por Sheyla A. Rodríguez y producida por Paulina Cuiríz Ríos, lo más inquietante de la pieza es que la situación que plasma es, desde una perspectiva extra-teatral, espeluznantemente real. La Luna vista por los muertos registra el anémico pulso de una generación de jóvenes y adolescentes que, despojados de ideales, inspiración, objetivos o siquiera disciplina, dejan que la vida se derrame y pase de lado sin tocarlos siquiera. Ya no se trata de desafiar ni de arriesgarse, sino simplemente de llamar la atención lo menos posible, de moverse lo menos posible, de sufrir lo menos posible mientras llega… ¿qué? Acaso la carroza alada del tiempo. Acaso las “buenas noches” de la loca Ofelia.
Uno de los diálogos más depresivos del trabajo, en labios del personaje de Julia (Verónica Villicaña), expone claramente el tema de esta pieza: “¿Sabes? –le dice a Leotario–, la esclavitud no consiste en ir a trabajar de ocho a seis para que te den libre el viernes por la tarde; la esclavitud consiste en que para el viernes por la tarde ya no tienes ganas de nada, excepto de drogarte, de tomar la pastilla y de coger con quien me sienta más segura sin correr el riesgo ni de ligar”.
El texto de Daniel Rodríguez Barrón no idealiza ni escarnece a sus personajes, nos los muestra tal cual son: un “estremecimiento entre dos Nadas” (Nietzche), mientras lidian sus diminutas batallas, cada uno de su lado de la cama; ese espacio decisivo que no abandonan ni para un “mano a mano”, masturbándose cada uno por su lado.
En medio de apuntes crudos a un nihilismo extremo, en el que todo ha perdido su sentido, la dirección de Sheyla A. Rodríguez propone una puesta en escena muy limpia, que hace eco de las ascépticas (o mejor, esterilizadas) emociones de sus personajes. Ha suprimido incluso el desorden de revistas y periódicos propuesto por la dramarturgia original para quedarse con una habitación de inmaculado blanco que a momentos deviene perfecta cripta sepulcral y en la que sólo rompe el pequeño televisor de color oscuro, mientras el escenario permanece bañado por enfermizas luces lechosas que viran ocasionalmente al malva, al rojo o al azul.
El tono de la puesta no parece responder al intenso desencanto de la dramaturgia. Le faltan matices, particularmente, al personaje de Leotario, así como un sentido general más acentuado de orfandad, de sinsentido, a ese limbo inútil de una espera que revela el taedium vitae que devora a cada instante unas vidas jóvenes (y que por lo mismo resulta mucho más cruel que si estuviéramos ante personajes instalados ya en el ocaso natural de sus existencias). El tono de la obra necesita, me parece, ser bien enfocado. Por lo demás, técnicamente, lo que se ofrece está muy limpio.
La lista completa
Lágrimas de agua dulce y La luna vista por los muertos compartirán escenarios con un total de 28 títulos, que son los que forman parte de la selección oficial de la XXXI Muestra Nacional de Teatro. A esta lista deben añadirse tres obras más que son “invitadas institucionales”, lo que da un total de 31.
Once de las veintiocho obras seleccionadas pertenecen a la capital del país y las demás representan a solamente once de los 30 estados restantes de la República Mexicana. A continuación, el texto del acta de la dirección artística y los títulos que entre el 5 y el 13 de noviembre se presentan en Guadalajara:
Del treinta y uno de agosto al dos de septiembre de dos mil diez, se reunió la Dirección Artística de la XXXI Muestra Nacional de Teatro, integrada por los maestros Raquel Araujo, Édgar Chías, José Ramón Enríquez, Enrique Mijares y Alejandra Tello, en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, para deliberar y conformar la programación de la Muestra. El resultado es el siguiente: Obras seleccionada por la Dirección Artística:
Baja California
El hombre sin adjetivos, de Mario Cantú Toscano. Dirige Daniel Serrano
Distrito Federal
Cabaret Noir, de Gustavo Proal. Dirigen Paola Izquierdo y Roam León
Descomposición, texto y dirección de Alfonso Cárcamo
El gallo, de Paul Barker, dirige Claudio Valdéz Kuri
El pájaro Dziú, de Marcela Castillo, dirige Anick Pérez y Marcela Castillo
La impro lucha, de José Luis Saldaña y Omar Medina, dirige José Luis Saldaña
Incendios, de Wadji Mouawad, dirige Hugo Arrevillaga
Los sueños de Paco, texto y dirección de Carlos Corona
Migrantes errantes, de Noé Morales. Dirige Alicia Sánchez
Nezahualcóyotl, texto y dirección de Juliana Faesler
Oleanna, de David Mamet. Dirige Enrique Singer
Riñón de cerdo para el desconsuelo, de Alejandro Ricaño. Dirige Angélica Rogel
Michoacán
Lágrimas de agua dulce, de Jaime chabaud. Dirección de Perla Szuchmacher
La luna vista por los muertos, de Daniel Rodríguez Barrón. Dirige Sheyla A. Rodríguez
Nuevo León
El concreto y la sed, creación colectiva. Dirige Thierry Thurmel
Papá está en la Atlántida, de Javier Malpica. Dirige Alberto Ontiveros
Puebla
La creación del mundo y la primera culpa del hombre, de Félix Lope de Vega. Dirige Martín Acosta
Querétaro
Querido Diego, te abraza Quiela, de Elena Poniatowska. Dirige Mauricio Jiménez
San Luis Potosí
La muerte de Büchner, texto y dirección de Edén Coronado
Sinaloa
Cananeas, texto y dirección de Sergio Galindo
Tamaulipas
¿Quién es Macbeth?, adapta y dirige Medardo Treviño
Meda y Jasón, adaptación de Gerardo castillo. Dirige Marcial Salinas
Veracruz
Idiotas contemplando la nieve, de Alejandro Ricaño. Dirige Alberto Lomnis
Yucatán
Nuestra señora de las nubes, de Arístides Vargas. Dirige Nelson Cepeda
Horacio o la implosión, adapta y dirige Ulises Vargas
Jalisco (seleccionadas a través de la Muestra Estatal)
Adiós, querido Cuco, de Berta Hiriart, dirige Susana Romo
Perros hinchados a la orilla de la carretera, de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz-Monasterio. Dirige manuel Parra
Ubú rey, de Alfred Jarry. Dirige Ihonatan Ruíz
OBRAS INSTITUCIONALES
El gesticulador, de Rodolfo Usigli. Dirige Beto Ruiz (Compañía Estatal de Teatro de Jalisco)
Cristóbal Colón, de Vivian Blumenthal. Dirige Rafael Sandoval (Compañía Metropolitana de Teatro de Jalisco)
El jardín de los cerezos, de Anton Chéjov. Dirige Luis de Tavira (Compañía Nacional de Teatro / DF)
Con un programa de transcripciones sinfónicas a temas populares de la música vernácula y étnica de México y Michoacán, la Orquesta Sinfónica de Michoacán (Osidem) emprende a partir de esta semana una gira de conciertos por cuatro municipios michoacanos: Apatzingán, Ario de Rosales, Sahuayo y Uruapan. El circuito se ofrece como parte de las conmemoraciones por el Bicentenario de la Independencia y Centenario de la Revolución Mexicana.
Asi se dio a conocer el miércoles en una conferencia de prensa en la que estuvieron el director artístico de la Osidem, Eduardo Sánchez Zúber; el jefe del departamento de Música de la Secretaría de Cultura de Michoacán (Secum), Héctor Manuel García Chávez y representantes de dos de los municipios integrados a la gira (Merari Rincón Mendoza, coordinadora de la Casa de la Cultura de Uruapan, y Jorge Alberto Manzo Méndez, director de Comunicación Social del ayuntamiento de Apatzingán).
Los conciertos contemplados en esta gira comienzan el viernes 10 de septiembre en el centro cultural del DIF municipal de Uruapan. Continuarán el viernes 17 en Ario de Rosales, así como el viernes 24 en Sahuayo, en la parroquia dedicada a Santiago Apóstol. La gira concluirá el 17 de octubre en la catedral de Nuestra Señora de la Asunción, en Apatzingán. En todos los casos, la entrada es gratuita y los conciertos comenzarán a las ocho de la noche.
No es la primera vez que la Osidem ofrece un programa de espíritu popular con miras a acercarse a públicos masivos. Hasta donde la memoria me alcanza, la primera ocasión que se dio una configuración de este tipo en los programas de la Orquesta fue hacia 1994 ó 1995, cuando la Osidem presentó un programa con transcripciones sinfónicas de música de Los Beatles y un popurrí de La guerra de las Galaxias episodio IV (John Williams, 1977).
Esta vez, en cambio, la orientación hacia lo popular traerá consigo arreglos sinfónicos de canciones interpretadas por Jorge Negrete y Pedro Infante. También figuran trabajos sinfónicos propiamente dichos, como Janitzio, así como títulos procedentes de la pirekua michoacana tradicional (la Yolandita y Josefinita) codeándose con composiciones como Peregrina, Júrame, y Bésame mucho, entre otras.
Sobre el particular, el director del departamento de Música de la Secum, Héctor García Chávez, indicó que los conciertos se perfilan como “los mejores de este año”, en el sentido de que se trata de un programa muy popular, atento al gusto del público, y de que se trata de un circuito itinerante.
A su vez, Eduardo Sánchez Zúber enfatizó que los solistas serán todos ellos michoacanos y que idealmente habría sido deseable que fueran representantes de los municipios por donde actuará la Osidem. Esto no se consiguió en todos los casos. Aún así, a cargo de las canciones estarán las sopranos Claudia Arévalo, Mónica Ruiz y Teresita de Alcázar, así como el tenor José Ortiz.
Sánchez Zúber también expresó la necesidad de que en México se celebre “lo bueno que tenemos en el país” y celebró las posibilidades que brinda para ese objetivo el lenguaje de la música.
Finalmente el director artístico de la OSIDEM adelantó que entre sus planes se encuentra la presentación de un concierto al aire libre el próximo 8 de octubre a un costado de la Catedral de Morelia a las 20:30 horas, en el que interpretarán la obra Carmina Burana de Cart Orff.
Asi se dio a conocer el miércoles en una conferencia de prensa en la que estuvieron el director artístico de la Osidem, Eduardo Sánchez Zúber; el jefe del departamento de Música de la Secretaría de Cultura de Michoacán (Secum), Héctor Manuel García Chávez y representantes de dos de los municipios integrados a la gira (Merari Rincón Mendoza, coordinadora de la Casa de la Cultura de Uruapan, y Jorge Alberto Manzo Méndez, director de Comunicación Social del ayuntamiento de Apatzingán).
Los conciertos contemplados en esta gira comienzan el viernes 10 de septiembre en el centro cultural del DIF municipal de Uruapan. Continuarán el viernes 17 en Ario de Rosales, así como el viernes 24 en Sahuayo, en la parroquia dedicada a Santiago Apóstol. La gira concluirá el 17 de octubre en la catedral de Nuestra Señora de la Asunción, en Apatzingán. En todos los casos, la entrada es gratuita y los conciertos comenzarán a las ocho de la noche.
No es la primera vez que la Osidem ofrece un programa de espíritu popular con miras a acercarse a públicos masivos. Hasta donde la memoria me alcanza, la primera ocasión que se dio una configuración de este tipo en los programas de la Orquesta fue hacia 1994 ó 1995, cuando la Osidem presentó un programa con transcripciones sinfónicas de música de Los Beatles y un popurrí de La guerra de las Galaxias episodio IV (John Williams, 1977).
Esta vez, en cambio, la orientación hacia lo popular traerá consigo arreglos sinfónicos de canciones interpretadas por Jorge Negrete y Pedro Infante. También figuran trabajos sinfónicos propiamente dichos, como Janitzio, así como títulos procedentes de la pirekua michoacana tradicional (la Yolandita y Josefinita) codeándose con composiciones como Peregrina, Júrame, y Bésame mucho, entre otras.
Sobre el particular, el director del departamento de Música de la Secum, Héctor García Chávez, indicó que los conciertos se perfilan como “los mejores de este año”, en el sentido de que se trata de un programa muy popular, atento al gusto del público, y de que se trata de un circuito itinerante.
A su vez, Eduardo Sánchez Zúber enfatizó que los solistas serán todos ellos michoacanos y que idealmente habría sido deseable que fueran representantes de los municipios por donde actuará la Osidem. Esto no se consiguió en todos los casos. Aún así, a cargo de las canciones estarán las sopranos Claudia Arévalo, Mónica Ruiz y Teresita de Alcázar, así como el tenor José Ortiz.
Sánchez Zúber también expresó la necesidad de que en México se celebre “lo bueno que tenemos en el país” y celebró las posibilidades que brinda para ese objetivo el lenguaje de la música.
Finalmente el director artístico de la OSIDEM adelantó que entre sus planes se encuentra la presentación de un concierto al aire libre el próximo 8 de octubre a un costado de la Catedral de Morelia a las 20:30 horas, en el que interpretarán la obra Carmina Burana de Cart Orff.
EN VIDEO / Aspectos de la conferencia de prensa
Aspectos de la conferencia de prensa en el café del teatro Ocampo.
“Esta es la historia triste de una niña hermosa”, advierte la anciana abuela Felícitas (Ana Zavala, irreprochable) al comienzo del monólogo para actriz y títeres Lágrimas de agua dulce (Jaime Chabaud Magnus y Perla Szuchmacher, 2007, sobre dramaturgia previa original del propio Chabaud).
Vendedora trashumante de bordados, doña Felícitas recorre pueblos y ciudades. En cada lugar se detiene no sólo para la vendimia, sino para narrarle a quien quiera escucharla la historia de su nieta, Sofía, cuya extraña cualidad de derramar un copioso llanto, hecho no de lágrimas saladas, sino de agua dulce, la convirtió en un objeto de ambición para los adultos de su pueblito natal y marcó su destino trágicamente.
Esta es la anécdota de uno de los mayores trabajos que ha dado en el último lustro el teatro para niños en México, resultado de un equipo creativo que incluye (aparte de Chabaud y Szuchmacher), a Ana Zavala, Ben Hadad Gómez, Haydeé Boetto, Edyta Rzewuska, Félix Bailon Guarro y Alejandro Barrera Cateto.
La audacia (prácticamente insólita en la escena nacional) de llevar una tragedia al territorio del teatro para niños, sin que tal conjugación traicione o desdibuje la esencia de cada uno de esos dos ámbitos, es el mayor triunfo estético de una puesta en escena que es al mismo tiempo cálida y amarga, triste y jocosa, inquietante y encantadora.
Porque, finalmente, el tema de Lágrimas de agua dulce es el de la explotación infantil. Un tema duro, difícil, pero cuyas crueles aristas (el abuso laboral, sexual, psicológico, afectivo… junto con todas las infinitas distorsiones que pueden desprenderse del acoso a la niñez) encuentran su más perfecto canal de manifestación, no en un ejercicio de naturalismo social –que habría sido la solución más fácil e inmediata–, sino en las metáforas posibles desde la dimensión más profunda y universal del pensamiento y del relato fantásticos.
Lágrimas de agua dulce se presentó en Morelia el pasado domingo, como parte de las seis obras michoacanas que audicionaron ante la dirección artística de la XXXI Muestra Nacional de Teatro, en pos de representar a Michoacán en ese escaparate escénico.
Uno
Así pues, he aquí lo que la anciana Felícitas narra a través de sus bordados: la historia de una pequeña Sofía que comienza a llorar lágrimas de agua dulce el día en que fallece su madre. Será Felipe, su único amigo, el primero en descubrir la extraña cualidad de la niña. Y cuando los adultos también la noten, Sofìa se convertirá en la esperanza de todos los habitantes del pueblito de Icuiricui, que agoniza amenazado por una prolongada sequía.
Y he aquí que el pueblo será salvado, pero el milagro se convertirá muy pronto es maldición cuando la codicia reemplace a la necesidad y desate una ambición prohibida: la de enriquecerse a costa de las lágrimas de la niña.
La eficiencia del pensamiento neoliberal que domina nuestro tiempo inventará muy pronto una antinatural “máquina nalgueadora”, destinada ya no sólo a Sofía, sino a todos los niños del pueblo, cuyas lágrimas serán acopiadas y desalinizadas para obtener ganancias adicionales del cloruro de sodio conseguido como derivado del proceso.
Y mientras la mentalidad fría e impersonal del “qué vendes” y del “cuánto vendes” establece sus reglas del juego, corrompiendo a las autoridades civiles del pueblito, al clero y al propio padre de la niña, la abuela Felícitas y Felipe serán los únicos personajes realmente preocupados por Sofía, a la que infructuosamente intentarán ayudar hasta el momento del desenlace trágico: el de una persecución a campo traviesa que termina con la captura de la niña, que se marchita y se extingue delante de sus captores, derrotado su espíritu y vencido su cuerpo por las crueles demandas de la avariciosa comunidad.
Dos
Nacida como proyecto gracias a una beca del Sistema Estatal de Creadores (Secrea) de Michoacán en 2007, Lágrimas de agua dulce es uno de esos casos en los que la ciega sabiduría del “azar” o del “destino” congrega en un proyecto a las personas adecuadas. La dramaturgia de Jaime Chabaud (Perder la cabeza, Oc ye Nechca, Rashid 9/11, Tempranito y en ayunas, Lluna y el cuadro El pirómano en Me cago en Freud, entre muchas otras) cumple con singular oficio una de las máximas de la construcción de caracteres (“como autor, tienes que ser despiadado con tu personaje”), dándole a Sofía un conflicto exacto y a la medida de sus atributos. Con Perla Szuchmacher, Chabaud también redimensiona la dramaturgia original para trasladarla al campo del monólogo y los títeres. Mientras, Edyta Rzewuska, Haydeé Boetto y Ben Hadad Gómez conciben una escenografía y unos títeres que contribuyen, con sus cualidades, a modular la intensidad conceptual y emotiva de lo que se nos está contando, pues acuden al estambre, que es un material cálido y generoso, a partir del cual atenúan sin maquillarlas las dolorosas situaciones de la tragedia que estamos viendo. La música de Félix Bailon Guarro y Alejandro Barrera Cateto es la discreta cereza de un pastel cuya almendra es la actriz Ana Zavala que convence y conmueve en cada uno de los ocho o diez personajes a los que da vida (ya como títeres de mesa o como simples objetos animados) con una gran dosis de ludismo.
Un espectáculo que mereció el primer lugar en la Muestra Estatal de Teatro de Michoacán 2008 y que desde entonces ha recorrido con mucha fortuna (la que se merece, después de todo) diversas regiones del país.
Tres
Lágrimas de agua dulce permanece con nosotros, pero Perla Szuchmacher ya no. A propósito de esto, en la página de Rubén Szuchmacher, hermano de la autora, aparece este post con las siguientes palabras de Jaime Chabaud Magnus, escritas tras el deceso de la realizadora, acaecido el 10 de mayo pasado:
Me causa un inmenso dolor la muerte de Perla Szuchmacher, dramaturga y directora dedicada al teatro para niños y jóvenes. Además de la amistad que nos unía, me aterra (en el sentido originario de esta “mala” palabra) porque pocas son las gentes de teatro que nacieron para servir. Los demás sólo saben servirse, avorazarse, agandallarse y –en el mejor de los casos- mirarse el ombligo y dar codazos si alguien estorba. Perla fue de una generosidad proverbial y tocó el corazón de muchos colegas y –por supuesto- de su público. Argentina de nacimiento, la recuerdo dando brincos de felicidad porque un día, después de muchos trámites, se había vuelto mexicana. Estaba feliz como niña con juguete nuevo, orgullosa de su nueva nacionalidad, muy pero muy contenta, con la mirada limpia. Me acuerdo del día que me enseñó su casa nueva, la primera de propiedad de Alberto (su marido) y suya, me llevó de la mano por todos los rincones contándome atropelladamente las mejoras que quería hacerle, hace no más de tres años, a esa su casa, donde quería pasar el resto de su vida, con la paz de un techo suyo. Y no saldrá de mi memoria el día que me pidió disculpas (no había ninguna ofensa) por el cambio al final infeliz que yo proponía en mi obra Lágrimas de agua dulce (que ahora el DIF del DF censuró en otro montaje hecho con niños, curioso) que ella dirigía con Ana Zavala actuando. “Tenías razón –me dijo– la explotación infantil no puede tener un final feliz. Vamos a regresar al que es”.
Si el teatro mexicano para jóvenes audiencias está hoy a la vanguardia en todo Latinoamérica se debe –entre otras gentes- a Perla Szuchmacher. Ella nos enseñó que no tiene temas vedados y que con los niños se puede hablar de todo: de la muerte, del divorcio, del abuso e incluso de la diversidad sexual. Ahí radica el poderío de este Nuevo Teatro para Niños del que Perla era una de sus mejores exponentes, como directora y como dramaturga. Malas palabras, El rey que no oía pero escuchaba y, entre otras, Príncipe y Príncipe son ejemplo de ello. No hay con qué pagarte, Perluchis, todos los regalos que nos diste y, como diría Miguel Hernández: “no perdono a la muerte enamorada / no perdono a la vida desatenta…”
Vendedora trashumante de bordados, doña Felícitas recorre pueblos y ciudades. En cada lugar se detiene no sólo para la vendimia, sino para narrarle a quien quiera escucharla la historia de su nieta, Sofía, cuya extraña cualidad de derramar un copioso llanto, hecho no de lágrimas saladas, sino de agua dulce, la convirtió en un objeto de ambición para los adultos de su pueblito natal y marcó su destino trágicamente.
Esta es la anécdota de uno de los mayores trabajos que ha dado en el último lustro el teatro para niños en México, resultado de un equipo creativo que incluye (aparte de Chabaud y Szuchmacher), a Ana Zavala, Ben Hadad Gómez, Haydeé Boetto, Edyta Rzewuska, Félix Bailon Guarro y Alejandro Barrera Cateto.
La audacia (prácticamente insólita en la escena nacional) de llevar una tragedia al territorio del teatro para niños, sin que tal conjugación traicione o desdibuje la esencia de cada uno de esos dos ámbitos, es el mayor triunfo estético de una puesta en escena que es al mismo tiempo cálida y amarga, triste y jocosa, inquietante y encantadora.
Porque, finalmente, el tema de Lágrimas de agua dulce es el de la explotación infantil. Un tema duro, difícil, pero cuyas crueles aristas (el abuso laboral, sexual, psicológico, afectivo… junto con todas las infinitas distorsiones que pueden desprenderse del acoso a la niñez) encuentran su más perfecto canal de manifestación, no en un ejercicio de naturalismo social –que habría sido la solución más fácil e inmediata–, sino en las metáforas posibles desde la dimensión más profunda y universal del pensamiento y del relato fantásticos.
Lágrimas de agua dulce se presentó en Morelia el pasado domingo, como parte de las seis obras michoacanas que audicionaron ante la dirección artística de la XXXI Muestra Nacional de Teatro, en pos de representar a Michoacán en ese escaparate escénico.
Uno
Así pues, he aquí lo que la anciana Felícitas narra a través de sus bordados: la historia de una pequeña Sofía que comienza a llorar lágrimas de agua dulce el día en que fallece su madre. Será Felipe, su único amigo, el primero en descubrir la extraña cualidad de la niña. Y cuando los adultos también la noten, Sofìa se convertirá en la esperanza de todos los habitantes del pueblito de Icuiricui, que agoniza amenazado por una prolongada sequía.
Y he aquí que el pueblo será salvado, pero el milagro se convertirá muy pronto es maldición cuando la codicia reemplace a la necesidad y desate una ambición prohibida: la de enriquecerse a costa de las lágrimas de la niña.
La eficiencia del pensamiento neoliberal que domina nuestro tiempo inventará muy pronto una antinatural “máquina nalgueadora”, destinada ya no sólo a Sofía, sino a todos los niños del pueblo, cuyas lágrimas serán acopiadas y desalinizadas para obtener ganancias adicionales del cloruro de sodio conseguido como derivado del proceso.
Y mientras la mentalidad fría e impersonal del “qué vendes” y del “cuánto vendes” establece sus reglas del juego, corrompiendo a las autoridades civiles del pueblito, al clero y al propio padre de la niña, la abuela Felícitas y Felipe serán los únicos personajes realmente preocupados por Sofía, a la que infructuosamente intentarán ayudar hasta el momento del desenlace trágico: el de una persecución a campo traviesa que termina con la captura de la niña, que se marchita y se extingue delante de sus captores, derrotado su espíritu y vencido su cuerpo por las crueles demandas de la avariciosa comunidad.
Dos
Nacida como proyecto gracias a una beca del Sistema Estatal de Creadores (Secrea) de Michoacán en 2007, Lágrimas de agua dulce es uno de esos casos en los que la ciega sabiduría del “azar” o del “destino” congrega en un proyecto a las personas adecuadas. La dramaturgia de Jaime Chabaud (Perder la cabeza, Oc ye Nechca, Rashid 9/11, Tempranito y en ayunas, Lluna y el cuadro El pirómano en Me cago en Freud, entre muchas otras) cumple con singular oficio una de las máximas de la construcción de caracteres (“como autor, tienes que ser despiadado con tu personaje”), dándole a Sofía un conflicto exacto y a la medida de sus atributos. Con Perla Szuchmacher, Chabaud también redimensiona la dramaturgia original para trasladarla al campo del monólogo y los títeres. Mientras, Edyta Rzewuska, Haydeé Boetto y Ben Hadad Gómez conciben una escenografía y unos títeres que contribuyen, con sus cualidades, a modular la intensidad conceptual y emotiva de lo que se nos está contando, pues acuden al estambre, que es un material cálido y generoso, a partir del cual atenúan sin maquillarlas las dolorosas situaciones de la tragedia que estamos viendo. La música de Félix Bailon Guarro y Alejandro Barrera Cateto es la discreta cereza de un pastel cuya almendra es la actriz Ana Zavala que convence y conmueve en cada uno de los ocho o diez personajes a los que da vida (ya como títeres de mesa o como simples objetos animados) con una gran dosis de ludismo.
Un espectáculo que mereció el primer lugar en la Muestra Estatal de Teatro de Michoacán 2008 y que desde entonces ha recorrido con mucha fortuna (la que se merece, después de todo) diversas regiones del país.
Tres
Lágrimas de agua dulce permanece con nosotros, pero Perla Szuchmacher ya no. A propósito de esto, en la página de Rubén Szuchmacher, hermano de la autora, aparece este post con las siguientes palabras de Jaime Chabaud Magnus, escritas tras el deceso de la realizadora, acaecido el 10 de mayo pasado:
Me causa un inmenso dolor la muerte de Perla Szuchmacher, dramaturga y directora dedicada al teatro para niños y jóvenes. Además de la amistad que nos unía, me aterra (en el sentido originario de esta “mala” palabra) porque pocas son las gentes de teatro que nacieron para servir. Los demás sólo saben servirse, avorazarse, agandallarse y –en el mejor de los casos- mirarse el ombligo y dar codazos si alguien estorba. Perla fue de una generosidad proverbial y tocó el corazón de muchos colegas y –por supuesto- de su público. Argentina de nacimiento, la recuerdo dando brincos de felicidad porque un día, después de muchos trámites, se había vuelto mexicana. Estaba feliz como niña con juguete nuevo, orgullosa de su nueva nacionalidad, muy pero muy contenta, con la mirada limpia. Me acuerdo del día que me enseñó su casa nueva, la primera de propiedad de Alberto (su marido) y suya, me llevó de la mano por todos los rincones contándome atropelladamente las mejoras que quería hacerle, hace no más de tres años, a esa su casa, donde quería pasar el resto de su vida, con la paz de un techo suyo. Y no saldrá de mi memoria el día que me pidió disculpas (no había ninguna ofensa) por el cambio al final infeliz que yo proponía en mi obra Lágrimas de agua dulce (que ahora el DIF del DF censuró en otro montaje hecho con niños, curioso) que ella dirigía con Ana Zavala actuando. “Tenías razón –me dijo– la explotación infantil no puede tener un final feliz. Vamos a regresar al que es”.
Si el teatro mexicano para jóvenes audiencias está hoy a la vanguardia en todo Latinoamérica se debe –entre otras gentes- a Perla Szuchmacher. Ella nos enseñó que no tiene temas vedados y que con los niños se puede hablar de todo: de la muerte, del divorcio, del abuso e incluso de la diversidad sexual. Ahí radica el poderío de este Nuevo Teatro para Niños del que Perla era una de sus mejores exponentes, como directora y como dramaturga. Malas palabras, El rey que no oía pero escuchaba y, entre otras, Príncipe y Príncipe son ejemplo de ello. No hay con qué pagarte, Perluchis, todos los regalos que nos diste y, como diría Miguel Hernández: “no perdono a la muerte enamorada / no perdono a la vida desatenta…”
EN VIDEO
Algunos momentos de Lágrimas de agua dulce.
En cierto sentido, la noticia no es nueva. Fue entre el 14 y el 15 de julio de 1965 (hace 45 años), durante la misión estadunidense de la sonda automática Mariner 4, cuando el mundo supo por primera vez de la existencia del cráter más extraño de todo el sistema solar: el Orcus Patera, localizado cerca del ecuador marciano, justo entre el gigantesco Monte Olimpo (que a su vez es el mayor volcán que se ha encontrado en el sistema solar) y el Monte Elíseo.
Pero el Orcus Patera ha vuelto a ser noticia esta semana, debido a que la Agencia Espacial Europea (ESA, por sus siglas en inglés) reveló nuevas y más detalladas fotos del cráter que fueron captadas apenas el viernes 27 de agosto por la sonda Mars Express.
El desconcierto científico, que se ha despertado fundamentalmente entre los geólogos, puede ser comprensible a la luz de la imagen que posteo arriba de estas líneas y que es una interpretación artística (rigurosamente fiel, a partir de la información real que se posee,) del ilustrador Kees Veenenbos, que tiene varios años trabajando para la NASA.
Más abajo hay otra imagen, esta vez sí una foto de la misión Mars Express.
El hecho es que desde hace 45 años los científicos no logran ponerse de acuerdo al buscar una explicación satisfactoria para la forma elíptica del cráter, que mide unos 380 kilómetros de longitud por unos 140 de envergadura. Mientras, en sus puntos más altos, su borde se eleva a casi dos kilómetros y su profundidad promedio es de entre 400 y 600 metros.
Hasta ahora hay varias hipótesis que intentan explicar la inusual forma elíptica de Orcus Patera. Dos son más aceptadas. Una propone que ha podido tratarse de un atípico impacto, por parte de un objeto que ingresó al campo gravitacional marciano con una inclinación menor a los 5 grados, ocasionando la estela que dio origen al cráter. La otra sugiere que el cráter puede ser resultado de distintos impactos que, mediante procesos naturales de erosión, terminaron por darle al cráter la extraña forma que exhibe.
Pero ambas sugerencias no pasan de meras hipótesis porque hasta el momento nadie ha podido explicar satisfactoriamente los detalles geológicos implicados, de modo que, por el momento, Marte nos ofrece un nuevo enigma que tendrá ocupados a los expertos durante los próximos años.
La información completa, tal como fue emitida por la Agencia Espacial Europea (en idioma inglés, ni modo) el pasado 27 de agosto, en este enlace.
Pero el Orcus Patera ha vuelto a ser noticia esta semana, debido a que la Agencia Espacial Europea (ESA, por sus siglas en inglés) reveló nuevas y más detalladas fotos del cráter que fueron captadas apenas el viernes 27 de agosto por la sonda Mars Express.
El desconcierto científico, que se ha despertado fundamentalmente entre los geólogos, puede ser comprensible a la luz de la imagen que posteo arriba de estas líneas y que es una interpretación artística (rigurosamente fiel, a partir de la información real que se posee,) del ilustrador Kees Veenenbos, que tiene varios años trabajando para la NASA.
Más abajo hay otra imagen, esta vez sí una foto de la misión Mars Express.
El hecho es que desde hace 45 años los científicos no logran ponerse de acuerdo al buscar una explicación satisfactoria para la forma elíptica del cráter, que mide unos 380 kilómetros de longitud por unos 140 de envergadura. Mientras, en sus puntos más altos, su borde se eleva a casi dos kilómetros y su profundidad promedio es de entre 400 y 600 metros.
Hasta ahora hay varias hipótesis que intentan explicar la inusual forma elíptica de Orcus Patera. Dos son más aceptadas. Una propone que ha podido tratarse de un atípico impacto, por parte de un objeto que ingresó al campo gravitacional marciano con una inclinación menor a los 5 grados, ocasionando la estela que dio origen al cráter. La otra sugiere que el cráter puede ser resultado de distintos impactos que, mediante procesos naturales de erosión, terminaron por darle al cráter la extraña forma que exhibe.
Pero ambas sugerencias no pasan de meras hipótesis porque hasta el momento nadie ha podido explicar satisfactoriamente los detalles geológicos implicados, de modo que, por el momento, Marte nos ofrece un nuevo enigma que tendrá ocupados a los expertos durante los próximos años.
La información completa, tal como fue emitida por la Agencia Espacial Europea (en idioma inglés, ni modo) el pasado 27 de agosto, en este enlace.
Caleidoscopio del desamor
Los actores Alberto García y Lucía Díaz en una de las escenas de Intimidad (Hugo Hiriart, 1984) en versión de Hasam Díaz y la agrupación moreliana Pólux Teatro.
Nunca es fácil aceptar al desamor cuando llega a nuestra vida: ese momento en el que agonizan la complicidad, el deseo y el entusiasmo que definen una relación de pareja. El desamor es el tema de Intimidad (Hugo Hiriart, 1984), la cual fue estrenada por el director Hasam Díaz y la agrupación Pólux Teatro a comienzos de este año en Morelia.
Pero si el desamor es el asunto muy particular del que se ocupa esta puesta en escena, su desencanto es caleidoscópicamente multiplicado a través de su paso por dos parejas que se desdoblan en cuatro, potenciado a partir de las situaciones patéticas o ridículas que protagonizan y resignificado por las distanciadas reflexiones que, en determinados momentos, emite cada personaje, insólitamente situado como observador frío e imparcial de la tragedia o el absurdo de los otros.
Intimidad fue la tercera de las seis obras morelianas que el pasado fin de semana audicionaron en Morelia ante dos jurados de la XXXI Muestra Nacional de Teatro, con miras a figurar en el escaparate de diciembre próximo en Guadalajara.
Uno
Acompañada por los lánguidos compases de un piano (música original de Heriberto Díaz), de la oscuridad surge una pareja que atraviesa el escenario, encaramada la una encima del otro, que la lleva a cuestas como entre ciertos insectos cuando cumplen sus ritos de apareamiento. Ese tránsito fugaz preside la primera escena de Intimidad, que nos lleva al espacio más íntimo de nuestros mundos domésticos: la alcoba en la que Martha (Cuauhtli Hernández) y Julio (Jaime Noguerón) despiertan y comienzan su día discutiendo por algo tan nimio como una extraviada aguja de coser.
Sin embargo, lo que parecería anunciarse de esta manera como una probable comedia de enredos, deja de serlo tan pronto como Martha y Julio se congelan en plena escena e ingresa una Pipa (Lucía Díaz) que estudia críticamente a los personajes e invita al público a escudriñar con más cuidado la circunstancia que protagonizan. En efecto, en el subtexto de la situación pulsa un intenso duelo de poder a través de reproches mutuos que son desmenuzados y analizados a detalle por la narradora.
Similares mecanismos de ruptura y distanciamiento serán permanentes a lo largo de la puesta en escena, enriquecidos por un juego de reiteraciones en el que una misma situación se repite en cuatro distintas conjugaciones entre los personajes (primero son las parejas de Martha y Julio y de Pipa y Pedro, luego las de Julio y Pedro y de Martha y Pipa), tan sólo para mostrar que en el desamor, como en ciertas operaciones matemáticas, el orden de los factores no altera el producto, que en este caso es una experiencia amorosa que se mantiene, agridulce, a medio camino entre el cielo y el infierno.
Dos
Lo anecdótico es, probablemente, lo de menos en una dramaturgia como la de Intimidad, ya se trate de la disputa por irresponsabilidades e incomprensiones mutuas (“¿En vez de emborracharte no crees que sería mejor que buscaras empleo? Sí, los sábados, domingos y fiestas de guardar. Porque no sé si habrás notado que no nos alcanza. En vez de andar pensando genialidades deberías darnos para comer. Porque no sé si has notado que hay que comer todos los días”) o por alardes varoniles de open mind que, a la hora de la hora, cuando viene la confesión pedida de parte de la pareja, no saben aguantar vara y dejan salir al “macho ilustrado” que al parecer todos llevamos dentro (“¡¿Perdiste tu virginidad arriba de un coche?!” “No. Adentro”. “¡¿Cómo es posible?!” “Era un coche muy grande”).
En cambio, lo que realmente importa es la estructura del trabajo, con esa sucesión de rupturas que nos permiten, como espectadores, ir poniendo en perspectiva experiencias bien conocidas, prácticamente universales, y que se transforman en una suma de situaciones muy exigentes porque obligan al público a confrontarse consigo mismo, a revisar sus propias actitudes ante el amor que agoniza.
De todos los cuadros escénicos dedicados a estas rupturas y distanciamientos (muy brechtianos, por cierto), recupero sólo el siguiente, que es uno de los más significativos y en el cual Julio propone el leit motiv de lo que es toda la obra:
“Permítaseme un símil: todos podemos diferenciar entre un color rojo y un color azul; pero hay ciertos tonos de color de los que no sabríamos decir si se trata de un rojo o un azul. Y es precisamente ese tono vacilante y ambiguo el que colorea la existencia de esta pareja indecisa entre el sufrimiento o el placer, entre la dicha o la pena. Álzanse uno frente a la otra como obstáculos, como el aire de la paloma de Kant, que se siente como un freno, pero sin el cual no se puede volar” (la metáfora aparece en la introducción de Crítica de la Razón Pura, Emmanuel Kant, 1781). “Y es aquí donde aparece la flor de las contradicciones: no puedo vivir contigo, no puedo vivir sin ti. La vida de la pareja es un callejón estrecho pero de doble sentido. Las cosas van y vienen. Vamos a ver”.
De manera que, desde esta estructura y desde las premisas que operan a través de ella, Intimidad se convierte, adicionalmente, en un interesante replanteamiento del viejo conflicto decimonónico entre las posiciones encontradas del empirismo y el racionalismo que hasta hoy juegan un papel tan grande en nuestra vida cotidiana.
Por lo demás, una última ruptura, que en gran medida nos convoca a poner a prueba la mecanicidad (algo bergsoniana en su sentido) de las matrices del amor, se convierte en una insólita especie de cuadro musical en el que las parejas bailan y representan, estilizadamente, los ritos del encuentro sexual, mientras la música es acompañada por una voz mecánica, autómata, que exhibe al amor como una mera fisiología de la pasión.
Tres
No es manda, desde luego; sin embargo, para disfrutar plenamente de Intimidad vale mucho la pena acercarse a un libro imprescindible de Hugo Hiriart: Los dientes eran el piano (Tusquets Editores, 1999), que reúne ensayos donde el autor reflexiona sobre el arte y la imaginación. Dos textos de ese libro, en particular, brindan claves decisivas para comprender la manera en que acomete sus procesos creativos este dramaturgo, poeta y escritor. Se trata de La oropéndola de plata y Más sobre las irregularidades.
Hiriart afirma que, generalmente, la imaginación trabaja articulando conjuntos de regularidades y que lo importante, creativamente, es alterar esas regularidades. ¿Qué pasa, por ejemplo, si en vez de proponer una imagen regular, como la de un perro que duerme sobre un tapete, ante la chimenea de una sala, la imagen que se propone es la de un caballo? Hiriart sostiene que mecanismos de este tipo conducen de inmediato al territorio de la fábula.
Y es esto, precisamente, lo que hace Hiriart en Intimidad. Todo el texto le apuesta a bordear ese aspecto de la imaginación: la alteración de las regularidades. De ahí la importancia de las rupturas y de los juegos de transiciones que ponen en tensión la lógica habitual de la simple comedia y desarrollan (estilística y genéricamente) configuraciones inéditas.
Evidentemente, tal propuesta dramatúrgica exige de la dirección un trabajo de problematización particularmente elaborado (aunque su resultado, en la puesta, sea de una muy decantada simplicidad). En este sentido, Hasam Díaz sale adelante con el compromiso: va a lo esencial indispensable, emprende una escenografía ligera, define su espacio como el de un teatro-arena y se respalda con un grupo de actores que asumen y saben responder al desafío, empezando por Lucía Díaz y un Jaime Noguerón que, por cierto, es el único actor que está participando en las audiciones por partida doble (en los elencos de Intimidad y de La verdadera venganza del gato Boris)... aunque también hay que decir que, durante la función sabatina, ante la dirección artística de la Muestra Nacional, la energía no siempre estuvo en su sitio y hubo ciertas premuras en el ritmo.
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Algunos momentos de Intimidad en la función de la agrupación moreliana Pólux Teatro para el jurado de la MNT.
Los actores Alberto García y Lucía Díaz en una de las escenas de Intimidad (Hugo Hiriart, 1984) en versión de Hasam Díaz y la agrupación moreliana Pólux Teatro.Nunca es fácil aceptar al desamor cuando llega a nuestra vida: ese momento en el que agonizan la complicidad, el deseo y el entusiasmo que definen una relación de pareja. El desamor es el tema de Intimidad (Hugo Hiriart, 1984), la cual fue estrenada por el director Hasam Díaz y la agrupación Pólux Teatro a comienzos de este año en Morelia.
Pero si el desamor es el asunto muy particular del que se ocupa esta puesta en escena, su desencanto es caleidoscópicamente multiplicado a través de su paso por dos parejas que se desdoblan en cuatro, potenciado a partir de las situaciones patéticas o ridículas que protagonizan y resignificado por las distanciadas reflexiones que, en determinados momentos, emite cada personaje, insólitamente situado como observador frío e imparcial de la tragedia o el absurdo de los otros.
Intimidad fue la tercera de las seis obras morelianas que el pasado fin de semana audicionaron en Morelia ante dos jurados de la XXXI Muestra Nacional de Teatro, con miras a figurar en el escaparate de diciembre próximo en Guadalajara.
Uno
Acompañada por los lánguidos compases de un piano (música original de Heriberto Díaz), de la oscuridad surge una pareja que atraviesa el escenario, encaramada la una encima del otro, que la lleva a cuestas como entre ciertos insectos cuando cumplen sus ritos de apareamiento. Ese tránsito fugaz preside la primera escena de Intimidad, que nos lleva al espacio más íntimo de nuestros mundos domésticos: la alcoba en la que Martha (Cuauhtli Hernández) y Julio (Jaime Noguerón) despiertan y comienzan su día discutiendo por algo tan nimio como una extraviada aguja de coser.
Sin embargo, lo que parecería anunciarse de esta manera como una probable comedia de enredos, deja de serlo tan pronto como Martha y Julio se congelan en plena escena e ingresa una Pipa (Lucía Díaz) que estudia críticamente a los personajes e invita al público a escudriñar con más cuidado la circunstancia que protagonizan. En efecto, en el subtexto de la situación pulsa un intenso duelo de poder a través de reproches mutuos que son desmenuzados y analizados a detalle por la narradora.
Similares mecanismos de ruptura y distanciamiento serán permanentes a lo largo de la puesta en escena, enriquecidos por un juego de reiteraciones en el que una misma situación se repite en cuatro distintas conjugaciones entre los personajes (primero son las parejas de Martha y Julio y de Pipa y Pedro, luego las de Julio y Pedro y de Martha y Pipa), tan sólo para mostrar que en el desamor, como en ciertas operaciones matemáticas, el orden de los factores no altera el producto, que en este caso es una experiencia amorosa que se mantiene, agridulce, a medio camino entre el cielo y el infierno.
Dos
Lo anecdótico es, probablemente, lo de menos en una dramaturgia como la de Intimidad, ya se trate de la disputa por irresponsabilidades e incomprensiones mutuas (“¿En vez de emborracharte no crees que sería mejor que buscaras empleo? Sí, los sábados, domingos y fiestas de guardar. Porque no sé si habrás notado que no nos alcanza. En vez de andar pensando genialidades deberías darnos para comer. Porque no sé si has notado que hay que comer todos los días”) o por alardes varoniles de open mind que, a la hora de la hora, cuando viene la confesión pedida de parte de la pareja, no saben aguantar vara y dejan salir al “macho ilustrado” que al parecer todos llevamos dentro (“¡¿Perdiste tu virginidad arriba de un coche?!” “No. Adentro”. “¡¿Cómo es posible?!” “Era un coche muy grande”).
En cambio, lo que realmente importa es la estructura del trabajo, con esa sucesión de rupturas que nos permiten, como espectadores, ir poniendo en perspectiva experiencias bien conocidas, prácticamente universales, y que se transforman en una suma de situaciones muy exigentes porque obligan al público a confrontarse consigo mismo, a revisar sus propias actitudes ante el amor que agoniza.
De todos los cuadros escénicos dedicados a estas rupturas y distanciamientos (muy brechtianos, por cierto), recupero sólo el siguiente, que es uno de los más significativos y en el cual Julio propone el leit motiv de lo que es toda la obra:
“Permítaseme un símil: todos podemos diferenciar entre un color rojo y un color azul; pero hay ciertos tonos de color de los que no sabríamos decir si se trata de un rojo o un azul. Y es precisamente ese tono vacilante y ambiguo el que colorea la existencia de esta pareja indecisa entre el sufrimiento o el placer, entre la dicha o la pena. Álzanse uno frente a la otra como obstáculos, como el aire de la paloma de Kant, que se siente como un freno, pero sin el cual no se puede volar” (la metáfora aparece en la introducción de Crítica de la Razón Pura, Emmanuel Kant, 1781). “Y es aquí donde aparece la flor de las contradicciones: no puedo vivir contigo, no puedo vivir sin ti. La vida de la pareja es un callejón estrecho pero de doble sentido. Las cosas van y vienen. Vamos a ver”.
De manera que, desde esta estructura y desde las premisas que operan a través de ella, Intimidad se convierte, adicionalmente, en un interesante replanteamiento del viejo conflicto decimonónico entre las posiciones encontradas del empirismo y el racionalismo que hasta hoy juegan un papel tan grande en nuestra vida cotidiana.
Por lo demás, una última ruptura, que en gran medida nos convoca a poner a prueba la mecanicidad (algo bergsoniana en su sentido) de las matrices del amor, se convierte en una insólita especie de cuadro musical en el que las parejas bailan y representan, estilizadamente, los ritos del encuentro sexual, mientras la música es acompañada por una voz mecánica, autómata, que exhibe al amor como una mera fisiología de la pasión.
Tres
No es manda, desde luego; sin embargo, para disfrutar plenamente de Intimidad vale mucho la pena acercarse a un libro imprescindible de Hugo Hiriart: Los dientes eran el piano (Tusquets Editores, 1999), que reúne ensayos donde el autor reflexiona sobre el arte y la imaginación. Dos textos de ese libro, en particular, brindan claves decisivas para comprender la manera en que acomete sus procesos creativos este dramaturgo, poeta y escritor. Se trata de La oropéndola de plata y Más sobre las irregularidades.
Hiriart afirma que, generalmente, la imaginación trabaja articulando conjuntos de regularidades y que lo importante, creativamente, es alterar esas regularidades. ¿Qué pasa, por ejemplo, si en vez de proponer una imagen regular, como la de un perro que duerme sobre un tapete, ante la chimenea de una sala, la imagen que se propone es la de un caballo? Hiriart sostiene que mecanismos de este tipo conducen de inmediato al territorio de la fábula.
Y es esto, precisamente, lo que hace Hiriart en Intimidad. Todo el texto le apuesta a bordear ese aspecto de la imaginación: la alteración de las regularidades. De ahí la importancia de las rupturas y de los juegos de transiciones que ponen en tensión la lógica habitual de la simple comedia y desarrollan (estilística y genéricamente) configuraciones inéditas.
Evidentemente, tal propuesta dramatúrgica exige de la dirección un trabajo de problematización particularmente elaborado (aunque su resultado, en la puesta, sea de una muy decantada simplicidad). En este sentido, Hasam Díaz sale adelante con el compromiso: va a lo esencial indispensable, emprende una escenografía ligera, define su espacio como el de un teatro-arena y se respalda con un grupo de actores que asumen y saben responder al desafío, empezando por Lucía Díaz y un Jaime Noguerón que, por cierto, es el único actor que está participando en las audiciones por partida doble (en los elencos de Intimidad y de La verdadera venganza del gato Boris)... aunque también hay que decir que, durante la función sabatina, ante la dirección artística de la Muestra Nacional, la energía no siempre estuvo en su sitio y hubo ciertas premuras en el ritmo.
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