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Abren las funciones en Morelia este viernes 11

Anuncian Ambulante 2011

Este viernes 11 de marzo comienzan en Morelia las proyecciones correspondientes a la edición 2011 de Ambulante, la gira de documentales que la asociación civil del mismo nombre emprende en colaboración con Canana, Cinépolis y el Festival Internacional de Cine de Morelia. El festival itinerante de documentales está recorriendo esta vez 12 estados de la República Mexicana y más de 140 sedes, con una selección de más de 80 documentales realizados en México y en otras partes del mundo, los cuales se distribuyen en 50 programas y siete secciones.
El programa fue presentado el miércoles durante una conferencia de prensa en el auditorio universitario José Rubén Romero, en la que estuvieron presentes Ricardo Giraldo, director de Ambulante, y Eduardo Thomas, curador de la sección Injerto, que está dedicada a documentales de carácter experimental. Ambos estuvieron acompañados a su vez por Fernando López Alanís, asesor de la SEE en representación de la titular de esa dependencia, Graciela Andrade, y por Alfredo Durán, asesor de la Secretaría de Cultura y representante de Jaime Hernández.
Los asesores de instituciones estatales revelaron que la SEE está apoyando a la presente edición de Ambulante con una suma de 150 mil pesos, mientras que la Secum hace lo propio con recursos económicos por 63 mil pesos para los gastos de operación del programa, aparte de la facilitación de espacios y recursos en especie.

Ambulante se ha convertido en un espacio de exhibición para aquellos descubrimientos documentales actuales, históricos o clásicos que tienen algún tipo de relevancia en nuestro entorno y cuya proyección colabora a cultivar una visión crítica y a generar una conciencia colectiva en torno a cómo percibimos y comprendemos la realidad.
El programa es una ventana que permite ver una selección minuciosa del extenso abanico de la creciente producción de cine documental en México y en el mundo. Cada uno de sus títulos es un viaje literal que usa como materia prima realidades de diversos rincones del planeta. Son filmes que celebran las visiones de aquellos que apuestan por contar sus delirios, preocupaciones, sueños, historias y frustraciones.

Las secciones de este año son:

Dedazo. Una nueva sección que reúne los documentales más aplaudidos, celebrados y votados por la audiencia nacional e internacional.

Pulsos. Una muestra de la producción documental realizada recientemente en México, que impulsa y difunde trabajos con voz y visión propia.

Observatorio. Cine documental contado desde diferentes latitudes que plantea formas alternativas de advertir y plasmar realidades.

Dictator`s cut. Sección dedicada a documentales que abordan distintos aspectos de los derechos humanos y hacen una reflexión encaminada a fortalecer o desafiar nuestra percepción de la razón y de la realidad.

Injerto. Trabajos de corte experimental

Sonidero. Trabajos recientes sobre diversas e innovadoras corrientes musicales, desde propuestas con contenido social y político, hasta conciertos delirantes para miles de ávidos seguidores.

Ambulantito. Nueva sección pensada como un punto de entrada a distintas realidades a través del cine, creando un espacio de encuentro para niños y jóvenes.

Enfoque. Espacio designado a explorar un tema específico, elegido con base en su actualidad y relevancia. En este año la sección se concentra en el tema de los mercados negros, tanto en México como a escala internacional.

Retrospectiva. Dentro del tributo que cada año le rinde Ambulante a cineastas que son un referente en la cultura documental, para este año y por primera vez en México se presenta una retrospectiva de la cineasta vietnamita Trinh T. Minh-ha, quien estará en Morelia junto con otros invitados especiales.

Las siguientes dos imágenes (amplificables haciendo click en ellas) contienen la programación (sedes y horarios) del programa que comienza este viernes en Morelia.

Finalmente, en el video, a continuación, los aspectos más sobresalientes de la conferencia de prensa.

Inmolación

Autoconfesiones

de adolescencia

Las historias de Nora y de Jorge Luis, dos adolescentes que cursan la instrucción secundaria y que por distintos motivos han pasado por una tentativa de suicidio, avanzan mano a mano en la pieza Inmolación (Enrique Olmos de Ita, 2008), que fue estrenada en Morelia el sábado 5 y el domingo 6 de marzo (en un total de cinco funciones durante esos dos días) por el director Rodolfo Guerrero Medina y los actores Ana Karen Rojas, Luisa Fernanda Ortiz y Hasam Díaz, congregados para el proyecto en Producciones Niebla de Recreo.
Hasta donde sé, esta es la segunda versión de Inmolación en México, luego de la experiencia emprendida en mayo de 2010 en el DF, con la versión de Alberto Lomnitz. A la vez, esta es la segunda ocasión que se monta en Morelia un texto de Olmos de Ita, tras la puesta en escena de No Tocar (Pólux Teatro, 2010, que aún no he tenido la oportunidad de ver).

Intensamente solos (con esa nueva y extraña forma de soledad que da a los jóvenes la experiencia de navegar por la internet, en la cual las necesidades y las habilidades de socialización se decantan por un canal muy mediatizado, que impone sus propias reglas y diluye el sentido de lo aurático o, si se prefiere, que le otorga configuraciones inéditas a la experiencia del contacto “real” y “directo”), Nora y Jorge Luis comparten un rasgo fundamental: los dos son víctimas de una violencia socialmente invisibilizada pero completamente demoledora.
Para Jorge Luis el asunto es muy explícito. Obeso, geek aficionado a los animales prehistóricos e intensamente introspectivo, se ha convertido en el puerquito de sus condiscípulos en el salón de clase: es ninguneado por sus compañeros, acosado por la bandita de Gorka y despreciado por las chicas de su generación. Para colmo, también debe lidiar con las muletas emotivas de un hogar desintegrado, ya que sus progenitores están separados y le cuesta mucho aceptar a las parejas de su padre.
A su vez, Nora también sortea los bemoles de una familia desmoronada y, sobre todo, la violencia de descubrirse afectivamente desamparada (porque a fin de cuentas, la indiferencia es otra de las formas que adopta la violencia).
En tales condiciones, Inmolación es, ante todo, una suerte de autoconfesión en la que Jorge Luis y Nora van a compartir con nosotros las razones y los motivos que los han conducido al trance de intentar quitarse la vida.
Para uno va a ser una decisión genuinamente desesperada: la única puerta a la vista para escapar de la angustia que le provocan los constantes abusos y el rechazo. Para la otra va a ser una tímida primera intentona que, poco después, va a abrirle las puertas a una nueva y espeluznante puerta, la del chantaje.

Uno de los rasgos cautivadores de Inmolación es que habla de problemas de adolescentes desde la perspectiva de los propios adolescentes. En la turbulenta transición que conduce de la infancia a la edad madura, la pieza se ocupa de un escenario de violencia que, en cierto sentido, es mucho más crudo y devastador que, por ejemplo, el de las ejecuciones o la de la inseguridad, ya que aquí se trata de una violencia doméstica, cotidiana, que es padecida en lugares aparentemente tan cálidos y protectores como el plantel escolar o el mismísimo seno familiar. Además, las heridas y cicatrices de esta otra violencia dejan huellas más perdurables y profundas a causa de la vulnerabilidad de sus víctimas (niños en el crítico trance de acceder a la juventud) y de la ignorancia (parcialmente deliberada) que priva en México en torno a problemas como el bullying y del cual se ocupa este trabajo.

Otro rasgo de importancia en Inmolación es el protagonismo que tiene la palabra… pero ya no la palabra como vehículo de diálogo, que es lo que usualmente se espera de ella, sino como canal para la anécdota (es decir, la palabra como mini-relato autorreferencial y como fábula o cuento a la vez descriptivo/reflexivo iluminador). Desde este tratamiento, la palabra es la gran protagonista de Inmolación.
En efecto, uno de los rasgos que distingue la estructura de este trabajo es ese papel poderosamente introyectivo que se le ha dado a la narración oral. Casi a cada momento, tanto Nora como Jorge Luis y Ximena acuden a sus recuerdos, ya mediatos o inmediatos, o a proceso verbalizados que son trances de autodescubrimiento en acto, para emprender una descripción de situaciones cuya carga emotiva asociada hace aflorar a su vez los resultados de un proceso de reflexión, de un acto de conciencia a través del cual cada personaje se descubre, se define, adquiere substancia y contribuye, de esta forma, a darle una contundencia inimaginable a lo que original y superficialmente habría parecido un mero apunte o incluso hasta un simple capricho dentro de la continuidad dramática.
Tal como Olmos de Ita aborda el recurso, estas parcelas de “narraturgia” (como se le denomina a este tratamiento) concretan personajes mucho más complejos y creíbles. Casi sobra decir que el ejercicio es todo un reto para los actores, pero Rodolfo Guerrero ha sabido rodearse de algunos de los mejores actores jóvenes de la Morelia actual, entre ellos Hasam Díaz y Luisa Fernanda Ortiz, así como una Ana Karen Rojas que le aporta a su personaje de Nora un defecto de dicción muy característico en el perfil de pubertas como aquella a la que interpreta.

La dirección de Guerrero y los hallazgos de los tres actores para sus personajes son otro elemento a destacar.
Concebida como una experiencia escénica para espacios no convencionales, esta versión de Inmolación está pensada para ser representada en las aulas escolares. No se precisa sino disponer las bancas contra los muros del salón para aprovechar el espacio central, merced a una serie de artilugios que permiten que la música y la luminotecnia sean absolutamente portátiles y eficaces, así como recursos de video que pasan por animaciones de un tiranosaurio en Maya (alguna vez, en mis chapuzones por la web, hace un par de años si bien recuerdo, descubrí esa animación precisa de la que hoy echan mano para este trabajo) y una banda musical que pasa de lo sinfónico programático (Jurassic Park, John Williams, 1995) al rock pop alternativo mexicano (Oso polar, de Hello Seahorse, 2009, con esa extraordinaria tesitura de soprano de Denise Gutiérrez, capaz de expresar interminables matices que van del gozo a la vulnerabilidad más desnuda).

EN VIDEO / Aspectos de Inmolación

El pasado sábado, al término de la segunda función, el director del trabajo, Rodolfo Guerrero, señaló que Inmolación “es un proyecto que nace a partir de una beca de estímulos a la creación y al desarrollo artístico de Michoacán que consiste en dos proyectos”, ambos para adolescentes. Inmolación es el primero. El segundo es Curva peligrosa, que se estrenará poco antes del próximo mes de abril.
“También tenemos información en torno a un tema que se está convirtiendo en un problema de salud pública, el acoso escolar o bullying. Está habiendo altos índices de suicidio. Nuestra labor como artistas es presentar un trabajo, exponerlo, que la gente lo conozca, que sepa de él. La obra no está proponiendo soluciones, sin embargo vamos a tener gente que nos esté ayudando para informar a los jóvenes en qué consiste esto”.
El realizador lamentó que en Morelia no existan todavía programas concretos que hablen del problema del bullying “sin embargo hay información que va a la ciudad de México y se pueden enlazar en la página de Imjuve”.
Pero abajo de estas líneas está el video de esa intervención:

EN VIDEO / Palabras del director

RECURSOS EN LA WEB
A continuación, algunos enlaces de interés en torno al bullying y a algunos estudios sobre el suicidio entre adolescentes y jóvenes en México. El segundo enlace, dedicado al Manual de la SEP para la atención de casos de bullying, es particularmente importante.

Una de cada seis víctimas de bullying se suicida
Nota de El Universal del 1 de marzo pasado, datos correspondientes a la ciudad de México.

Manual escolar para la
atención de casos de Bullying
Este documento fue dado a conocer en 2010 por la Secretaria Educación Pública en la Ciudad de México, está orientado a dar atención al problema del acoso y la violencia entre condiscípulos en las aulas escolares. El material es descargable en formato pdf.

La medición de la conducta suicida en
México: estimaciones y procedimientos
Un estudio de recopilación bibliográfica sobre el tema; lo significativo es que abarca un periodo que va de 1970 a 1998 en México. Da una perspectiva.

Prevalencia de intento
suicida en estudiantes
adolescentes de la ciudad de México: 1997 – 2000
Una investigación que se concentra a detalle en el periodo referido. Destaca que en 1997 la prevalencia del intento suicida en estudiantes adolescentes en la Ciudad de México fue de 8.3%, pero que para el 2000 el porcentaje se incrementó a 9.5%.

Correlatos psicosociales de depresión, ideación
e intento suicida en adolescentes mexicanos
Un estudio emprendido en la ciudad de México en 2003. Participaron 508 varones y 428 mujeres estudiantes en el Centro Histórico de la Ciudad de México, cuya edad promedio fue de 13,7 años.

Intentos de suicidio en adolescentes de educación
Media superior y su relación con la familia
Un estudio emprendido en 2007, en Sonora, por investigadores de la Universidad Veracruzana sobre un universo de jóvenes de entre 15 y 19 años de edad

La Nave / Recuento en un fin de ciclo

Última puesta a la odisea

de Nando, Yiyo y Catalina

El pasado sábado 19 de febrero el proyecto teatral La nave concluyó finalmente un ciclo de vida que se extendió (caso inusitado en el Michoacán escénico contemporáneo) por espacio de cuatro años.
La pieza, escrita por el autor moreliano José Luis Pineda Servín y dirigida por Gunnary Prado con asesoría de Perla Szuchmacher (1946 - 2010), ha sido probablemente la más alta y cumplida apuesta que ha dado el teatro para niños en Michoacán en la primera década del siglo XXI. Al mismo tiempo, el trabajo marca un referente y un desafío (tanto para el propio colectivo involucrado en el proyecto como para futuras experiencias alusivas al teatro para niños en Michoacán).

La historia que narra esta soberbia pieza breve es ya conocida: Un Nando adulto, quien se apresta a su primera misión como astronauta, nos comparte los momentos más importantes de su infancia, aquellos en los que descubrió el poder creador de la imaginación, el valor de la amistad, de la confianza y en los que tuvo también su primer encuentro con la muerte. Se trata de un episodio en el cual, en compañía de su hermana, Katy, y de su mejor amigo, Yiyo, Nando emprende el proyecto de idear una nave capaz de llevarlos al espacio.
En torno al proyecto, los personajes comparten con el público una serie de vivencias propias de los niños que frisan entre los 8 y los 10 años de edad. La reseña elaborada por el propio grupo para el programa de mano incluía una línea muy sugestiva. Decía: “Nando y Yiyo son los mejores amigos y se preparan para el viaje más maravilloso: cruzar el cosmos a la velocidad de la luz y regresar a casa antes de la hora de la cena para que mamá no se enoje”.
Así, concebida como una historia de iniciaciones, La Nave fue una pequeña odisea escénica enfocada a esas experiencias vitales para la formación del carácter del adulto. La hora de la primera mentira, de la primea confesión sincera, de la primera trasgresión a las reglas, de la primera complicidad y de muchas otras “primeras veces”, cuya resolución templará y encauzará el carácter de los protagonistas.

La génesis y desarrollo del proyecto La Nave comenzó en 2006, cuando la Secretaría de Cultura de Michoacán convocó al I Concurso de Dramaturgia Infantil. El primer lugar de ese certamen fue para esta pieza, que a la sazón era la segunda escrita por José Luis Pineda Servín (luego de En la ciudad de la furia y antes de Baños de secundaria).
Para el año siguiente, con apoyos de la Secretaría de Cultura (que estaban previstos como parte del premio), La Nave se montó con un colectivo integrado en su totalidad por egresados de la Escuela Popular de Bellas Artes de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo, todos ellos reunidos en los grupos Santa Herejía Producciones, Espacio Vacío Teatro y Producciones Cinema Teatro.
Como se trataba de una empresa que coadyuvara a fortalecer las herramientas escénicas de los galardonados, se gestionó asimismo la asesoría de una experta en teatro infantil: la dramaturga y directora Perla Szuchmacher.
La primera función de La Nave tuvo lugar el sábado 6 de octubre de 2007 en la colonia Trincheras, en Morelia, bajo la dirección de Gunnary Prado Coronado.
A partir de ahí, la pieza comenzó una serie de presentaciones a las cuales, bajo un modelo de creación, realización e itinerancia, se añadieron actividades para compartir y difundir los conocimientos adquiridos por el colectivo. Fue así, por ejemplo, como los integrantes de La Nave compartieron su experiencia con integrantes del grupo de teatro del Colegio de Bachilleres de Cherán, en la Meseta Puhrépecha.
De modo que La Nave comenzó una gira por municipios y comunidades de Michoacán, para lo cual contó con el respaldo de la Secretaría de Desarrollo Social (SEDESO, hoy SEPSOL).
También en 2007, durante los meses de septiembre y noviembre, la obra hizo temporada en su Alma Mater, la Escuela Popular de Bellas Artes, en Morelia, así como en otros foros, gracias a los programas de difusión cultural de la UMSNH.
Para marzo de 2008, la calidad de la propuesta logró que le abrieran las puertas a La Nave en el Centro Dramático de Michoacán, en la ciudad de Pátzcuaro, donde ofreció otras funciones.
Más tarde, en abril de 2008, el colectivo fue el invitado especial para la conmemoración del XV aniversario del foro La Casona del Teatro, en Morelia; asimismo, a través del PROART (de triste y ambigua memoria), el trabajo se integró a la programación para público infantil del Teatro de las Artes de Zamora. Paralelamente, en convenio con la Secum, durante abril y mayo La Nave emprendió un circuito de funciones en escuelas primarias y secundarias de Morelia. Este recorrido, en Michoacán, la llevaría asimismo a obtener uno de los tres premios de la Muestra Estatal de Teatro en 2008.

Más allá de Michoacán, la pieza representó a nuestro estado en el V Coloquio Internacional de Teatro Alternativo, en Tepic, Nayarit (mayo de 2008) y en el X Festival del Desierto Altiplano Potosino (junio de 2008), así como en el X Festival de Teatro de Nuevo León (agosto de 2008), en el Festival Otras Latitudes (septiembre de 2008), en la Ciudad de México, así como en las jornadas del I Coloquio Internacional de Teatro Alternativo de Nuevo León (octubre, 2008).
Esta trayectoria llevaría al trabajo a ser uno de los seleccionados como representantes de Michoacán en la XXIX Muestra Nacional de Teatro, celebrada en Ciudad Juárez, Chihuahua, en noviembre de 2008, donde, por cierto, fue la única obra dirigida al público infantil en todo el programa de esa edición. Los otros dos grupos representantes de Michoacán fueron Contrapeso y Puerta al Teatro con el proyecto Los locos de Valencia, emprendido al alimón por Roberto Briceño y Rodolfo Guerrero.

Para enero de 2009, en el teatro Melchor Ocampo, en Morelia, los integrantes de La Nave develaron la placa conmemorativa de cien representaciones, pero la pieza ya había trascendido fronteras y alcanzó, de hecho, una proyección internacional. Primero con su participación en el X Festival de Teatro de las Américas y en el VII Congreso de Teatro Universitario Iberoamericano, en la ciudad de Cali, Colombia, al seno de una gira de cuatro meses que se extendió ella misma sobre la marcha y que terminó incluyendo seis países (Colombia, Costa Rica, Venezuela, Bolivia, Argentina y Perú), así como cinco circuitos y festivales en el cono sur, entre ellos el I Festival Internacional de Artes Escénicas “Movimiento Continuo” en Bogotá; el V Encuentro de Teatro Popular Latinoamericano, en Venezuela; el Encuentro Intercultural Iberoamericano de Teatro 2010 de Villa Tunari; el VIII Encuentro de Teatro del Borde y el VIII Festival Internacional de Acciones Escénicas de Lima-Norte.
Fue precisamente en el curso de esta gira por Sudamérica (apoyada por la Secum a través de su programa de co-inversiones) cuando la nave cumplió las 200 representaciones.
La historia llega a su fin con la función de despedida, celebrada el 19 de febrero en el auditorio José Rubén Romero, de la que da cuenta el video, debajo de estas líneas. Un ciclo que concluye para que otros den comienzo y del que queda, ante todo, un proceso de aprendizaje al que será importante darle seguimiento.

EN VIDEO / La Nave, función final

SANTO Y SEÑA

La Nave
Dirección: Gunnary Prado

Elenco:
Erik Gallardo (Nando)
Javier Bravo (Yiyo)
Valentina Freire (Katy)

Dramaturgia, composición musical, diseño escénico e iluminación
José Luis Pineda.

Asesoría escénica
Perla Szuchmacher.

Asistencia de dirección
Selma Sánchez (en 2007)

Producción ejecutiva
Erandini Alvarado.

Realización escénica
Camilo Lachino.

Realización de vestuario
Venus Solorio / Ariadna Pineda

contacto: produccionesespaciovacio@gmail.com

Reporte oficial del US Fish and Wildlife Service

Declaran extinto al puma del Este

Rara vez tenemos la oportunidad de ver el momento preciso en el que se expide el acta de defunción de alguna especie animal. El pasado 2 de marzo (hace apenas dos días), el US Fish and Wildlife Service (USFWS), que es la entidad dedicada a la protección de la fauna y la pesca en Estados Unidos, anunció que el puma del este, una especie en peligro de extinción desde 1973, acaba de desaparecer definitivamente.
Esta variedad de puma (nombre científico: Felis concolor) habitaba 21 estados de la Unión Americana y su supervivencia estaba en riesgo desde hace casi 40 años a causa de los cazadores furtivos y por las dificultades de reproducción en el escabroso hábitat montañoso que le era característico.
Este enlace conduce a la noticia (en idioma inglés) en la página oficial de la USFWS.
Un extracto del informe, en español, dice: “Reconocemos que numerosas personas han visto pumas en diversas montañas del país. Sin embargo, hemos comprobado que estos animales avistados no corresponden a la especie del Puma del Este y no hemos encontrado ningún animal vivo ni ningún rastro de la subespecie”, en voz de Martin Miller, jefe del Servicio de la Región del Nordeste para la Protección Animal en Estados Unidos.
El Puma del Este o puma de montaña alcanzaba a medir 2,40 metros (cola incluida) y un peso de 115 kilos. A diferencia de otros felinos, no vivían en manada, sino en territorios individuales fuertemente delimitados por el olor. Para reproducirse, el macho de esta variedad de puma invadía el territorio de una hembra y la asediaba hasta consumar el apareamiento. Luego, la madre se hacía cargo de los cachorros.
Dependiendo de la altitud donde viviera, estos pumas podían tener hábitos diurnos o nocturnos.
Ahora, otra especie de felino en riesgo de extinción es la pantera de Florida, que vive en las montañas del sureste de Estados Unidos y de la que permanecen vivos entre 120 y 160 ejemplares.

Te he conocido, de Héctor Mendoza

Una historia de muchachos

Tania Orozco en el papel de Ernestina, al comienzo de la pieza.

Con la puesta en escena de la pieza en un acto Te he conocido (Héctor Mendoza, 1980), el colectivo Viajabundo Teatro inauguró sus actividades escénicas de 2011 en el café El Rincón de los Sentidos, en Morelia. La dirección de esta versión a la breve pieza ha sido de Ruth Merchán y Emilio Carrillo.
El trabajo comenzó una temporada el pasado 17 de febrero. Actúan Tania Orozco (Ernestina), Marco Pérez Maldonado (Celedonio) y César Guzmán (Roberto). La iluminación es de Daniel Gutiérrez y la musicalización es colectiva. Firma como productora Hilda Ayala Martínez Reyes.

Escrita por Héctor Mendoza en tono de comedia, a fin de escapar al riesgo del facilismo tremendista, Te he conocido se ocupa de uno de los temas más vigentes en el México actual (aunque haya sido escrita hace treinta años, a comienzos de los años ochenta): el embarazo durante la adolescencia. En este sentido, se trata de un ejercicio que muestra,sin el menor disimulo a un sector definido de la sociedad mexicana que es muy inocente, rezagado e ignorante en temas de sexualidad, de paternidad y de vida de pareja.
En la primerísima imagen de la puesta descubrimos a una Ernestina, encinta de varios meses, quien despierta y se prepara agua para Nescafé en el modestísimo cuarto que le sirve de morada. La circunstancia del personaje no tiene nada de fácil: es demasiado joven y está demasiado sola.
La soledad del personaje no hará sino acentuarse con la llegada de Celedonio, su mejor amigo (quien es muy buena gente y está dispuesto a ayudarla, pero que es demasiado torpe e inexperto como para ser realmente útil), y con el posterior arribo de Roberto, padre de la criatura, quien está en trance de poner “pies en polvorosa” con el argumento de la absoluta incompatibilidad de caracteres entre Tina y él.
Dispuesta ágilmente en unos cuantos cuadros, la pieza ha sido ajustada a las necesidades propias del teatro-bar, ya que forma parte de las presentaciones que Viajabundo Teatro ha organizado en el café que desde 2010 aloja estas actividades escénicas en la capital michoacana.
Hay, en este sentido, un espacio bien aprovechado y una luminotecnia correcta (en especial la lámpara lateral instalada a modo de luz de calle para darle profundidad e intensidad a la escena y al personaje de Tina).
En cambio, la dirección de actores no las tiene todas consigo y la interpretación se resiente mucho por los trazos más o menos gruesos. También hace falta un mejor ensamble entre los personajes.

Entre una y otra cosa, sin embargo, la pieza se disfruta y tiene un fin didáctico encomiable al dirigirse a un perfil de público más abierto de aquel que asiste habitualmente a los foros escénicos convencionales.
Esto último, especialmente en lo que tiene que ver con lo didáctico, es particularmente importante, ya que el hecho es que la educación sexual entre adolescentes, en México, es aún muy insuficiente. De acuerdo a datos del Consejo Nacional de Población (CONAPO), por ejemplo, los poco más de 10 millones de muchachos que actualmente estudian el nivel secundaria no aprenden sino lo mecánicamente esencial acerca de la anatomía y fisiología de la reproducción, pero siguen faltando programas que atiendan las principales dudas e inquietudes de los jóvenes respecto de su sexualidad y la forma de ejercerla sin riesgos.
Al respecto es bueno recordar que la Organización de las Naciones Unidas ha recomendado a México desde el año de 2003 que “examine la situación de la población adolescente con prioridad” y ha exhortado al gobierno federal a adoptar medidas para que se garantice el acceso a servicios de salud sexual y reproductiva y se preste atención a las necesidades de información de los adolescentes, incluso mediante la aplicación de programas y políticas conducentes a incrementar los conocimientos sobre los diferentes medios anticonceptivos y su disponibilidad (1).
Por lo demás, hay buenas razones para procurar evitar el embarazo en jóvenes menores de 17 años; algunas de ellas (todas de orden fisiológico) son que a esa edad el cuerpo femenino no ha completado su desarrollo óseo (los huesos no han alcanzado la “masa mineral máxima”, la cual es indispensable para que la distención de las vértebras y del circuito sacro, durante el embarazo, se cumplan correctamente o sin riesgos), así como por la relativa inmadurez del canal del parto.
Entre las complicaciones más frecuentes en los embarazos de adolescentes están la anemia, las infecciones bacterianas graves, el parto prematuro, el parto obstruido y prolongado, la desproporción céfalo-pélvica entre el producto y la madre, la muerte fetal y la formación de fístulas recto-vaginales. Todo esto ocasiona que la mortalidad relacionada con el embarazo y el parto sea de 2 a 5 veces más alta entre las mujeres menores de 18 años que entre las de 20 a 29 años.

Tania Orozco (Ernestina), Marco Pérez Maldonado (Celedonio) y César Guzmán (Roberto) en una imagen de Te he conocido.

Finalmente, es de celebrar que alguien se acuerde en Morelia del maestro Héctor Mendoza, quien falleció hace justo un año, el 2 de marzo de 2010, a los 78 años de edad. Valgan, en ese sentido, un par de párrafos más.
A Mendoza (1932 - 2010), dramaturgo, director de escena y, sobre todo, gran formador de intérpretes, investigador de la actoralidad y gestor de puestas en escena que colaboraron a modernizar la escena mexicana, el teatro nacional le debe más de lo mensurable en un post como este. El guanajuatense precursor de la vanguardia en México fue cofundador del Centro Universitario de Teatro (CUT), en la UNAM, e impulsor de programas tan emblemáticos como el de Poesía en voz alta (al lado de Paz y Arreola).
En su faceta como pedagogo teatral fue de capital importancia su estancia de un par de años en el célebre Actor’s Studio neoyorquino (el de Strasberg, Kazan y demás monstruos sagrados de la actuación/dirección naturalista a la americana), donde recibió –entre otras– la influencia de Etienne Decroux: el mimo francés cuyas exploraciones de la gestualidad corporal complementan los hallazgos de la biomecánica meyerholdiana y de la noción de lo mítico-sagrado implícita en los muy exigentes ejercicios actorales del polaco Grotowski.

EN VIDEO / Aspectos de Te he conocido

NOTAS
1 Secretaría de Relaciones Exteriores, Compilación de recomendaciones a México de los mecanismos internacionales y los comités de Derechos Humanos de las Naciones Unidas y de la Organización de los Estados Americanos, México, SRE, 2003.

RECURSOS EN LA WEB
Dejo los siguientes enlaces para quien desee explorar un poco más en el tema de la adolescencia y el embarazo en México.

El embarazo de las adolescentes en México
Un ensayo del Dr. Vicente Díaz Sánchez aparecido en Gaceta Médica de México (Vol. 139 Suplemento 1, que data de 2003 pero que tiene total vigencia en sus líneas fundamentales), el cual aparece en la página de la Fundación Mexicana para la Planeación Familiar.

Alto índice de embarazo adolescente
Un artículo de CIMAC aparecido en el diario digital Veracruzanos.info con fecha 27 de febrero de 2011

La exposición Rostros de la Divinidad

Viene a Morelia una víctima

del affaire Florence Cassez

Abre el 10 de marzo en el Centro Cultural Clavijero

La exposición de máscaras funerarias mayas Rostros de la divinidad. Los mosaicos mayas de piedra verde, que habría sido inaugurada la semana pasada en París, Francia, pero que fue cancelada a raíz de la escaramuza diplomática entre México y la nación gala por el caso de Florence Cassez (la ciudadana francesa condenada a 60 años de cárcel por complicidad en secuestro en nuestro país), será inaugurada en Morelia la semana próxima en el Centro Cultural Clavijero (CCC).
La inauguración está prevista para el jueves 10 de marzo a las 19:00 horas y de acuerdo al director del CCC, Vicente Guijosa, se exhibirá casi la totalidad de las piezas presentadas en el Museo Nacional de Antropologóa (MNA), del DF, donde esta muestra se inauguró en 2010.La información se dio a conocer este miércoles 2 de marzo por la Secretaría de Cultura durante una conferencia de prensa vespertina.
Allí, el Secretario de Cultura de Michoacán, Jaime Hernández Díaz, describió en lo general la importancia de la muestra, que presenta por primera vez los ajuares funerarios con que fueron enterrados seis dignatarios mayas hace más de mil años.
La exposición completa está integrada por 147 piezas mayas, entre las que destacan 13 máscaras funerarias de piedra verde y un pectoral zoomorfo de concha, recuperadas en templos prehispánicos de las ciudades de Palenque, Calakmul, Dzibanché y Oxkintok.
En la exposición, que es organizada por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), se recrearon los sepulcros de seis soberanos mayas, que fueron descubiertos entre las décadas de 1980 y 1990. También se podrán apreciar collares, anillos, brazaletes, petos, pectorales y figurillas ceremoniales, tal y como los mayas las colocaron para acompañar a sus gobernantes al enterrarlos.
En la exposición, por lo menos en su versión original, que se alojó en el MNA durante 2010, sobresale la recreación de la tumba de K'inich Janaab’ Pakal, quien dirigió la ciudad de Palenque, en Chiapas, entre 615 y 683 d. C., acompañado de todo su ajuar funerario, y la reproducción digital de su lápida, que permite apreciar a detalle las imágenes iconográficas grabadas en la piedra y su significado.
La curadora de la exposición, es Sofia Martínez del Campo Lanz, quien ya trabaja en Morelia, en el Centro Cultural Clavijero, junto con su equipo, para definir la museografía definitiva que verá el público en la capital michoacana.

EN VIDEO / LA CONFERENCIA DE PRENSA

Interrogado acerca de cómo llega a Morelia esta exposición, que de no ser por el conflicto por el caso Cassez, en estos momentos ya estaría alojada en la Pinacoteca de París, Jaime Hernández dijo: "Nosotros hemos platicado con el embajador Alfonso de María y Campos sobre la importancia de que algunas de estas exposiciones de itinerancia internacional vengan primero con nosotros. Esa fue la gestión, la inquietud de nosotros. Obviamente, el director general del INAH nos ha informado de los compromisos que tienen, de las itinerancias internacionales. En este caso hubo una circunstancia de coyuntura que propicia que se concrete lo que habíamos platicado, que cuando regresaran estas grandes exposiciones, la itinerancia nacional comience por Michoacán. Hoy agradecemos que esas gestiones que hemos hecho a nivel de plática, de peticiones, se concreten por las modificaciones que sufrieron las actividades previstas para esta exposición".

Museos y seguridad: no confundir
la gimnasia con la magnesia": JHD

Mucho más adelante, cuestionado en el sentido de que se han adquirido cuatro cámaras de seguridad nuevas para el Centro Cultural Clavijero, a fin de responder a las necesidades de seguridad de esta exposición por parte de INAH e INBA, mientras que los demás museos estatales dependientes de la Secum siguen sin contar con una infraestructura de seguridad equivalente, el secretario de Cultura pidió "no confundir la gimnasia con la magnesia" y pospuso el tema para otro momento, tal como se puede apreciar, de manera íntegra, en el siguiente video.

EN VIDEO / SEGURIDAD: "GIMNASIA Y MAGNESIA"

Hamlet García, de Miguel Morillo

La esquiva felicidad

– ¿Qué piensas, Hamlet, de la guerra? ¿Ya tomaste partido? ¿Qué haces?
– ¿Qué puedo hacer? ¿Me imaginas hombre de partido?
– No. Tampoco yo lo soy, pero tengo un sitio. ¿Lo tienes tú?
– No, ¿dónde está el sitio de un metafísico?
– En alguna parte estará, Hamlet.
Hamlet a sí mismo, en sueños, en El diario de Hamlet García (1941-1944, pág. 318) / Paulino Masip

Tengo la seguridad de que hoy es un día duro, uno de esos en los que quisieras no haberte levantado.
Monólogo de La Mujer Madura en Hamlet García (2003) / Miguel Morillo

Busca a tu complementario,
que marcha siempre contigo
y suele ser tu contrario.
Nuevas canciones (1924) / Antonio Machado

En primer plano, Giovanny Rafael Paz Camacho durante el monólogo dedicado a la conciencia.

Cinco personajes (cuatro en la dramaturgia original) llegan al escenario y exponen sus vivencias y puntos de vista acerca de experiencias pequeñas, cotidianas. A través de tales anécdotas, todas arropadas por un humor más o menos agridulce, estos personajes comparten con el público cómo padecen y sobrellevan los retos del violento e incierto mundo actual.
Así es como la tragicomedia Hamlet García (Miguel Morillo, 2003), distribuida en cinco breves actos sembrados de pura angustia existencial, acomete su tema, que es el de nuestra permanente búsqueda de una felicidad que siempre resulta esquiva.
Esta puesta en escena fue ofrecida durante el mes de febrero en el auditorio Silvestre Revueltas (Escuela Popular de Bellas Artes, plantel centro histórico de Morelia), en una serie de funciones de fin de semana en las que alumnos pertenecientes al turno 02 del segundo año de la carrera de teatro compartieron con el público su primera evaluación en la materia de Taller de Montaje.
La dirección ha corrido a cargo de Aida Andrade. La asistencia de dirección ha sido de Manuel Frías y han aparecido en escena los alumnos Lizeth Rangel Díaz, Nereida Ortega Villa, Dalia Sánchez González, Eréndira Tahuilan Benítez y Giovanny Rafael Paz Camacho.

Estilísticamente híbrida, Hamlet García es una pieza que congrega lo mismo estructuras de representación propias del monólogo y del sketch, así como contenidos propios de tratamientos tan disímbolos entre sí como la sátira o el Teatro-documento (a la Weiss). La reunión de todo esto en una tragicomedia que es no sólo eficaz, sino profunda, es uno de los grandes aciertos del trabajo, para el cual los alumnos nicolaitas han acudido a una solución esencialmente minimalista que prescinde de casi todo (en escena sólo hay algunas sillas y una naranja, apuntaladas con un discreto pero preciso trabajo de luces) con el fin de concentrar toda la atención en el desempeño actoral, así como en el trazo y el ritmo que han sido modulados por la dirección.

Los cinco actores que han compartido el escenario en la puesta de Hamlet García.

He aquí, pues, a cinco seres humanos indefensos y confundidos, atribulados por sus dudas, vulnerados por una violencia siempre implícita en los demás (¿acaso para reafirmar, sartreanamente, que “el infierno son los otros”?) y con toda su acción volcada mayoritariamente hacia sí mismos a partir de ejercicios de meditación continua.
Reflexivos y quebradizos, sedientos de reafirmación, pero también ansiosos de sentirse protegidos, cada uno de los significantes anecdóticos une la voz de su monólogo al soliloquio de los demás. Todos están aislados… pero sólo porque ninguno cobra conciencia de las voces que discurren a su lado. Quizá si pudieran extender su mirada más allá de sus diminutos mundos podrían empezar a atisbar la cadena de causas y efectos de la que forman parte. Pero no lo hacen. Y como Los amorosos, de Sabines, se van quedando solos, solos, solos.

Debe ser motivo de orgullo el que, para sacar adelante sus compromisos curriculares, los alumnos de la EPBA en el específico de teatro estén acudiendo actualmente a textos tan frescos y tan bien armados como el de Hamlet García (su autor, Morillo, apenas ronda los 30 años de edad y representa uno de los puntales de la generación de dramaturgos europeos a la que pertenece), a fin de usarlos como material de trabajo.
Por completo antiestilística, esta pieza (no deja de ser una pieza, creo, ya que su circunstancia clave nunca abandona lo cotidiano) es un pequeño diamante de intersecciones intertextuales que se conectan bien con la tradición hispánica de la que procede el autor, pero que también sabe hacer un click muy natural a su referencia del Shakespeare isabelino. Todo eso sin perder de vista la mirada contemporánea hacia lo nucléico, lo diminuto, lo íntimo o lo casi “tribal”, propio de los intereses del teatro actual.
La referencia al Hamlet clásico es probablemente la más fácil de desentrañar si concedemos que para el príncipe de Dinamarca son las intrigas y deslealtades de los demás habitantes de Elsinor las que limitan y condenan al fracaso todas sus tentativas por ser feliz (es decir, sus esfuerzos por restituirle al mundo un orden en el cual él sea capaz de alcanzar su propia forma y el destino que originalmente le correspondía).
Y a semejanza del amigo de Horacio, los personajes de esta pieza piensan mucho, lo hacen intensamente… Pero, coptados por el relajamiento crítico que es uno de los grandes males de nuestros días, sus pensamientos son trágicamente cortos, de bajo vuelo. La mujer joven limita su idea de felicidad a la experiencia de un buen güagüis (lo cual no deja de ser suculento, pero es demasiado fugaz). La mujer madura cree que la felicidad es respetar fielmente el guión de los manuales de reafirmación y autoayuda (esas tristes panaceas auto-hipnóticas diseñadas para fabricar esclavos contentos). La conformista anhela invisibilizarse, no luchar y dejarse llevar por la corriente (aunque esa corriente la empuje a un intento de suicidio). El personaje más divertido y doloroso de todos –a partes iguales– es ese conductor bisoño y atento lector de Gandhi que, en un supremo acceso de ira ante las injusticias que ha padecido, dejará salir al cavernícola que lleva dentro (aunque su relajamiento le cueste convertirse en un agente del caos quizá más terrible que los demás, pues en su caso la anarquía explosiva es totalmente consciente, deliberada).
Pero si los personajes, cada uno, es incapaz de comprender el corto vuelo de sus pensamientos, los espectadores sí podemos darnos cuenta de lo que ocurre en escena y a ese objetivo responde la muy inteligente dramaturgia de Morillo. Desde el zarpazo satírico, desde la estocada irónica y desde discretos mecanismos de parateatralidad y de juego con lo absurdo, el trabajo exhibe hasta qué punto cada uno de nosotros suele volverse loco (ya a ratos, ya de manera rutinaria) y nos invita a emprender un proceso introspectivo correcto, más amplio del que jamás lograrán –quizá– los protagonistas de la pieza.

La risa es el gran mecanismo liberador de Hamlet García. Reducidas a una dimensión absurda, las agonías de cada personaje se revisten de una jocosa capa de perspectiva que ayuda a “ver el espectáculo de la vida con las emociones adecuadas” (como le gustaba decir al poeta romántico William Wordsworth cuando alguien le preguntaba para qué servía la poesía).

Mientras, la dirección de Aida Andrade aprovecha bien las posibilidades del escenario y explora sus distintas áreas sin sobrecargar ninguna con los trazos. El ritmo (veloz, en lo general, como corresponde al timming propio de la comedia) está bien organizado. El trabajo de los actores, a nivel de energía, de gestualidad y de voz, es también en general correcto y fresco. Sólo en muy contadas ocasiones se nota el marcaje (lo que es un acierto) y los personajes sí están vivos. Sobresalen el personaje de la Mujer madura, el de la Mujer joven y el del fan de Gandhi.
Es así como, a partir de sus monólogos articulados, los participantes de este ejercicio consiguen compartirnos esas angustias y sinsabores cotidianos que todos conocemos: el desafío de aprender a coexistir con un mundo de “Otros” cada vez más convulso y vertiginoso, más indiferente y más demandante. En la comprensión de ese mundo y del lugar que nos toca ocupar en él (nos sugiere el autor), se encuentra la posibilidad de que la búsqueda de la felicidad, de parte de cada uno, tenga mayores posibilidades de éxito

Quiero añadir un último apunte a sólo una referencia intertextual más en este trabajo, así sea rápidamente. Es para la novela El diario de Hamlet García (Paulino Masip, 1941-1944). En esa extraordinaria y casi desconocida novela, el escritor y guionista de cine leridano exiliado en México sugiere que el ser humano no siempre es dueño de su libre albedrío y que existen hechos ajenos a su persona, como la guerra –en el caso de esta novela se trataba de la Guerra Civil española–, que lo arrastran por la vida sin mayor razón o motivo que la ley del accidente o los manes del Destino.
Algo similar ocurre en la dramaturgia de Morillo, aunque definitivamente sin el tono sombrío, más explícitamente trágico, del texto de Masip. Perduran en todo caso las intenciones y ciertos gestos irónicos y absurdos, así como el duelo entre una ciudad real (la Madrid de fines de los años treinta) y la ciudad interiorizada de la que da testimonio en sus cuitas aquel personaje.
Por lo demás, desde que pude ver el ejercicio de los alumnos de teatro en Bellas Artes, hace un par de semanas, no dejo de hojear la novela de Masip y me digo que, como este Hamlet García, cada uno de los personajes de ese otro Hamlet García quizás se internan hacia un desenlace similar, abierto y, a pesar de tanta desventura, esperanzador: “Tardó mucho tiempo en sanar. Pero no murió –concluye la novela–. Por ahí anda”.
Sí. Por aquí andamos todos.

EN VIDEO

Anuncian estancia del colectivo carioca
Teatro Laberinto, del 11 al 18 de marzo

Strangenos en Morelia

Una imagen del unipersonal que se presentará en Morelia este mes y que ha sido concebido a partir de la recopilación de testimonios de migrantes latinoamericanos.

El grupo Espacio Vacio Teatro, de Morelia, emitió este lunes un comunicado-convocatoria en el que invita a toda la comunidad teatral y cultural, así como a interesados en general, a acudir a las funciones y talleres que realizará en la capital michoacana la compañía teatral carioca “Teatro Laberinto” del 11 al 18 de marzo.
Espacio Vacío detalla en su blog La nave en Latinoamérica que la agrupación Teatro Laberinto, de São Paulo, Brasil, es un colectivo diverso de creativos iberoamericanos integrado en 2007 con el fin de crear un grupo de investigación, puesta en escena y pedagogía teatral.

Strangenos o la vida en tránsito
Desde agosto de 2007 este colectivo ha estado trabajando en un proceso de entrenamiento creativo, fruto del cual surgió su primer espectáculo, titulado Strangenos, que será representado en Morelia.
Strangenos, en palabras de sus autores, “es un monólogo que cuenta la historia de emigrantes en busca de un sueño. Intentando encontrarse en un cotidiano distante de su tierra natal, embarcan en un viaje para dentro de sí mismos en un nuevo cotidiano. Viven un embate constante con problemas de comunicación, interminables trámites, la locura de las grandes ciudades y la soledad en la vejez. Muestra la parte humana y sensible de personas que dejaron su lugar de origen y se confrontaron con una nueva realidad, un mundo nuevo. Desde la exploración de lo sencillo (escenario vacío, vestuario neutro) el actor construye espacios y personajes con su propia poética, que junto con las luces estimulan la imaginación del público, colocándolo también como co-autor y co-actor de la obra”.
Este unipersonal obtuvo el premio de Mejor Interpretación Individual en la 17ª Mostra Nascente, de la Universidade de São Paulo, en 2009. En Abril del 2010, Teatro Laberinto la llevó al IV Festival de Monólogos de Campo Limpo Paulista (Brasil) donde obtuvo dos menciones: Mejor iluminación y Mejor dramaturgia. Aparte, el trabajo mereció el primer lugar del festival como Mejor Espectáculo; el Premio al mejor actor y el Premio a la mejor dirección.
En diciembre del 2010, Strangenos acudió al 5º Festival Iberoamericano de Teatro Cumbre de Las Américas (Mar Del Plata, Argentina), donde ganó el premio de Mejor Unipersonal Dramático Masculino.
En este mismo mes de marzo, Strangenos participará, seleccionado, en el 9º Festival Independiente de Teatro Íntimo Encuentro Internacional 2011, en la ciudad de Mérida, México.
Mientras, el colectivo Teatro Laberinto ha ofrecido diversos talleres en países como Belice, Guatemala, Perú, Brasil, Bolivia Argentina, Uruguay y Bélgica entre otros. También ha brindado asesoría artística gratuita a grupos de teatro aficionado en su país y otras latitudes del hemisferio.

Acerca del taller
Acerca del curso taller, que tendrá como sede el foro Casa Prados Verdes (Paseo del Tabachín, No.523 a, Col. Prados Verdes.), Espacio Vacío adelante que se titula Puntos de Vista Escénicos (Viewpoints), el actor en el espacio. Es impartido por Daniel Alberti. Los objetivos son experimentar la técnica de la improvisación desarrollada por Anne Bogard, que permite emplear un vocabulario que facilita el pensar y actuar sobre los movimientos y gestos. Esta técnica –añaden– es ampliamente usada para entrenar a los artistas, para la creación de un grupo y crear movimientos. A través de la relación entre el tiempo y el espacio se encuentra un lenguaje que habla de lo que sucede en el escenario y amplia la percepción espacial del cuerpo en escena.
El taller se impartirá del 14 al 18 de marzo, de 17:00 a 20:00 horas en Paseo del Tabachín No. 523 a, Col. Prados Verdes, con una cuota de recuperación: $1,500.00 pesos. Informes al correo-e produccionesespaciovacio@gmail.com y a los números 44 31 40 98 17 y 44 31 87 36 71.

Se publicarán el 28 de febrero en el Diario Oficial

Anunciarán las reglas del

Estímulo Fiscal al Teatro

Una escena de Intimidad, de Hugo Hiriart, en dirección de Hassam Díaz. A partir del 1 de marzo los interesados podrán encontrar las reglas generales, lineamientos y requisitos para acceder a la aplicación del estímulo principal en las direcciones electrónicas de la Secretaría de Hacienda, de Conaculta y del INBA.

El próximo 28 de febrero, en el Diario Oficial de la Federación, aparecerán publicadas las reglas de operación del estímulo Efiteatro (Estímulo Fiscal al Teatro, artículo 226 bis), que es un incentivo fiscal para incrementar la producción teatral en México. A partir del 1 de marzo y hasta el último día hábil del mes de mayo, será el período de recepción de solicitudes de la comunidad teatral para acceder a dicho estímulo.
Así lo acaba de dar a conocer el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) a través de la sala de prensa de su página electrónica (el enlace, aquí).

En este su primer año de ejecución, el estímulo fiscal a distribuir entre los aspirantes beneficiados será de 50 millones de pesos; la aportación a cada contribuyente y proyecto de inversión en la producción teatral nacional no será mayor de 2 millones de pesos. En caso de que el monto al estímulo no haya sido asignado en su totalidad en el ejercicio fiscal correspondiente, se abrirá un periodo extraordinario de recepción de solicitudes.
El Estímulo Fiscal al Teatro Efiteatro 226 Bis, como se menciona, otorga un estímulo fiscal a los contribuyentes, consistente en aplicar un crédito fiscal equivalente al monto que, en el ejercicio fiscal de que se trate, aporte a proyectos de inversión en la producción teatral nacional. Será tarea de las compañías o responsables generar nuevas estrategias para involucrar en sus proyectos a los coinversores interesados en obtener este estímulo, que cubran absolutamente los requisitos, y con ello apoyar al teatro nacional.
El comunicado de prensa señala: “Debido al trabajo conjunto de Consuelo Sáizar, presidenta del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, y Teresa Vicencio, directora general del Instituto Nacional de Bellas Artes, además del apoyo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público y los miembros de la comunidad artística, involucrados desde el inicio en estas gestiones, se logró la definición de las Reglas Generales de Efiteatro”.
Detalla: el pasado 17 de febrero, se instaló el Comité Interinstitucional, el cual quedó integrado por Ernesto Francisco Revilla Soriano, representante de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público; Raúl Arenzana Olvera, representante del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y Teresa Vicencio Álvarez, directora general del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA). En esa misma reunión se acordaron las Reglas Generales de Efiteatro.
Los estímulos fiscales serán concedidos a aquellos proyectos con méritos culturales y artísticos que centren su valor en la expresión artística y que enriquezcan el patrimonio cultural del país. Esto dividiéndose en dos tipos de producciones teatrales: proyectos de inversión nacionales, que consideran aquellos donde los gastos de producción se realizan en territorio nacional en más del 80 por ciento y que en conjunto su cuerpo creativo y elenco sea de nacionalidad mexicana en un 70 por ciento.
También se considerarán los proyectos de inversión de coproducciones internacionales que se realicen en territorio nacional, cuyos gastos de producción se realicen en México en más del 60 por ciento y que en conjunto su cuerpo creativo y elenco sea de nacionalidad mexicana en un 60 por ciento.
Los proyectos para los cuales se buscará el estímulo serán recibidos por la Secretaría Técnica del Comité Interinstitucional quien enviará las solicitudes al Instituto Nacional de Bellas Artes, responsable de evaluarlos y dictaminar su viabilidad, conforme a los lineamientos de operación.
La decisión final de los proyectos elegidos para acceder al estímulo, serán marcadas por el Comité Interinstitucional, que se apoyará en la evaluación presentada por el INBA, en un plazo no mayor a los 45 días hábiles después del cierre de recepción, basada en las recomendaciones recibidas por el Consejo de Evaluación, que se conformará por destacados profesionales de teatro.
Así como se ha puesto especial atención en fortalecer las distintas etapas que implica un proyecto teatral, los beneficios de Efiteatro alcanzan a todos los creadores teatrales que participan en su totalidad en la puesta en escena: dramaturgos, directores de escena, diseñadores de vestuario, de escenografía, iluminación, diseño sonoro, escenofonía, creación musical original, movimiento escénico, multimedia, entre otros. Por supuesto, también se habla del principal receptor y fin último de cualquier proceso artístico creativo: el público.
La consolidación de este estímulo se suma a los distintos esfuerzos que realizan el Conaculta y el INBA a través de sus diversos programas y dependencias, cuyo interés es fortalecer los esquemas de producción teatral nacional y beneficiar todas las etapas que se implican: producción, temporada de estreno, ampliación de temporada, temporada de reposición o circulación nacional.

Los antecedentes que
impulsan la iniciativa
El comunicado añade la siguiente información:
La producción del cine mexicano se catapultó con la aprobación de Eficine 226: estímulo fiscal para los contribuyentes que otorga el Artículo 226 de la Ley del Impuesto sobre la Renta y que apoya la producción o postproducción de largometrajes de ficción, animación y/o documental; en menos de cinco años hubo un importante incremento, pues de 10 películas, a partir de la promulgación de este artículo se realizan 53 anuales.
Con estos antecedentes la senadora María Rojo y algunos miembros de comunidad teatral se dieron a la tarea de buscar, en esa misma línea, un estímulo fiscal enfocado a la producción teatral nacional. Después de varias reuniones de trabajo se acordó promover, ante la Cámara de Diputados de la LXI Legislatura, la creación del Artículo 226-Bis.
Estas gestiones dieron frutos cuando con 446 votos a favor, uno en contra y cinco abstenciones se logró aprobar dicho artículo en octubre del 2010. Fue en el Diario Oficial de la Federación del 19 de noviembre de 2010, donde quedó estipulada la adhesión del artículo 226 Bis a la Ley del Impuesto sobre la Renta, la cual entró en vigor el 1 de enero de 2011.
A partir del 1 de marzo los interesados podrán encontrar completamente las Reglas Generales, Lineamientos y Requisitos para acceder a la aplicación del estímulo principal en las direcciones electrónicas de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público (www.shcp.gob.mx); Conaculta, (www.conaculta.gob.mx) y el INBA (www.bellasartes.gob.mx).

Conferencia este viernes 25 en Bellas Artes, DF

Anuncian hoy cláusulas

para aplicar apoyos del

ISR al teatro mexicano

¿Producir más teatro o producir mejor teatro?. He ahi una de las cuestiones clave en torno a las reformas al artículo 226-bis del ISR. En la imagen, un momento de la puesta en escena Hamlet García, de reciente estreno, en la Escuela Popular de Bellas Artes de Morelia.

Pocos lo saben, pero desde el día 1 de enero de este 2011, gracias a la reforma al artículo 226-bis de la Ley del Impuesto sobre la Renta (LISR), todos los teatristas de México pueden beneficiarse, para el desarrollo de un proyecto escénico, de una suma de hasta dos millones de pesos procedentes de inversionistas privados
Fue en noviembre pasado cuando la Cámara de Diputados avaló el dictámen que adicionó diversos artículos de la Ley del Impuesto Sobre la Renta (ISR), entre ellos el 226-bis, con el cual se ofrecen estímulos fiscales a la producción teatral.
Los estímulos, que en cierto sentido son una forma de crédito fiscal a quienes aporten proyectos de inversión en teatro, no deberán exceder los 50 millones de pesos durante este 2011. Mientras, como máximo, cada contribuyente (léase en este caso, inversionista teatral) puede apoyar a un proyecto hasta con un monto máximo de dos millones de pesos.
Por el momento, este estímulo será únicamente para productores independientes y para su entrega se creará un Comité Interinstitucional, el cual estará encargado de revisar los proyectos que se presenten.
El dictamen en cuestión se aprobó hace tres meses, ya casi en la recta final de 2010, con 446 votos a favor, uno en contra y cinco abstenciones.
La propuesta fue presentada por la comunidad teatral, representada en el Congreso por la senadora y actriz María Rojo.

Sesión informativa, hoy viernes
en el Palacio de las Bellas Artes
A través de un mensaje en este enlace de Facebook, la teatrista moreliana Selma Sánchez compartía la tarde de este miércoles 24 de febrero la siguiente información que fue proporcionada, a su vez, por los teatristas Luz Emilia Aguilar Zínser, José Antonio Cordero Chávez, Dobrina Cristeva, Jaime Chabaud Magnus, Mario Espinoza Ricalde, Flavio González Mello, Luis Mario Moncada Gil y Gabriel Pascal:

“Mañana viernes 25 de febrero a las 10 a.m. se llevará a cabo en el Palacio de Bellas Artes la conferencia de prensa para anunciar la PUESTA EN MARCHA del Estímulo Fiscal al Teatro previsto en el artículo 226-bis de la Ley del Impuesto sobre la Renta (EFITEATRO)”.
“Mediante el mecanismo previsto en dicho artículo, los contribuyentes físicos y morales podrán destinar hasta el 10% de su pago de ISR a la producción de una determinada obra teatral. Se dispondrá de hasta 2 millones de pesos por proyecto y hasta 50 millones de pesos anuales en total. La convocatoria para aplicar al EFITEATRO será anunciada en la conferencia de prensa y será abierta en los próximos días”.
“Es importante que el gremio conozca y utilice esta herramienta, pues en buena medida de eso dependerá que el monto máximo sea incrementado por la Cámara de Diputados el próximo año!”.

Reflexiones de Víctor
Ugalde desde IMCINE
A su vez, en el siguiente enlace de la página de IMCINE, el promotor fílmico Víctor Ugalde se congratula por el apoyo a los teatristas y ofrece las siguientes reflexiones:

Con gran alegría nos enteramos de que la iniciativa de reforma al artículo 226 bis de la Ley del Impuesto sobre la Renta (LISR) en apoyo al teatro mexicano, presentada por la senadora María Rojo con el apoyo de la comunidad teatral, fue recientemente aprobada por el pleno del poder legislativo de forma unánime. Un acto generoso y de justicia en el que se olvidaron los intereses partidistas y ganó el apoyo a este arte, que tanto prestigio ha dado a nuestro país. Este incentivo permite acreditar fiscalmente a los contribuyentes del ISR hasta 50 millones de pesos al año y apoyar hasta con 2 millones por producción teatral.
Este beneficio viene a corregir de forma sustantiva la política de recortes presupuestales para la producción de teatro mexicano, impulsada por el gobierno federal en los años recientes, sobre todo en el gasto directo a la creación dramática nacional.
Con el propósito de que funcione de la mejor manera y lo más pronto posible me permito trasmitir 10 tips, para que el estímulo al teatro mexicano sea democrático, incluyente, transparente y efectivamente pueda utilizarse desde el primero de enero del 2011 y no pase por los avatares, boicots y trampas que sufrió el estímulo del cine o el artículo 219, que se refería al apoyo a la ciencia y la tecnología que desapareció en 2009:

Que se incluya en la Comisión de Redacción de las Reglas, de operación a representantes de los diversos miembros e intereses de la comunidad teatral. Ahí deberían establecer la presencia permanente de invitados del teatro mexicano, con voz pero sin voto, al momento de estudiar y aprobar los proyectos. Estos representantes deberán rotar su presencia cada año sin relección posible.

Cincuenta pro ciento de los proyectos deberán ser de escritor nacional y el idioma será el español o cualquiera de las 56 lenguas indígenas del país. La nacionalidad del director será mexicana; en caso de ser extranjero deberá contar con una residencia en México con más de tres años comprobables.

El productor teatral y sus partes relacionadas sólo podrán obtener un apoyo al año. Sólo podrán obtener otro apoyo quienes hayan cumplido en tiempo y forma con el compromiso anterior.

Que en caso de que existan gestores de dinero para captar contribuyentes en apoyo al teatro, no sean partes relacionadas de éstos ni de los productores teatrales; por sus servicios podrán obtener máximo de 2.5 por ciento de los recursos conseguidos.

Que se establezcan tabuladores por cada uno de los oficios y necesidades teatrales.

Que se incluya en el costo de la producción teatral el costo de la promoción y publicidad, mismo que no deberá ser superior a 25 por ciento del costo de la producción teatral.

Que la empresa productora y sus integrantes no sean partes relacionadas de las grandes empresas de la comunicación nacional o extranjera.

El apoyo del 226 bis será de hasta dos millones o 80 por ciento del costo de la producción. En el caso de que se cuente con otros apoyos estatales, la suma de los mismos no podrá rebasar 80 por ciento del presupuesto total.

Al momento de terminar la temporada de estreno se deberá realizar una auditoría de cierre obligatoria.

Buscar indexar de forma automática el monto de los 50 millones de acuerdo con la inflación anual del Banco de México.

Explicar las razones del por qué de cada uno de los temas nos haría extendernos a un artículo interminable. Queda abierta la invitación para una reflexión más profunda entre nuestros gremios.
Dice la cultura popular que nadie aprende en cabeza ajena, pero si la comunidad teatral reflexiona sobre lo comentado, esto les permitiría evitar tropezarse con la misma piedra que obstaculizó, por largos periodos, el uso eficiente de los estímulos impulsados por el poder legislativo en beneficio de la ciencia, el arte y la cultura nacional.