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En México se tituló Santo en El tesoro de Drácula, pero para su distribución internacional fue El vampiro y el sexo e incluia desnudos topless que jamás se vieron en tierras mexicas. El documental Perdida se estrena hoy en el FICM y hurga en la historia de estas versiones dobles, a una de las cuales corresponde esta imagen (censurada de origen).

Las indispensables para este día es el documental sobre Bergman; El sentido de la vida, de Gilliam; el documental Perdida; el homenaje a los hermanos Alva; el filme La peluquera, de Doris Dorrie y la cinta tailandesa de Apichatpong Weerasethakul. El programa es como sigue en las salas de Cinépolis Morelia Centro:

Érase una vez la Revolución / Sergio Leone / 157 mins.
Dentro del programa México imaginario, inaugurado en el FICM el año pasado, hoy se proyecta esta auténtica rareza de 1971, firmada por el padre del Spaghetti western y autor de obras maestras entre las que sobresale, significativamente, Érase una vez en América. La anécdota tiene como protagonistas a un dinamitero irlandés y a un bandolero mexicano en tiempos de la Revolución Mexicana.
11:45 / Sala 5

Armadillo / Janus Metz / 70 min.
Armadillo, es el nombre de un campamento militar danés, en la provincia de Helmand, Afganistán, donde se filmó este documental que sigue a Meds y Daniel en su primera misión. La cinta triunfó en la Semana de la Crítica, en Cannes, pero los analistas de cine en el orbe no están de acuerdo acerca de ella. En principio, es un filme que muestra cómo el idealismo se topa con la realidad.
12:00 / Sala 3

Love Aaj Kal / Imtiaz Ali / 123 min.
El tercer largometraje del cineasta indo Imitaz Ali es, de nueva cuenta, una comedia romántica. La reseña oficial describe: “Dos parejas distintas en dos épocas distintas, viven amores en paralelo. En el Londres de 2009, Jai y Meera zon una pareja divertida y poco convencional que no cree en el compromiso y cuando sus carreras los llevan a ciudades distintas, deciden separarse. Mientras, en la Delhi de 1965, Veer Singh se enamora de Harleen, jura casarse con ella y la sigue hasta Calcuta, a donde ella se muda para contraer matrimonio con otro. Habrá que ver.
12:30 / Sala 4

Corto mexicano / Programa 1 / 82 mins.
Siete títulos en competencia:
1. Luna • Raúl Cárdenas, Rafael Cárdenas • 8 min
2. Una habitación vacía • Diana Peñaloza • 14 min
3. La mina de oro • Jacques Bonnavent • 10 min
4. Globo azul • Izabel Acevedo • 20 min
5. Lupano Leyva • Felipe Gómez • 10 min
6. Si maneja de noche procure ir acompañado • Isabel Muñoz • 10 min
7. The Second Bakery Attack • Carlos Cuarón • 10 min
13:00 / Sala 1

Ingmar Bergman: Images from the Playground... But Film is my Mistress / Stig Björkman / 96 min.
Este documental es, sin duda, obligatorio. La embajada de Suecia y la cátedra Ingmar Bergman en cine y teatro de la UNAM ofrecen este documental de Björkman que registra testimonios inéditos de uno de los mayores cineastas del siglo XX y, sobre todo (aunque esta faceta suya es màs desconocida) uno de los mayores hombres del teatro mundial. Simplemente, el cinéfilo que no acuda se merece pasar 40 años en el Horno de Microondas cuando le toque irse pa´l Otro Barrio.
14:00 / Sala 3

Clean / Olivier Assayas / 11 mins.
La joven adicta Emily, recién salida de la cárcel, trata de reconstruir su vida, lo cual implica asumir la muerte de su pareja y recuperar los lazos afectivos con su hijo en este poderoso filme de Assayas. Una de las imprescindibles del célebre cineasta galo.
14:45 / Sala 5

Documental mexicano / Programa 2 / 72 mins
Dos títulos en competencia en este segmento:
1. La región invisible • Bruno Varela • 20 min
2. Una frontera, todas las fronteras • David Pablos • 52 min
15:00 / Sala 1

Perdida / Viviana García Besné / 117 mins.
La nieta del magnate mexicano Guillermo Calderón Steel escudriña la historia de su abuelo y de su familia, pioneros y protagonistas de la historia cinematográfica mexicana que, a lo largo de casi un siglo construyeron cines y estudios y llegaron a ser los mayores distribuidores de cine mexicano en Estados Unidos. Pero lo más atractivo del filme, aparte de recuperar la historia de un emporio familiar que produjo cerca de 200 películas (incluidas las primeras sonoras del país), es que al fin revela a detalle la historia de los primeros desnudos en el cine mexicano, de cómo surgió el cine de Rumberas y, sobre todo, lanza luz a la anécdota de las dobles versiones de filmes de El Santo (que en México se destinaban para consumo infantil y en el extranjero eran reeditadas con escenas de contenido sexual más explícito), entre ellas la antológica El Vampiro y el Sexo.
15:45 / Sala 2

García / José Luis Rugeles / 95 mins.
Dentro del programa de estrenos internacionales, el FICM ofrece hoy esta opera prima del colombiano José Luis Rugeles. La anécdota tiene como punto de partida al García del título: un velador de condición proletaria y casi sexagenario que al fin ha podido cumplir el sueño de su esposa: adquirir una casa propia… aunque ese bien patrimonial tiene poco que ver con el hogar que la mujer esperaba.
16:00 / Sala 4

Fanny para siempre / Daniel Álvarez / 74 min.
La protagonista de este filme es real: Fanny Mikel: actriz, directora, empresaria de teatro y promotora cultural argentino-colombiana, célebre por la manera en que fue capaz de impulsar proyectos creativos inimaginables en un país acorralado por la violencia. El documental es la opera prima del colombiano Daniel Álvarez MIckey… y sí: el apellido no es casualidad.
16:15

El sentido de la vida / Monty Python / 112 mins.
A lo largo de una docena de episodios, los Monty Python reflexionan sobre los sinsentidos de la vida con un humor que va desde lo escatológico (pocos momentos en la historia del cine tan grotescos como el dedicado a Mr. Creosote en el restaurante, hacia el minuto 62 del filme) hasta la parodia al cine musical (la extraordinaria coreografía “Cada esperma es sagrado”, en “El milagro del nacimiento segunda parte: el Tercer Mundo”, que aparece promediando los primeros 10 minutos del metraje). De una a otra cosa, en su papel de actor, Terry Gilliam inventa un personaje extraordinario: el de un judío rasta y con bigotito a la Hitler en el episodio dedicado a la donación de órganos. Por lo demás, el notable corto que precede al filme es una cátedra de animación antes de los efectos digitales. Hay tantos momentos inolvidables en este filme: Eric Idle desternillante como la reprimida esposa del pastor protestante; la escena del tigre; la de la Muerte arribando a la cena; la clase de sexo en un aula de High School; el episodio de los soldados tratando de festejar el cumpleaños de su comandante en plena trinchera… Indispensable
17:00 / Sala 5

El aniversario del fallecimiento de la suegra de Enhart / Hermanos Alva / 60 mins.
Como parte del homenaje a los hermanos Alva se proyecta este filme de 1912. La página de cine mexicano del ITESO en la internet describe: “es una trama simpática inspirada en las comedias del francés Max Linder, actor muy famoso en aquella época y quien serviría de inspiración a la futura estrella de la comicidad cinematográfica llamada Charles Chaplin. Enhart y Alegría formaban una pareja cómica que triunfaba en esos días en el Teatro Lírico. Es de suponerse que los hermanos Alva encontraron en ellos la posibilidad de un rápido triunfo comercial, realizando un producto que compitiera con la abundante exhibición de material extranjero que desde entonces dominaba las pantallas mexicanas. Pero lo más importante de este filme –algo que los hermanos Alva jamás planearon– es su valor como testimonio de la vida cotidiana del México de 1912. La ciudad de México de los días posteriores al cuartelazo de Huerta es retratada con su gente, lugares, costumbres y ritmos. En este filme está presente el México urbano de los días revolucionarios, en medio de una aparente tregua que poca relación guarda con los eventos de la Decena Trágica.
18:15 / Sala 3

Y el río sigue corriendo / Carlos Pérez Rojas / 70 min.
El videoasta mexicano de Mirando hacia adentro, la militarización en Guerrero (2005) y otros notables documentales, ofrece este material que describe la resistencia de comunidades rurales cercanas al puerto de Acapulco contra la creación de loa presa hidroeléctrica La Parota.
18:30 / Sala 2

A tiro de piedra / Sebastian Hiriart / 94 min.
El primer largometraje del cineasta chilango Sebastián Hiriart es una historia de iniciación, una crónica metafórica del paso de la juventud a la madurez. Aburrido de su vida como pastor en el norte de México, Jacinto Medina, de 21 años, encuentra un llavero en el suelo. Lo ve como una señal y emprende un viaje de miles de kilómetros hacia Oregon, EU.
18:45 / Sala 4

Documental mexicano / Programa 1 / 77 mins.
Tres títulos en competencia oficial:
1. Luces • Luis Javier Rodríguez López • 10 min
2. Vagonero • Javier Sánchez Velasco • 13 min
3. 12 onzas • Patricio Serna Salazar • 54 min
19:00 / Sala 1

Los bandidos del tiempo / Terry Gilliam / 116 mins.
El primer filme de la trilogía de Gilliam dedicada a explorar el papel de la imaginación en la vida humana es, también, el primero de sus filmes en los que deja aflorar directamente el enorme cariño que el cineasta siente por la niñez o, mejor dicho, por esos atributos infantiles que no deberían diluirse al paso de los años.
20:00 / Sala 5

La peluquera / Doris Dörrie / 106 min.
La cineasta que despuntó vigorosamente en 1985 con Hombres estrena en México este filme cuyo personaje es una mujer desempleada que decide echar a andar su propio negocio para salir adelante. Una mirada inteligente que explora los bemoles detrás de la filosofía chatarra de la superación personal. Buena premier.
20:15 / sala 3

Corto Mexicano / Programa 3 / 114 min.
Compoten siete títulos:
1. Ponkina • Beatriz Herrera Carrillo • 4 min
2. Chiflando en la loma • Andrés Monterrubio • 14 min
3. Danzón no. 2 • Guillermo Ortiz • 14 min
4. El vacío • Abraham López • 18 min
5. Hacia la vida • Fidel Arizmendi • 16 min
6. En la ciudad (Xoco) • Raúl Antonio Sanabria • 18 min
7. Gaza • Irving Uribe • 30 min
20:30 / Sala 2

Nómadas / Ricardo Benet / 90 min.
El segundo largometraje de Benet (debut en 2005 con Noticias lejanas) se aleja del mundo rural de su primer filme y se inserta en escenarios más urbanos, pero con personajes tan huérfanos de certezas como los de hace tres años. El filme compite en la sección oficial del FICM.
21:00 / Sala 4

El tío Boonme que recuerda sus vidas pasadas / Apichatpong Weerasethakul / 113 min.
Este extrañísimo título (y cómo no, si proviene de Tailandia), se llevó la Palma de Oro en Cannes.. Dice la reseña oficial: Víctima de una insuficiencia renal, el tío Boonme decide pasar sus últimos días rodeado de sus seres queridos en el campo. Para su asombro, el fantasma de su esposa aparece para cuidarlo y su hijo desaparecido regresa bajo una forma peculiar. A partir de entonces, Boonme explora sus varias vidas pasadas y reflexiona sobre las razones de la enfermedad que lo aqueja.
21:15 / Sala 1

Contracorriente / Javier Fuentes-León / 102 min.
La ópera prima de Javier Fuentes-León pone sobre la mesa el tema del amor homosexual en la historia de Miguel y Santiago, uno pescador y otro artista, en un pueblito del norte peruano. Una situación sobrenatural desata el conflicto en el personaje principal (Miguel), quien debe tomar una decisión importante que, por un lado, lo enfrenta con la posibilidad del juicio social y, por el otro, lo compromete para salvar o condenar el espíritu de Santiago.
22:45 / Sala 3

Somos lo que hay

La ambiguedad como estilo

Madre e hija dan cuenta de un cuerpo, apenas ocultas por un tenue velo durante el filme Somos lo que hay, que abrió la competencia oficial de largometraje mexicano en el VIII FICM

Cuando el paterfamilia muere envenenado, los jóvenes hermanos Alejandro, Julián y Sabina, todavía inexpertos y con muchas más dudas que certezas, deben ocuparse de llevar el sustento al hogar. Pero esta situación, que así descrita es universal en la experiencia de cualquier familia que viva semejante trance, aquí se vuelve un poquito más literal: tanto la madre como los tres muchachos (y claro, el difunto padre,) se han venido dedicando a periódicos rituales caníbales que ahora es necesario perpetuar.
En estos términos se resuelve la anécdota de Somos lo que hay, que el sábado abrió la sección oficial de competencia en largometraje mexicano dentro del octavo Festival Internacional de Cine de Morelia.
Sin embargo, si tal es la anécdota, el tema es otro cantar. Más que una película de género (que es lo que uno esperaría de primera intención), el debut de Jorge Michel Grau procura una mirada híbrida que acentúa, grotescamente, disfunciones familiares y sociales contemporáneas.
El resultado es ambiguo. Uno nunca estará seguro de estar viendo Temporada de patos (Eimbcke), con su mirada deliberadamente distante y desdramatizada, pero en versión soft-gore; un homenaje no pedido a La invención de Cronos (Guillermo del Toro) o a El castillo de la pureza (Ripstein), con sus estructuras de representación enfiladas hacia la caricatura, o un melodrama familiar mexicano (el que ustedes gusten) mellado por el reborde.
Tan ambiguas como la película misma, las observaciones del párrafo anterior procuran cuestionar, pero también podrían ser un elogio. A mi modo de ver, el problema con Somos lo que hay es que todos los ingredientes de su estructura son, por el momento, mera latencia. Pulsiones que apuntan en diversas direcciones pero que en más de un caso no concretan lo que ofrecen.
Existe en Somos lo que hay una voluntad explícita de hacer “otra cosa”, de proponer algo más allá de la mera fabulita de terror o de querer calcar estilos como el de Reygadas, por ejemplo. Esta intención es correcta. También está presente el coqueteo con referencias clarísimas (los Dardenne, sin ir más lejos), que son parámetros para las generaciones emergentes de cineastas. Hay que celebrar esa vocación, pero en otros ámbitos, entre ellos el de la conjugación de tonos narrativos y el de la dirección de actores, el filme sufre y pierde eficacia.
De lo primero, me parece que ha sido muy difícil controlar la conjugación precisa entre el humor negro, la caricatura de brocha gorda y las tensiones reales que se generan al seno de la familia (el mismo pie del que cojeaba el proyecto privado regiomontano Las lloronas, de hace algunos años).
De lo segundo, las deficiencias en la dirección de actores contribuye a que el ritmo de la película se caiga apenas promediando los primeros veinte minutos. Y señalo esto (benévolamente), porque durante el comienzo del filme Grau ha ido construyendo con eficacia –lo cito como ejemplo– una tensión muy convincente en torno al personaje de Sabina y sus maniobras para poner a competir a sus dos hermanos desde una posición que le permita a ella asumir el verdadero poder dentro de la reconfiguración del clan familiar. Pero el arco, que hasta ese momento se ha ido desarrollando con enorme veracidad, se cae (de hecho, ni siquiera cumple su ciclo) y se lleva entre las patas todo lo demás.
Sin duda, va a ser cuestión de seguirle los pasos a Michel Grau porque, en germen, hay elementos de interés en su película: el humor tribilinesco con el que retrata a dos los judiciales del filme, síntesis de la ineptitud del aparato político-policial mexicano; la caricatura grotesca de esa madre castradora que, para detener en seco las pulsiones eróticas de sus dos hijos ante el cuerpo de la prostituta sometida sobre la mesa, la mata de tres certeros palazos en la cabeza y asunto arreglado; la espiral de una violencia que convierte a esta familia de outsiders (¿ya todos somos outsiders en el México lindo y querido que nos regaló la transición a la democracia?) en víctimas de una presencia más aterradora: el canibalismo de un estado policial que le apuesta a la estrategia de “muerto el perro, se acabó la rabia”… aunque, como siempre, Sabina sobreviva al tiroteo y a la masacre para convertirse en el huevo de la serpiente.

Terry Gilliam / Entrevista

Despertar a la gente

El cineasta Terry Gilliam durante la conferencia de prensa con medios en el auditorio José Rubén Romero, en Morelia, este domingo al mediodía.

“Yo estoy tratando todo el tiempo de despertar a la gente” afirma el cineasta Terry Gilliam (Minneapolis, Estados Unidos, 1940), cuando le hago la siguiente observación: “Mucha gente piensa que lo tuyo es el cine fantástico, pero yo estoy cada vez más seguro de que lo que realmente haces es cine documental; quiero decir que tu cine siempre está hablando de la realidad; la fantasía sólo sirve para acentuar lo que dices acerca de lo que nos rodea”.
La charla –ni modo–, ha tenido que darse al seno de una conferencia de prensa, con otros ochenta medios reunidos en el auditorio José Rubén Romero de la Universidad Michoacana. No importa. A pesar de la concurrencia, sólo se formularán nueve preguntas, a cada una de las cuales Gilliam da amplias respuestas.
Desde este blog se le han podido formular dos.
A la observación ya citada, Gilliam ha respondido:
“Sí. Siento que mi caso ha sido como con Fellini, a quien admiro. Yo también pensaba que el cine de Fellini era un cine fantástico, pero cuando al fin pude ir a Italia y conocer los lugares donde él filmó, o al mirar con más atención a las personas, descubrí que su cine no era fantástico en absoluto. Más bien, lo que pasó es que Fellini tuvo la atención suficiente para mirar a la gente que nadie veía y describir las situaciones a las que nadie les prestaba atención. Es decir: Fellini no estaba inventando nada, simplemente estaba registrando lo que tenía a la mano. El mundo es como él lo describe en sus películas”.
Una pausa. Agrega: “A mí me parece que eso es precisamente lo que deberían de estar haciendo todos los cineastas: mirar lo que les rodea, encontrar su propio lenguaje y dar su punto de vista personal acerca de qué es el mundo para ellos”.
“Podemos transformar la realidad –añade–; de eso se trata el cine. Por lo menos, mi cine es eso. Vivo, como los demás, en una realidad en la que los medios de comunicación nos dicen: ‘el mundo es esto’, y nos bombardean con imágenes de violencia, de peligros, de descomposición. Y precisamente es allí donde yo digo: ‘no, no es cierto’. Y lo digo por una razón simple: si solamente aceptamos el mundo que nos muestran los medios, nos quedaríamos apenas con la imagen más pobre del mundo. Los medios nos hablan de un mundo de violadores, de corruptos, de injusticias. Desde luego, eso es parte del mundo, pero no es todo el mundo”.
“Ahí es donde entra la obligación de los cineastas, que a mí me parece que es la de pensar el mundo de formas nuevas”.
El autor de 12 monos, Compañía de seguros Permanente Carmesí y Brazil, entre otros largos y cortometrajes, ejemplifica:
“Desde que llegué a México, en las conferencias de prensa nunca falta la pregunta de qué opino yo de la violencia, del narcotráfico y de la corrupción que, me dicen, está destruyendo a la sociedad mexicana. Cuando me preguntan ese tipo de cosas, a mí me dan ganas de preguntarles a mi vez: ‘¿Y a ustedes qué les parece la violencia y la corrupción que hay en Inglaterra?’ Porque, a fin de cuentas, lo que les puede estar sucediendo a ustedes aquí es algo que está ocurriendo en todo el mundo. Quiero decir: no hay que ser fatalistas a priori. Yo, por ejemplo, sin pretender negar los problemas que ustedes tienen, siento en México y en ciudades como Morelia una vibra distinta a lo que me preguntan, muy positiva. El mundo es cruel, sí. Pero también hermoso”.

Una imagen del realizador, el sábado, durantre la develación de la placa del festival de este año en Cinépolis Morelia centro.

Mientras tanto, varias preguntas de los colegas de la prensa nacional se concentrarían en las expectativas de Gilliam de cara a uno de sus proyectos más acariciados y, hasta hoy, no concretados: una versión cinematográfica de Don Quijote de la Mancha, de Cervantes.
El cineasta concedería, como alguien sugirió, que le encantaría filmarla en México (entre otras razones “porque filmarla aquí sería mucho más barato, pero también porque me encanta el espíritu que hay en este país… por ejemplo, me intriga mucho la mentalidad con la que ustedes, los mexicanos, conmemoran el Día de Muertos. Ese es un tema que a los europeos y a los estadunidenses nos causa una sola emoción: horror… o, en todo caso, tristeza”).
Sin embargo, prudentemente evitó formular cualquier compromiso definitivo acerca de las perspectivas del Quijote y prefirió destacar las virtudes de la obra de Cervantes.
“Me parece que es una historia muy poderosa, sobre todo por el par de personajes protagonistas, que son el soñador y el realista, es decir, Don Quijote y su escudero, Sancho. Es una historia que anda rondando los cuatrocientos años y sin embargo es muy moderna, muy actual”.

La primera pregunta que le pude formular giró en torno a sus orígenes y a la herencia de ese comienzo: “Han pasado más de veinte años desde que trabajaste con el colectivo de The Monty Python. A esa distancia ¿qué piensas que fue lo mejor que te dejó esa experiencia?
El cineasta contestó: “La confianza que adquieres cuando aprendes a trabajar en equipo, a confiar en el talento de los demás”.
Agregaría: “Ante todo, los Monty Python significaron para mí la posibilidad de hacer reír a la gente, pero también de hacerla pensar. Y éramos seis, de modo que lo primero que aprendí con ellos fue a compartir el trabajo y, sobre todo, los errores. A mí me parece que los errores son muy positivos si realmente estás dispuesto a aprender de ellos. Y lo digo porque, en aquella época, nos lanzamos como unos auténticos salvajes a hacer cine. No sabíamos nada acerca del cine, pero decidimos hacerlo a nuestro modo. Y fue divertido pero también interesante; bastó con que los nombres de Terry Jones y el mío aparecieran con el crédito de dirección en Los Monty Python y el Santo Grial, para que, de manera casi mágica, todo el mundo asumiera que éramos directores, que sabíamos lo que hacíamos y nos trataran con el respeto correspondiente. Pero la verdad es que no sabíamos nada; aprendimos sobre la marcha. Y hubo miles de errores, pero no me arrepiento de ninguno. Todos fueron buenos”.

Con la directora del festival, Daniela Michel, al término de la conferencia de prensa, el domingo al mediodía.

Con el desenfado más encantador… ese que se desprende del hecho de ser uno mismo, Gilliam también hablaría de las experiencias al filmar varios de sus títulos.
Acerca de Brazil (seguramente su obra maestra), indicó: “Éramos piratas. Yo, por ejemplo, no tenía una carrera qué arriesgar y fue por eso que me atreví a hacer tantas cosas en esa película. Pensándolo bien, en aras de esa libertad, yo les recomiendo a todos que, si van a embarcarse en alguna empresa temeraria, procuren no tener una carrera, porque cuando uno ya la tiene, se lo piensa más antes de arriesgarse. Al estudio, una vez que terminamos la película, no le gustó el resultado. Querían cambiarle varias cosas y yo me negué porque eso habría significado traicionar la historia y traicionar al personaje de Sam Lowry. De todos modos, en una primera escaramuza, los estudios cancelaron el proyecto, lo enlataron”.
“Fue en ese momento –agrega– cuando supe por primera vez lo importantes que pueden llegar a ser los medios de comunicación para dirimir conflictos como estos. Una parte de la prensa y de la crítica conoció los problemas que estaba sufriendo Brazil y emprendieron una campaña… y esa es la mejor manera de volver loco a un corporativo. Así que, al final, Brazil pudo salir tal como la habíamos concebido. Fue una experiencia importante para mí. Aprendí a no tener miedo”.

Más adelante hablaría con enorme cariño de Las aventuras del barón Munchausen. Luego, al ser interrogado en el sentido de cómo ha ido cambiando la perspectiva que tiene de sus películas al paso del tiempo, declararía que tiene por costumbre no ver de nuevo las cintas que ha filmado. “Cada una es como un hijo que crece y se vuelve autosuficiente y uno, como padre, lo único responsable que puede hacer es decirle: ‘pues bueno, hijo, a volar; vete’. Sin embargo, hace poco, en un festival, volví a ver Brazil. Fue una experiencia extraña. Sentí que yo ya no soy el que era cuando la filmé. En muchos sentidos, Brazil fue una catarsis para mí; en esa película exorcicé muchas cosas que traía dentro, mis preocupaciones acerca de la gente del poder que no se hace responsable del poder que tiene. También me ha sorprendido que mucha gente me diga que Brazil le parece, hoy, más vigente que nunca. No sé qué pensar. Yo creo que eso significa, simplemente, que el mundo no ha cambiado; en todo caso, solamente se ha vuelto más transparente”.
Hacia el final de la charla, luego de citar un proyecto de su hija para recopilar entre tapas duras toda su obra como viñetista, dibujante y diseñador, Gilliam hablaría del malestar que le causan los cineasta actuales, particularmente aquellos egresados de escuelas de cine.
“No son cineastas, son enciclopedias de cine que procuran copiar, imitar o robarse las ideas de los cineastas a los que han estudiado. Yo pienso que un director de cine tiene como responsabilidad principal la de decir algo. Y eso es lo que no veo, especialmente entre los que egresan de las escuelas de cine”.
Por otro lado, acerca de las tendencias generales del cine actual, ponderó: “No sé. Creo sinceramente que necesitaríamos salirnos de todo esto, de esta especie de periodo Rococó de la cinematografía, porque la situación me parece algo desesperada: casi todo el cine que vemos es brillante en lo técnico, pero son películas que en el fondo no tienen nada qué decir. No estoy en contra del espectáculo, porque también puede ser una forma de vida honesta, pero limitarse al cine que se está haciendo en la actualidad es como alimentar a la gente con comida para bebés: la gente se acostumbra a eso, pero es difícil afirmar que realmente se esté nutriendo”.

EN VIDEO / Conferencia con terry Gilliam

El personaje de Sam Lowry en Brazil, una de las películas más consecuentes de Gilliam al plantear una distopía futurista. De las ofertas que brinda este día el festival, la retrospectiva dedicada al cine de Gilliam es de las alternativas más significativas.

Foro de los pueblos indígenas / 100 min. Una selección de filmes dedicados a las “primeras naciones”.
12:00 / Sala 3

Viva Zapata! / Elia Kazan / 113 min. Elia Kazan, que fue uno de los mayores autores del cine norteamericano del siglo XX, ofrece en este filme su visión acerca del caudillo revolucionario mexicano. No exenta de aires románticos, la cinta es sin embargo una interesante visión reivindicatoria del pensamiento revolucionario de todos los tiempos. Un clásico.
12:15 / Sala 5

La princesa de Montpensier / Bertrand Tavernier / 139 min. El veterano cineasta galo Tavernier desarrolla una historia de amor imposible entre dos personajes acomodados que viven en la Francia del siglo XVI, justo en lo más álgido de la Contrarreforma y las luchas entre protestantes y católicos. Un drama impecable, que explora la universal e intemporal tensión entre el deber y el deseo.
12:30 / Sala 4

Canal 22 presenta… / 57 min. Tres títulos conforman este programa: Los cinco secretos del oficinista (Alberto Nulman), un documental acerca de los primeros artículos científicos de Albert Einstein, escritos hacia 1905, cuando el futuro revolucionario de la física era apenas un burócrata en una oficina de patentes; Xochimilco, 1914 (Esteban Azuela, Mara Soler, Güicho Núñez y Carlos Gamboa), quienes elaboran una animación sobre la versión taquigráfica del diálogo emprendido por Villa y Zapata en su primer encuentro del 4 de diciembre de 1914, y Toscanito, coleccionista de historias (Gregorio Rocha Valverde), que explora y especula acerca de la obra del cineasta Salvador Toscano.
13:00 / Sala 1

Daniel Schmid-Le chat qui pense / Pascal Hofmann, Benny Jaberg / 83 min. Esta película es un viaje que recorre la vida y obra de uno de los artistas más excepcionales del cine suizo, Daniel Schmid, quien fue uno de los más reconocidos directores de ópera y cine. El autor falleció a los 64 años de edad, en el 2006, víctima de cáncer.
14:20 / Sala 3

Norte / Rune Denstad Langlo / 78 min. Cuando se entera que tiene un hijo de cinco años de edad, el ex esquiador profesional Jomar abandona el retiro que se ha autoimpuesto y parte a conocer a su vástago, durante su viaje al norte de Noruega encuentra a otros personajes, tan solos y confundidos como él, que le ayudan a poner su vida en perspectiva. Este filme, tercer largometraje de Denstad, ha sido muy premiado en festivales desde su estreno en 2009.
14:30 / Sala 2

Documental Mexicano Programa 1 / 77 min La primera sesión de títulos en competencia consta de los siguientes títulos: 1. Luces • Luis Javier Rodríguez López • 10 min 2. Vagonero • Javier Sánchez Velasco • 13 min 3. 12 onzas • Patricio Serna Salazar • 54 min
15:00 / Sala 1

Monty Python y el Santo Grial / Terry Gilliam / 91 mins. Esta obrita maestra es una sátira al mayor mito de la tradición bretona: el de Arturo y sus caballeros de la Mesa Redonda. La conocida anécdota es pasada a navaja por los Monty Python en una serie de anécdotas en las que el rey Arturo y su escudero Patsy (el propio Gilliam) deben lidiar con campesinos con conciencia de clase, caballeros negros que se niegan a ser derrotados aunque les arranquen todos los miembros y franceses gandallas que humillan constantemente a los ingleses. En medio de todo, también aparecen conejitos blancos que resultan despiadados asesinos, “el brujo de la escena 24” y un muy hilarante momento cuando Galahad “El Casto”, en busca del grial, tiene que vérselas a solas con un castillo habitado por solitarias y bellas doncellas. En algún momento incluso veremos al jovencísimo Terry Gilliam sufrir un fulminante infarto sobre su mesa de dibujo, entre muchos otros gags memorables.
16:00 / Sala 5

Copia fiel / Abbas Kiarostami / 106 min. Bajo la audaz premisa de que una copia puede llegar a ser incluso más valiosa que un original, el director Kiarostami filma por primera vez fuera de su país natal y nos comparte el reencuentro entre un escritor (William Shimmel) y una galerista (Juliette Binoche). La anécdota le sirve al cineasta para explorar la frontera entre la realidad y la ficción.
16:10 / Sala 4

Nénette / Nicolas Philibert / 70 min. El documentalista Philibert, quien visitó Morelia por primera vez en 2009, regresa este año al FICM con este filme dedicado a una de las orangutanes más longevas en cautiverio (40 años de edad y alojada en El jardín de las plantas, en París).
16:20 / Sala 3

Corto mexicano Programa 1 / 82 mins. Programa en competencia oficial. Figuran los siguientes siete títulos: 1. Luna • Raúl Cárdenas, Rafael Cárdenas • 8 min 2. Una habitación vacía • Diana Peñaloza • 14 min 3. La mina de oro • Jacques Bonnavent • 10 min 4. Globo azul • Izabel Acevedo • 20 min 5. Lupano Leyva • Felipe Gómez • 10 min 6. Si maneja de noche procure ir acompañado • Isabel Muñoz • 10 min 7. The Second Bakery Attack • Carlos Cuarón • 10 min
17:00 / Sala 1

Coach / Will Frears / 87 min. Cuando el irresponsable Nick se encuentra un trabajo de entrenador y se enamora de una joven médico, su despreocupada y ociosa vida parece comenzar a cambiar en esta comedia romántica de Will Frears que (cosas de la vida) cualquiera puede descargar de la internet en una veintena de sitios. Como sea, para los amantes del género, tiene su chiste verla en pantalla grande. 18:20 / Sala 3

Tierra madre / Dylan Verrechia / 62 min. La mexicana Aideé González y la francesa Dylan Verrechia unen sus talentos por segunda vez (debut en 2007 con Tijuana me hace feliz) para narrar ficcionalmente una historia prácticamente autobiográfica: Aideé encarna a una mujer que lucha por criar a sus hijos al lado de su pareja femenina en la frontera norte. 18:30 / Sala 4

Jabberwocky / Terry Gilliam / 105 mins. Michael Palin interpreta a un humilde tonelero que es forzado a cazar un dragón después de la muerte de su padre. El nombre del filme ha sido tomado del célebre poema sin sentido de Lewis Carroll en su Alicia en el País de las Maravillas. La película, primera de Gilliam como director en solitario, no fue bien recibida por la crítica, pero se convirtió en un filme de culto. Por lo demás, el filme estableció el estilo visual de Gilliam y su humor oscuro. 18:45 / Sala 5

Sección Michoacana / Programa 1 / 104 mins. Los siete filmes en competencia de este programa son: 1. Hablando de jirafas • Francisco Fuentes Lara, Patricia Fuentes Lara • 6 min 2. Hombre idea • César Adolfo Arceo Arévalo • 3 min 3. Hysteresis • Carlos Fabián Vallejo Huerta • 3 min 4. La bella soñante • Omar Hernández Peña • 3 min 5. Light Me Up! • Omar Hernández Peña • 4 min 6. Ni una gota más • Jonathan Israel, Antonio Garcés • 3 min 7. Amaren Ideia La idea de mi madre • Maider Oleaga • 82 min 18:45 / Sala 2

Documental mexicano / Programa 2 / 72 mins Dos títulos integran este segmento en competencia: 1. La región invisible • Bruno Varela • 20 min 2. Una frontera, todas las fronteras • David Pablos • 52 min
19:00 / Sala 1

Armadillo / Janus Metz / 70 mins. Armadillo, es el nombre de un campamento militar danés, en la provincia de Helmand, Afganistán, donde se filmó este documental que sigue a Meds y Daniel en su primera misión. La cinta triunfó en la Semana de la Crítica, en Cannes, pero los analistas de cine en el orbe no están de acuerdo acerca de ella. En principio, es un filme que muestra cómo el idealismo se topa con la realidad.
20:45 / Sala 3

Revolución / Varios autores / 106 mins. Un filme en el que diez directores mexicanos ofrecen su visión personal sobre la idea de revolución, ya sea aludiendo a hechos relacionados más o menos directamente con el alzamiento de 1910 o reflexionando desde diversas perspectivas sobre sus implicaciones en el México actual. Los trabajos más maduros son los realizados por Mariana Chenillo (Tienda de raya), Rodrigo García (Séptima avenida y Alvarado), Lindo y querido (Patricia Rigger), La bienvenida (Fernando Eimbcke) y Este es mi reino (Carlos Reygadas).
21:00 / Sala 1 y Sala 4

Corto mexicano / Programa 2 / 81 mins. Seis títulos en competencia, a saber: 1. Martyris • Luis Felipe Hernández Alanís • 8 min 2. Stella Maris • Marie Benito • 10 min 3. Firmes • Yordi Capó • 10 min 4. Busco empleo • Francisco Valle • 30 min 5. El último canto del pájaro Cú • Alonso Ruizpalacios • 10 min 6. 29 • Carlos Armella • 13 min
21:15 / Sala 2

Brazil / Terry Gilliam / 142 mins. En un futuro sombríamente orwelliano, un accidente estúpido (una mosca muerta que cae sobre un teletipo), ocasiona un error de ortografía que pone en jaque toda la rígida estructura de un Estado fascista que pretende controlar hasta el menor detalle de la vida de los ciudadanos. El incidente también desencadena la tragedia sobre Sam Lowry, un oficinista gris que sobrelleva su asfixiante rutina de burócrata, pero que cuando duerme se sueña a sí mismo como un guerrero alado que salva a su doncella en peligro. Probablemente, este filme de 1983 sea la obra maestra de Terry Gilliam en plan de autor (la libertad absoluta de ser guionista, director y supervisor de los efectos especiales al mismo tiempo). Una distopía que aún tiene mucho qué decirle al mundo actual. Por lo demás, la inventiva visual de Gilliam y la extraordinaria solución de los efectos ópticos, casi todos a base de miniaturas y maquetas, conservan una frescura y una eficacia expresiva que nada le envidian a los efectos digitales del cine de hoy. Indispensable.
21:30 / Sala 5

Un hombre que llora / Mahamat-Saleh Haroun / 92 mins. El personaje del título, Adam, es un sexagenario ex campeón de natación que ahora se gana la vida como instructor en la piscina de un hotel de lujo en Yamena, Chad. El conflicto se desata cuando unos empresarios chinos adquieren el hotel y Adam debe dejar su trabajo. El filme participó en la Semana de la Crítica de Cannes.
22:45 / Sala 3

Sound of noise / Ola Simonsson & Johannes S. Nilsson / 110 mins. El debut en largometraje de los autores de cortos Simonsson y S. Nilsson es un curioso híbrido que conjuga las obsesiones de estos realizadores (el musical, el cine negro y los documentales). Un detective que odia la música, a pesar de provenir de una familia de prominentes músicos, debe resolver un caso en el que un excéntrico grupo de músicos planea interpretar una obra apocalíptica, capaz de desatar el caos. La cinta se exhibió en la Semana de la Crítica, en Cannes, este año. 23:30 / Sala 4

Los cineastas Terry Gilliam y Alejandro González Iñárritu

Develan placa del VIII FICM

Aspectos a la sesión de fotos con el talento de Biutiful y a la develación de la placa del VIII Festival Internacional de Cine de Morelia, a cargo del cineasta británico Terry Gilliam y del director mexicano Alejandro González Iñárritu.

Los cineastas Terry Gilliam (Inglaterra) y Alejandro González Iñárritu (México), develaron al alimón la placa conmemorativa del octavo Festival Internacional de Cine de Morelia, el sábado en la capital michoacana, durante una ceremonia que tuvo como sede el complejo Cinépolis Morelia centro, poco antes de la premier de Biutiful en el teatro José María Morelos.

La develación de la placa puso en perspectiva el luminoso desenfado de Gilliam, que contrastó con la actitud alegre pero más austera y formal del autor de Amores perros.

Un compacto número de aficionados, tanto al cine de Iñárritu como al de Gilliam, se congregaron sobre la calle Santiago Tapia (cerrada al tránsito vehicular) y compartieron el acto durante una tarde calurosa, en la que el sol del ocaso no terminaba de descender sobre el occidente. El detalle significativo vino también de parte de Gilliam, quien antes de ingresar al lobby de los cines, decidió responder a los llamados de periodistas y fans y se acercó a la barda (los corralitos) para estrechar de mano a los asistentes y firmar varios autógrafos.

Poco antes, Iñárritu había compartido con el actor Javier Bardem y otros integrantes del equipo de Biutiful una conferencia de prensa en el auditorio del Centro Cultural Universitario. El video que acompaña a este post da cuenta, tanto de la sesión de fotografías de Biutiful como de la develación de la placa, en la que estuvieron presentes Daniela Michel, directora del FICM, como del presidente del mismo, Alejandro Ramírez y el vicepresiente, Cuauhtémoc Cárdenas Batel.

Revolución: 10 miradas en corto

Una imagen de Tienda de raya, de Mariana Chenillo, uno de los cortos del filme Revolución.

Cuando un político falta a su cita con los vecinos de San Felipe Otlatepec y la banda de música que le iba a dar la bienvenida se dispersa, tras aguardarlo varias horas, el afanoso Armancio, encargado de la tuba, se da el gusto de quedarse tocando a solas bajo el calcinante sol. Después de todo, no va a permitir que un político que falta a su palabra le eche a perder los grandes esfuerzos que ha invertido ensayando con su instrumento durante tantas noches en vela, en su apartado jacalito, lidiando con los maullidos de los gatos y atendiendo a su bebé como padre soltero. De esto se ocupa el muy convincente corto La bienvenida, de Fernando Eimbcke, con el que comienza el filme Revolución (Canana, 2010), que reúne los trabajos de diez cineastas mexicanos.

La película se exhibió este domingo, a las 21:00 horas, en dos salas de Cinépolis Morelia centro.

El padre Nicolás colgado, de Amat Escalante.

Dispareja, como toda película colectiva, Revolución ofrece a cambio de sus desniveles diez miradas honestas y, en ese sentido, directas e inconfundibles. Por ejemplo, Carlos Reygadas (en Este es mi reino), no podía sino ofrecer un testimonio a medio camino entre el documental y la ficción, al registrar el desarrollo de una fiesta en Tepoztlán, en la cual se funden visitantes y lugareños y muestran algunos colores de nuestra identidad nacional actual. A su vez, Rodrigo Plá (30-30), no podía sino irse por el lado de la denuncia panfletaria, mientras que Amat Escalante (El cura Nicolás colgado) resuelve una historia de contrastes y zarpazos irónicos entre un pasado de luchas revolucionarias y un presente sembrado de franquicias trasnacionales.

En términos de problematización argumental y de estudio de personajes, yo definitivamente me quedo con el bellísimo corto Tienda de raya, de Mariana Chenillo, que aparece justo a la mitad de la película. La realizadora de la excelente Cinco días sin Nora (2008) sabe aprovechar, ya con humor, ya con crueldad, todas las vulnerabilidades y fortalezas del personaje de Yolanda en el supermercado del que es empleada.

Por otro lado, desde un asunto de sintaxis visual, la obra notable del filme es Séptima avenida y Alvarado (a la que corresponde la imagen, arriba de estas líneas), de Rodrigo García. El segmento bajo su responsabilidad no tiene un solo diálogo. Todo es discurso de la imagen, acompañado por una cuidadísima edición de audio y de una banda sonora en cressendo que consigue una poderosa epifanía allí donde todo había comenzado como una esquina común y cotidiana del centro de Los Ángeles.

Otros momentos del filme están dominados por un humor ágil y agridulce (Lindo y querido, de Patricia Rigger, que también anoto entre mis cortos favoritos y al que corresponde el fotograma debajo de este párrafo) por su agilidad y su humor; por tempranas dudas metafísicas que imponen drásticos cambios de punto de vista (Lucio, de Gael García Bernal); por tibios e indecisos conformismos (Pacífico, de Diego Luna), y por descarnadas fábulas de alevosía y revanchismo (R-100, de Gerardo Naranjo).

No está mal. Sobre todo por la fidelidad de cada realizador a sí mismo. No hay el menor disimulo, ni en la complacencia ni en el rigor. Un filme colectivo que radiografía el temperamento y el grado de agudeza de una importante camada de cineastas de nuestro momento.

Machete y la pose a lo Cine-B

El malencarado Danny Trejo en el papel de Machete Cortez.

A casi una década desde El mariachi (1992), Robert Rodríguez regresa con la misma fórmula: barrida, trapeada y mejorada (para bien y para mal). Machete, su más reciente filme, nos presenta a un personaje absolutamente caricaturesco y de trazos toscos: Machete Cortez (Danny Trejo), un fornido y malencarado policía federal mexicano que ha perdido a su familia y ha abandonado su corporación debido a las maniobras del narcomafioso Torrez (Steven Seagal).
Luego de salir de México y exiliarse a Texas, donde se mueve en el submundo de los emigrantes ilegales, Machete será víctima de otra trampa que involucra a un senador corrupto (Robert De Niro, más allá del bien y del mal, aceptando cualquier papel). La maniobra desata una vorágine de violencia en la que Machete se luce por su gusto hacia las armas blancas mientras se cobra su venganza –literalmente– a machetazos.
No hay complicación en un cine de fórmula tan acartonado pero tan eficaz como Machete. En todo caso, lo que hay es un muy calculado oportunismo que sabe sacar su tajada de temas tan sensibles como la fuerte discriminación de los conservadores sureños, en los EU, contra los inmigrantes ilegales mexicanos.
En este sentido, Robert Rodríguez construye el cuento de hadas perfecto: el de un movimiento de resistencia secreta entre los indocumentados para hacerle frente a los excesos de los agentes de la Migra y a los cazadores de ilegales.

Robert De Niro como un senador sureño que desprecia a los ilegales, pero que termina entregándose al mejor postor.

He aquí la fantasía perfecta y que no es inocente en absoluto. Lo interesante de la película es que Machete no es un simple objeto de diversión, sino una ensoñación que opera como válvula de escape para desahogar rencores muy vivos en nuestro país hacia las políticas segregacionistas del gobierno norteamericano.
Pero, como toda válvula de escape, la viabilidad de Machete termina ahí. No propone nada, no arriesga nada. Sólo ayuda a alebrestar las fantasías de la raza y a desalojar esas pasiones molestas, para mitigarlas. Una vez cumplida la catarsis, la película queda reducida a su verdadera dimensión: un filme palero, artificiosamente eficaz y tan prescindible como sus personajes: la aguerrida Luz (Michelle Rodriguez); el hermano de Machete, Padre (Cheech Marin); April (Lindsay Lohan), y la agente Sartana (Jessica Alba en plan de atractivo exclusivamente visual).
Machete será un éxito de taquilla (cumple la receta con envidiable calidad), pero no es un cine vivo o que contribuya a pensar en un problema, sino a convertirlo en un tema de opereta. Una película que se enorgullece de ser Cine-B... pero en todo caso, un falspo Cine-B, porque su presupuesto no ha sido en absoluto pequeño. Un ejercicio sin ideas, dirigido como un asunto de rutina, con su ritmo reemplazado por la febrilidad y (hay que insistir) un oportunismo fríamente calculado para ganarse al público desde un tema de gran vigencia.

Reconocimiento a la Fimoteca, proyectan Maclovia

Preinauguración en Pátzcuaro

Durante una jornada preinaugural, el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) abrió las puertas del teatro Emperador Caltzontzin, en Pátzcuaro, este viernes. El recinto creado en 1938 por el general Lázaro Cárdenas del Río también fue el escenario donde el presidente del FICM, Alejandro Ramírez, entregara un reconocimiento a la Filmoteca de la UNAM, que está conmemorando 50 años de labor en la preservación y difusión del patrimonio fílmico del país.
La ceremonia incluyó, a su vez, la proyección del clásico Maclovia (Emilio Indio Fernández, 1948), protagonizada por María Félix y Pedro Armendáriz y cuya anécdota fue filmada en la isla de Janitzio.
Lo singular de la ceremonia fue la fiesta con que concluyó el acto de protocolo. Un espacio para la música de banda tradicional de la zona lacustre, a cargo de la banda de Tzurumútaro y de jóvenes bailarines de la compañía de danza folclórica de Pátzcuaro.
En tanto, el presidente municipal de la comunidad lacustre, Antonio García, fue el primero de cinco oradores: el secretario de Cultura de Michoacán, Jaime Hernández; el presidente del FICM, Alejandro Ramírez y la directora de la Filmoteca, Guadalupe Ferrer, a quienes se sumaron Seatiel Alatriste, de la UNAM y Cuauhtémoc Cárdenas Batel, vicepresidente del FICM y quien se ocupó de recordar la historia del recinto que ha sido reacondicionado para cumplir con mayor eficacia su papel como escenario cultural.

Hoy sábado comienzan las proyecciones del octavo Festival Internacional de Cine en Morelia, con un programa de ocho funciones públicas que tendrán como sede las salas de Cinépolis Morelia centro (Eduardo Ruiz s/n, entre León Guzmán y la cerrada Miguel Bernal Jiménez).
También a partir de hoy ofrezco este espacio de consulta donde diariamente, muy temprano, encontrarán comentarios breves y, en lo posible, tráilers o clips de las películas programadas para cada día, a fin de que tengan un punto de referencia para elegir aquellas que les interesen por tema o por realizador. Por otro lado, por motivos de tiempo y espacio, las recomendaciones se limitarán a la programación en Cinépolis centro.
Los filmes aparecen aquí en orden cronológico: primero el de exhibición más temprana y al final el que corresponda a la última función del día.

COMPLEJO CINEPOLIS MORELIA CENTRO

Una Familia muy normal / Ferzan Ozpetec / 110 mins.

Cuando el joven Tommaso (Riccardo Scamarcio) vuelve al hogar en Salento, tras cursar su universidad en Roma, decide confesarle a su familia –una rica dinastía de fabricantes de pasta– lo que hasta ahora no había querido decir: que es gay. Sin embargo, se le adelanta con otra inesperada confesión su hermano (Alessandro Preziosi), que se convierte en el “objeto del escándalo” y es desheredado en su lugar. Una gran comedia de Ozpetec, que combina magistralmente el drama familiar y la farsa. El FICM abre con una gran carcajada su octava edición

11:00 / Sala 3

El refugio / Francois Ozon / 88 mins.

Filmada durante el embarazo real de la actriz Isabelle Carré, la película narra la anécdota de la joven drogadicta Mousson quien, en proceso de desintoxicación, se descubre encinta de Louis, su adinerado amante que acaba de fallecer y cuya familia no quiere que nazca el niño. Mientras sobrelleva sus terapias, Mousson convive con Paul, el hermano gay de Louis. Un filme minimalista y sencillo, pero desde el cual el director Ozon plantea una extraordinaria riqueza de matices y temas de reflexión. Dulce, pero sin empalagar; distante, pero sin frialdad. Muy buena. El tráiler en video, arriba de estas líneas, es elocuente.

11:30 / Sala 2

Demonlover / Olivier Assayas / 129 mins.

Diane de Monx (Connie Nielsen) trabaja para la multinacional Volf, que acaba de adquirir una empresa japonesa líder en una nueva y adictiva variedad de anime hentai en 3D. Dos firmas, entre ellas Demonlover, se disputan los derechos de transmisión web y Diane se ve envuelta en la lucha entre ambas. Vestido con los ropajes de un eficaz thriller, este filme de Assayas plantea una realidad en la que “todo el mundo mira, pero nadie ve” y en la que la única salida al creciente conflicto es ceder a una ciberrealidad violenta y sobreerotizada que se había anunciado desde el comienzo. Quienes hayan gozado Videodrome (David Cronenberg,1983), encontrarán atractivo este filme que es mucho más inteligente de lo que aparenta. Los interesados pueden leer un buen ensayo de Alejandro Díaz en Miradas.net. Por cierto, el filme se tardó ocho años en llegar a una sala de cine en México y, a estas alturas, ya circula ampliamente por la internet... pero no hay nada como verla en pantalla grande.

11:45 / Sala 5

El pequeño Nicolás / Laurent Tirard / 91 mins.

El pequeño Nicolás es un niño de 10 años de edad que en Francia protagonizó una serie de historietas entre 1956 y 1964, escritas por René Goscinny e ilustradas por Jean-Jacques Sempé. Este filme es un homenaje al personaje, que es tan entrañable en Francia como alguna vez lo fue en México, digamos, Memín Pinguín.

12:00 / Sala 4

Sal y pimienta / Faith Akin / 99 mins.

Desde Contra la pared, Fatihn Akin se ha convertido en uno de los cineastas europeos más elogiados de su generación. Tras varios dramas y documentales de corte “duro”, ahora viene a sorprendernos con esta comedia ligera que ronda a los jóvenes administradores de un restaurante. La cinta ganó el premio especial del jurado en la Mostra de Venecia 2009

13:15 /Sala 3

Bright Star / Jane Campion /119 mins

Campion nos narra la historia de amor entre el poeta romántico John Keats y su vecina de 18 años, Fanny Brawne. El título de la cinta procede de un poema que Keats le escribió a Brawne en la primera página en blanco de su copia de las obras de Shakespeare. Una película visualmente arrobadora y con un libreto resultado de una intensa investigación histórica. Muy buena. El clip que acompaña a estas líneas no es un tráiler de la película, sino un breve corte de menos de dos minutos que muestra la escena en el cuarto de las mariposas: la joven Fanny Brawne (Abbie Cornish) intenta explicarle a su madre que el amor que siente por Keats (Ben Whishaw) es como las incontables mariposas que revolotean en su dormitorio.

13:30 / Sala 2

Whisky con vodka / Andreas Dresen / 108 mins.

Debido a una borrachera Otto Killberg, actor ya en declive, falta un día al rodaje de la película que protagoniza y la productora contrata a un actor suplente, Arno Runge, entre quienes se desata una rivalidad que no se limitan sólo al set de rodaje. Una comedia a ratos ligera y alegre, a ratos inesperadamente melancólica. ¿Su tema?: el cine dentro del cine.

13:45 / Sala 4

Coco e Igor / Jan Kounen / 119 mins

Con Anna Mouglalis como Coco Chanel y Mads Mikkelsen como Igor Stravinsky, este filme recrea la vida y el enlace sentimental entre la diseñadora francesa y el autor ruso. Stravinsky se refugia en la capital parisina huyendo de la revolución en su país, y a pesar de que los franceses desaprueban las creaciones de Stravinsky, a Coco le encantan. Para quien no la haya podido ver en el reciente Tour de Cine Francés, aquí está de nuevo.

14:15 / Sala 5