La historia es la siguiente: en 1909, el psicoanalista vienés Sigmund Freud hizo su única visita a los Estados Unidos. Durante su estadía en Nueva York, dedicó una tarde a visitar el parque de diversiones de Coney Island. Esta anécdota le sirvió a la artista neoyorquina Zoe Beloff como punto de partida para la realización de sus Dream Films, una serie de exploraciones lúdicas sobre la relación entre el cine, los sueños y el sexo (o la falta de sexo y sus consiguiente deseos reprimidos), hallazgos fílmicos a partir de películas caseras que fueron filmadas entre las décadas de los veinte y los setenta, del siglo pasado, y a las que la artista neoyorquina decidió agrupar bajo el nombre de una ficticia Sociedad Psicoanalítica Amateur de Coney Island. Así pues, el programa de hoy en la Escuela Popular de Bellas Artes, dentro de la sección Injerto, ofrece una antológica colección de nueve cortometrajes, algunos de ellos en blanco y negro, silentes, otros a colores y con música, todos reveladores de alguna faceta vinculada a la vida de este clásico parque de diversiones que, alguna vez, llegó a hacer la gran atracción en Estados Unidos.
Los filmes de la sesión (que durará en total 75 minutos), son los siguientes.
La grúa diminuta / A. Grass, 1926, 2’41” La mantis religiosa / C. De Forde, 1931, 6’22” El sueño del oso / A. Rosenzweig,1937, 4’17” Persiguiendo a Louis Schnekowitz / M. Lippman, 1945, 3’46” El sueño del león / T. Wiesengrund, 1947, 2’55” El sueño del pollo solitario / B. D’Angelo, 1954, 3’55” El arca abandonada / S. Weiss, 1962, 4 min. Mi sueño de irritación dental / R. Troutman “Bobby Beaujolais, 1964, 5’10” El trineo / E. Kammerer, 1972, 2’5”
La cita es a las 16:00 horas (4 de la tarde) en la galería Silvestre Revueltas de la EPBA, plantel Centro Histórico (Guillermo Prieto esquina con Melchor Ocampo). Gratuito
Eduardo Thomas, entrevista
Los perfiles de Injerto
El curador de la sección videoexperimental Injerto habla acerca de los realizadores participantes este año. Las proyecciones tendrán como sede la Escuela Popular de Bellas Artes plantel centro histórico. El acceso es gratuito.
Por lo demás, aunque el siguente material es asequible con el catálogo electrónico de Ambulante 2011, adjunto a continuación las reflexiones de María Minera en torno a los contenidos de Injerto 2011, cuyos títulos giran en torno al tema de las Constelaciones del lenguaje, es decir, todos los lenguajes que no son parte de nuestra oralidad habitual.
Injerto: escrituras del cine María Minera
Para los primeros cineastas experimentales se hizo muy pronto evidente que, para ser usado como dispositivo artístico, el cine necesitaba empezar por contradecirse a sí mismo. Aquello que al cine documental o narrativo le era tremendamente útil —la veracidad—, aquí representaba un estorbo. La capacidad de registrar con toda fidelidad el entorno debía, pues, ser por lo menos mitigada, si lo que se buscaba era conseguir la autonomía estética propia de otras expresiones artísticas como la novela o la pintura (porque incluso a la novela más realista le falta lo que al cine le sobra: volumen, podríamos decir). Había, por tanto, que encontrar otros modos de transmitir la inmediatez. Fue así que los cineastas se dieron a la tarea de producir toda clase de efectos y mecanismos —vidrios que distorsionaban la imagen, animaciones abstractas, condiciones extremas de luz, uso de textos, etcétera— que sirvieran para poner hasta cierto punto a raya la irrefrenable tendencia del cine por mostrar las cosas tal y como son. No obstante, lo que fi nalmente llevaría al cine experimental —avant-garde, como se le llamaba entonces— más allá del documento y la fi cción convencional, y lo pondría a la vez a salvo de caer en un mero ejercicio artesanal, sería, como demostraron los cineastas rusos, el descubrimiento de las posibilidades inagotables del montaje; un procedimiento que, según lo defi nió Theodor W. Adorno, en lugar de “interferir directamente en las cosas, las acomoda en una constelación que tiende a parecerse a la de la escritura”. Para el fi lósofo, “todo lo que no es estrictamente cinematográfico en una película” —y pone como ejemplo La noche (1961), de Michelangelo Antonioni— es lo que le da el poder de expresar, “como desde lo profundo de los ojos, el vacío del tiempo” (de ese tiempo: conocido, lineal). En otras palabras, el modo subjetivo de la experiencia —aquel que no responde a lo estrictamente cinematográfi co— es el único capaz de otorgar a un filme su carácter artístico. Ahí las imágenes ya no se funden en un fl ujo continuo; por el contrario, buscan contrastarse unas con otras pues sólo la discontinuidad de las imágenes del mundo interior se acerca, nos dice Adorno, al fenómeno de la escritura: que improvisa, que va y viene, que abstrae. Dos cosas, entonces: el cine más que fi lmarse se escribe pero con una escritura propia, interna (“El medio por excelencia está íntimamente relacionado con la belleza de la naturaleza”, señala Adorno). Por ello no puede decirse que exista una sola manera de escribir —de hacer— cine; lo que hay son modos: constelaciones de lenguaje. Con el tiempo, y como es natural, estas constelaciones se hicieron más complejas —a la par de la tecnología— en su intento por llevar el lenguaje cinematográfico cada vez más lejos (hasta las fronteras de otras disciplinas como, digamos, la música y las artes visuales). En la sección Injerto de Ambulante 2011 se han incluido cuatro cortometrajes a cargo de Vicki Bennett, artista multimedia y disc jockey inglesa mejor conocida como People Like Us, en los que es posible ver, por ejemplo, cómo la idea de Sergéi Eisenstein del montaje como colisión o conflicto es conducida a un territorio límite —más parecido a los sueños que al cine— en que los elementos secuenciales no sólo no se perciben uno junto al otro: tampoco, necesariamente, uno encima del otro —según quería el director ruso— sino de todas las maneras posibles. A veces dos o tres elementos confluyen en la pantalla; a veces uno y otro reaparecen por turnos o se desplazan por el espacio, poniendo seriamente en duda la noción misma de secuencia. En Trabajo, descanso y juego (2007), la pantalla, seccionada en tres partes, nos deja ver a un niño que se levanta de la cama; más allá, una puerta; detrás de la puerta, el mar; al lado del mar, un clavadista que al arrojarse al agua desata una explosión que da pie al surgimiento de una máquina de escribir en cuyo papel es posible observar de nuevo el mar, del cual brota de pronto la imagen desdoblada de una secretaria a la que le suena con insistencia el teléfono; junto a ella, un grupo de amas de casa mira la televisión; se escucha un gong; unos niños tocan un xilófono mientras los cuadros de al lado nos muestran a un jugador de golf, unos aviones de juguete, un campo de flores. Como se ve, estamos ante un ensamblaje cinematográfico de gran complejidad cuyo asunto —el papel que juega la tecnología en la elaboración de la idea colectiva de futuro— nos es entregado a manera de mensaje diríase subliminal: en efecto, la idea, como en la teoría de Eisenstein, “surge del choque de las tomas independientes”; sólo que aquí, como si se tratara de un enorme rompecabezas, debemos esperar a que choquen no dos sino todas las piezas para que al final pueda surgir la idea que se fue formando, a lo largo del filme, por debajo del umbral de la conciencia. Tanto en esta cinta como en Descubriendo la música electrónica (1999), El controlador remoto (2003) y Desfile (2009), People Like Us trabaja con “material encontrado”: pietaje de distinta índole (educativo, comercial, industrial) que la artista toma prestado de diversos archivos públicos para generar, a través de collages audiovisuales y muy al estilo cubista, lo que ella misma define como “un acercamiento humorístico y surrealista que busca replantear la naturaleza de los contenidos originales”. También son las sutilezas del montaje las que ocupan al japonés Takashi Ito, aunque su asunto es mucho más abstracto. Lo que da origen a sus filmes no es un conjunto de temas específicos sino una zona de trabajo: la frontera entre la fotografía y el cine, donde el cineasta ubica esas verdaderas “montañas rusas” que son sus exploraciones visuales según la crítica. En efecto: si en los collages de People Like Us es aún posible vislumbrar la presencia de un residuo narrativo, aquí lo que hay es sensación pura; los ojos dejan de ser la puerta del entendimiento para volverse simples receptáculos de los estímulos visuales y sonoros que brotan sin descanso de la pantalla. En Spacy (1981), considerada por muchos su obra maestra, Ito consigue algo muy improbable: mantener al espectador al filo del asiento por la simple manera de aproximarse, casi en la oscuridad, a un espacioso gimnasio vacío. Realizada a lo largo de dos años, la cinta está conformada por setecientas fotografías fijas del gimnasio que el director refotografió cuadro por cuadro, de acuerdo con una estricta regla que marcaba que a todo movimiento rectilíneo debía seguir uno circular: una técnica de animación en cierto sentido elemental —y conocida: los cineastas experimentales japoneses de los años setenta la utilizaban con frecuencia— que en la obra de Ito alcanza, no obstante, un grado de sofisticación y complejidad ciertamente novedoso y perturbador. Algo de ese misterio está presente también en Diario fotográfico 87, cinta de corte autobiográfico en la que el director hace un recorrido por el año 1987 a través de las fotografías que él mismo tomó durante ese periodo: desde la ventana de su casa, en una boda, en la calle, frente a un parque, etcétera. De nuevo, nada más alejado de la crónica o el recuento tradicional que este intrincado ensamblaje de instantáneas que, más que mostrar el día a día de Takashi Ito, parece revelar su vida interior: cómo percibe los sucesos, qué cosas llaman su atención, cómo se relaciona con las personas de su entorno, qué emociones le despiertan. “Mi intención es transformar las escenas cotidianas y meter al espectador en un torbellino de ilusiones sobrenaturales”, dijo Ito alguna vez, y eso es exactamente lo que logra. El “reciclaje” de materiales fílmicos es también el punto de partida de las artistas Zoe Beloff y Lisl Ponger. Cada una, sin embargo, lo lleva a un terreno distinto. A partir de cintas caseras encontradas en mercadillos y tiendas de viejo, Beloff construye una asombrosa fi cción que da vida a una curiosa cofradía de habitantes de Coney Island que, inspirados por la sonada visita de Sigmund Freud al lugar —un hecho real ocurrido en el verano de 1909—, se proponen dar rienda suelta a la exploración del subconsciente; para ello fundan en 1926 la Sociedad Psicoanalítica Amateur de Coney Island, cuya principal actividad consiste en filmar los sueños de cada miembro para después analizarlos colectivamente. Cabe decir que, a partir de esta interesante premisa, Beloff se dio a la tarea nada sencilla de crear el archivo completo de los “sueños” del círculo psicoanalítico cuya vida se extendió —como ella imagina— hasta entrados los años setenta; cada sueño es un cortometraje y una aproximación cinematográfi ca —y desde luego onírica— diferente (el proyecto va del blanco y negro al color, como corresponde al paso del tiempo). El señor Rosenzweig, por ejemplo, sueña que se transforma en un oso, y aunque al principio lo disfruta —“Las damas me colman de atenciones”, dice—, después teme que lo descubran y dejen de quererlo y acariciarlo; el señor Grass tiene un sueño en el que su jefe y todos sus empleados son una tropa de enanos a los que debe ayudar a subir a un barco que está por zarpar; Charmian de Forde se sueña como una enorme mantis religiosa y Beverly D’Angelo como la niña a la que todos dejan plantada en su fiesta. Lo más sorprendente aquí no es tanto la historia como el hecho de que esté tan bien tramada que difícilmente uno podría reconocer el “engaño” sin ser advertido de antemano. Por último, la austriaca Lisl Ponger explora, a través de mediometrajes de corte aparentemente documental, las maneras en que el medio cinematográfico puede contribuir a cambiar ciertos paradigmas de comportamiento colectivo, como puede ser la relación que comúnmente establece el turista occidental con los “pueblos lejanos” que visita. En Déjà vu (1999), Ponger hace uso de las clásicas películas de viajeros para contar —por medio de diversas voces en off— una historia distinta a la que muestran esas cintas llenas de clichés acerca del supuesto exotismo de “los otros”. Así lo explica ella: “Las imágenes son los nuevos souvenirs: ahora es común volver a casa con la maleta llena de fotos en lugar de seda, videos en lugar de especias. Este material es un testimonio inmejorable de una manera de ver y percibir el mundo y sus jerarquías silenciosas.” La idea, sin embargo, no es hacer una sátira de los cineastas aficionados sino resaltar los elementos que estos diarios de viaje revelan en conjunto, incluso a su pesar, en una suerte de puesta en evidencia involuntaria. Paralelamente, Ponger busca sacudir al espectador al cuestionar su certeza más primaria, el lenguaje: las voces que narran lo que en realidad está ocurriendo en esos lugares no están ahí para ser entendidas, o no necesariamente (se hablan once idiomas distintos). La fantasmal Viena Extranjera (2004) se ocupa también de la “otredad” aunque desde otro ángulo; el material al que ahora recurre Ponger le permite retratar la situación pero desde adentro: en Viena, nos dice, “las comunidades de inmigrantes son prácticamente invisibles. Desde luego, se habla de ellas en los medios pero siempre como un ‘problema’ por resolver. En pocas palabras, rara vez estas comunidades hablan por sí mismas. Este proyecto es un intento por darles voz y visibilidad”. Lo que vemos entonces son los fragmentos, cuidadosamente hilvanados, de las decenas de películas caseras que Ponger recolectó para mostrar las diferentes celebraciones de las también decenas de comunidades que habitan los barrios “invisibles” de Viena. De esta autora se proyecta asimismo Fantasmas semióticos (1990).
Viernes 11 / Ambulante 2011 en Morelia
Ximena Cuevas, hoy en Injerto
De Ximena Cuevas, una imagen de Corazón Sangrante.
Hoy viernes comienzan las funciones de Ambulante 2011 en Morelia y desde este blog voy a concentrarme exclusivamente en los 27 títulos que se van a exhibir a partir de esta tarde en la Escuela Popular de Bellas Artes (EPBA) y que están reunidos dentro de la sección Injerto, dedicada a trabajos fílmicos y videográficos de corte experimental. Mi decisión se basa en lo siguiente: el videoarte es en estos momentos uno de los terrenos más fértiles no solamente para explorar temas, sino estructuras y tratamientos novedosos. Allí donde el cine y el video convencionales no hacen sino repasar fórmulas más o menos manidas, los videoexperimentalistas ofrecen una vitalidad que parece vedada a otros territorios. Por lo demás, las funciones de Injerto, dedicadas al público estudiantil de la EPBA, también proponen, por esa sola condición, una atmósfera y unos escenarios más estimulantes. Por cierto, el catálogo con el programa completo de Ambulante 2011 (horarios, títulos, biografías y filmografías de los realizadores, stills y sinopsis de los documentales) puede ser descargado de manera totalmente gratuita desde este enlace.
Ximena Cuevas (DF, 1963), con la que abre el programa Injerto esta tarde en la EPBA, es una de las videoartistas más importantes del país, con una serie de títulos que exploran con una gran inventiva visual las representaciones de la realidad, la identidad nacional, y asuntos de género. La autora, que comenzó su contacto con el cine y el video a la edad de 16 años, trabajando en el área de restauración de películas en la Cineteca Nacional, ha tenido entre otras la oportunidad de colaborar en el departamento de arte de la película Missing (Desaparecido), del cineasta militante griego Costa Gavras. Ximena Cuevas estudió cine en la New York University a principios de la década de 1980. Al regresar a México comenzó a trabajar en largometrajes en el área de arte y producción hasta los años 90. Desde entonces se ha dedicado exclusivamente al video. Sus trabajos se ha exhibido internacionalmente en festivales y foros como Sundance, el New York Film Festival, Mediópolis Berlín, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y los museos Guggenheim en Nueva York y Bilbao, entre otros. Sus trabajos en video más significativos incluyen los títulos Éxito (2002), La tómbola (2001), Contemporary Artist (1999), El diablo en la piel (1998), Cuerpos de papel (1997), Medias mentiras (1995), Corazón sangrante (1993) y Las tres muertes de Lupe (1984). De Ximena cuevas hoy se proyectan los siguientes títulos, reunidos en un programa de 75 minutos de duración: Medias mentiras; Cinépolis, la capital del cine; Help; Tómbola, y Raffle. La cita es a las 19:00 horas en la Escuela Popular de Bellas Artes, plantel centro histórico.
Abren las funciones en Morelia este viernes 11
Anuncian Ambulante 2011
Este viernes 11 de marzo comienzan en Morelia las proyecciones correspondientes a la edición 2011 de Ambulante, la gira de documentales que la asociación civil del mismo nombre emprende en colaboración con Canana, Cinépolis y el Festival Internacional de Cine de Morelia. El festival itinerante de documentales está recorriendo esta vez 12 estados de la República Mexicana y más de 140 sedes, con una selección de más de 80 documentales realizados en México y en otras partes del mundo, los cuales se distribuyen en 50 programas y siete secciones. El programa fue presentado el miércoles durante una conferencia de prensa en el auditorio universitario José Rubén Romero, en la que estuvieron presentes Ricardo Giraldo, director de Ambulante, y Eduardo Thomas, curador de la sección Injerto, que está dedicada a documentales de carácter experimental. Ambos estuvieron acompañados a su vez por Fernando López Alanís, asesor de la SEE en representación de la titular de esa dependencia, Graciela Andrade, y por Alfredo Durán, asesor de la Secretaría de Cultura y representante de Jaime Hernández. Los asesores de instituciones estatales revelaron que la SEE está apoyando a la presente edición de Ambulante con una suma de 150 mil pesos, mientras que la Secum hace lo propio con recursos económicos por 63 mil pesos para los gastos de operación del programa, aparte de la facilitación de espacios y recursos en especie.
Ambulante se ha convertido en un espacio de exhibición para aquellos descubrimientos documentales actuales, históricos o clásicos que tienen algún tipo de relevancia en nuestro entorno y cuya proyección colabora a cultivar una visión crítica y a generar una conciencia colectiva en torno a cómo percibimos y comprendemos la realidad. El programa es una ventana que permite ver una selección minuciosa del extenso abanico de la creciente producción de cine documental en México y en el mundo. Cada uno de sus títulos es un viaje literal que usa como materia prima realidades de diversos rincones del planeta. Son filmes que celebran las visiones de aquellos que apuestan por contar sus delirios, preocupaciones, sueños, historias y frustraciones.
Las secciones de este año son:
Dedazo. Una nueva sección que reúne los documentales más aplaudidos, celebrados y votados por la audiencia nacional e internacional.
Pulsos. Una muestra de la producción documental realizada recientemente en México, que impulsa y difunde trabajos con voz y visión propia.
Observatorio. Cine documental contado desde diferentes latitudes que plantea formas alternativas de advertir y plasmar realidades.
Dictator`s cut. Sección dedicada a documentales que abordan distintos aspectos de los derechos humanos y hacen una reflexión encaminada a fortalecer o desafiar nuestra percepción de la razón y de la realidad.
Injerto. Trabajos de corte experimental
Sonidero. Trabajos recientes sobre diversas e innovadoras corrientes musicales, desde propuestas con contenido social y político, hasta conciertos delirantes para miles de ávidos seguidores.
Ambulantito. Nueva sección pensada como un punto de entrada a distintas realidades a través del cine, creando un espacio de encuentro para niños y jóvenes.
Enfoque. Espacio designado a explorar un tema específico, elegido con base en su actualidad y relevancia. En este año la sección se concentra en el tema de los mercados negros, tanto en México como a escala internacional.
Retrospectiva. Dentro del tributo que cada año le rinde Ambulante a cineastas que son un referente en la cultura documental, para este año y por primera vez en México se presenta una retrospectiva de la cineasta vietnamita Trinh T. Minh-ha, quien estará en Morelia junto con otros invitados especiales.
Las siguientes dos imágenes (amplificables haciendo click en ellas) contienen la programación (sedes y horarios) del programa que comienza este viernes en Morelia.
Finalmente, en el video, a continuación, los aspectos más sobresalientes de la conferencia de prensa.
Inmolación
Autoconfesiones
de adolescencia
Las historias de Nora y de Jorge Luis, dos adolescentes que cursan la instrucción secundaria y que por distintos motivos han pasado por una tentativa de suicidio, avanzan mano a mano en la pieza Inmolación (Enrique Olmos de Ita, 2008), que fue estrenada en Morelia el sábado 5 y el domingo 6 de marzo (en un total de cinco funciones durante esos dos días) por el director Rodolfo Guerrero Medina y los actores Ana Karen Rojas, Luisa Fernanda Ortiz y Hasam Díaz, congregados para el proyecto en Producciones Niebla de Recreo. Hasta donde sé, esta es la segunda versión de Inmolación en México, luego de la experiencia emprendida en mayo de 2010 en el DF, con la versión de Alberto Lomnitz. A la vez, esta es la segunda ocasión que se monta en Morelia un texto de Olmos de Ita, tras la puesta en escena de No Tocar (Pólux Teatro, 2010, que aún no he tenido la oportunidad de ver).
Intensamente solos (con esa nueva y extraña forma de soledad que da a los jóvenes la experiencia de navegar por la internet, en la cual las necesidades y las habilidades de socialización se decantan por un canal muy mediatizado, que impone sus propias reglas y diluye el sentido de lo aurático o, si se prefiere, que le otorga configuraciones inéditas a la experiencia del contacto “real” y “directo”), Nora y Jorge Luis comparten un rasgo fundamental: los dos son víctimas de una violencia socialmente invisibilizada pero completamente demoledora. Para Jorge Luis el asunto es muy explícito. Obeso, geek aficionado a los animales prehistóricos e intensamente introspectivo, se ha convertido en el puerquito de sus condiscípulos en el salón de clase: es ninguneado por sus compañeros, acosado por la bandita de Gorka y despreciado por las chicas de su generación. Para colmo, también debe lidiar con las muletas emotivas de un hogar desintegrado, ya que sus progenitores están separados y le cuesta mucho aceptar a las parejas de su padre. A su vez, Nora también sortea los bemoles de una familia desmoronada y, sobre todo, la violencia de descubrirse afectivamente desamparada (porque a fin de cuentas, la indiferencia es otra de las formas que adopta la violencia). En tales condiciones, Inmolación es, ante todo, una suerte de autoconfesión en la que Jorge Luis y Nora van a compartir con nosotros las razones y los motivos que los han conducido al trance de intentar quitarse la vida. Para uno va a ser una decisión genuinamente desesperada: la única puerta a la vista para escapar de la angustia que le provocan los constantes abusos y el rechazo. Para la otra va a ser una tímida primera intentona que, poco después, va a abrirle las puertas a una nueva y espeluznante puerta, la del chantaje.
Uno de los rasgos cautivadores de Inmolación es que habla de problemas de adolescentes desde la perspectiva de los propios adolescentes. En la turbulenta transición que conduce de la infancia a la edad madura, la pieza se ocupa de un escenario de violencia que, en cierto sentido, es mucho más crudo y devastador que, por ejemplo, el de las ejecuciones o la de la inseguridad, ya que aquí se trata de una violencia doméstica, cotidiana, que es padecida en lugares aparentemente tan cálidos y protectores como el plantel escolar o el mismísimo seno familiar. Además, las heridas y cicatrices de esta otra violencia dejan huellas más perdurables y profundas a causa de la vulnerabilidad de sus víctimas (niños en el crítico trance de acceder a la juventud) y de la ignorancia (parcialmente deliberada) que priva en México en torno a problemas como el bullying y del cual se ocupa este trabajo.
Otro rasgo de importancia en Inmolación es el protagonismo que tiene la palabra… pero ya no la palabra como vehículo de diálogo, que es lo que usualmente se espera de ella, sino como canal para la anécdota (es decir, la palabra como mini-relato autorreferencial y como fábula o cuento a la vez descriptivo/reflexivo iluminador). Desde este tratamiento, la palabra es la gran protagonista de Inmolación. En efecto, uno de los rasgos que distingue la estructura de este trabajo es ese papel poderosamente introyectivo que se le ha dado a la narración oral. Casi a cada momento, tanto Nora como Jorge Luis y Ximena acuden a sus recuerdos, ya mediatos o inmediatos, o a proceso verbalizados que son trances de autodescubrimiento en acto, para emprender una descripción de situaciones cuya carga emotiva asociada hace aflorar a su vez los resultados de un proceso de reflexión, de un acto de conciencia a través del cual cada personaje se descubre, se define, adquiere substancia y contribuye, de esta forma, a darle una contundencia inimaginable a lo que original y superficialmente habría parecido un mero apunte o incluso hasta un simple capricho dentro de la continuidad dramática. Tal como Olmos de Ita aborda el recurso, estas parcelas de “narraturgia” (como se le denomina a este tratamiento) concretan personajes mucho más complejos y creíbles. Casi sobra decir que el ejercicio es todo un reto para los actores, pero Rodolfo Guerrero ha sabido rodearse de algunos de los mejores actores jóvenes de la Morelia actual, entre ellos Hasam Díaz y Luisa Fernanda Ortiz, así como una Ana Karen Rojas que le aporta a su personaje de Nora un defecto de dicción muy característico en el perfil de pubertas como aquella a la que interpreta.
La dirección de Guerrero y los hallazgos de los tres actores para sus personajes son otro elemento a destacar. Concebida como una experiencia escénica para espacios no convencionales, esta versión de Inmolación está pensada para ser representada en las aulas escolares. No se precisa sino disponer las bancas contra los muros del salón para aprovechar el espacio central, merced a una serie de artilugios que permiten que la música y la luminotecnia sean absolutamente portátiles y eficaces, así como recursos de video que pasan por animaciones de un tiranosaurio en Maya (alguna vez, en mis chapuzones por la web, hace un par de años si bien recuerdo, descubrí esa animación precisa de la que hoy echan mano para este trabajo) y una banda musical que pasa de lo sinfónico programático (Jurassic Park, John Williams, 1995) al rock pop alternativo mexicano (Oso polar, de Hello Seahorse, 2009, con esa extraordinaria tesitura de soprano de Denise Gutiérrez, capaz de expresar interminables matices que van del gozo a la vulnerabilidad más desnuda).
EN VIDEO / Aspectos de Inmolación
El pasado sábado, al término de la segunda función, el director del trabajo, Rodolfo Guerrero, señaló que Inmolación “es un proyecto que nace a partir de una beca de estímulos a la creación y al desarrollo artístico de Michoacán que consiste en dos proyectos”, ambos para adolescentes. Inmolación es el primero. El segundo es Curva peligrosa, que se estrenará poco antes del próximo mes de abril. “También tenemos información en torno a un tema que se está convirtiendo en un problema de salud pública, el acoso escolar o bullying. Está habiendo altos índices de suicidio. Nuestra labor como artistas es presentar un trabajo, exponerlo, que la gente lo conozca, que sepa de él. La obra no está proponiendo soluciones, sin embargo vamos a tener gente que nos esté ayudando para informar a los jóvenes en qué consiste esto”. El realizador lamentó que en Morelia no existan todavía programas concretos que hablen del problema del bullying “sin embargo hay información que va a la ciudad de México y se pueden enlazar en la página de Imjuve”. Pero abajo de estas líneas está el video de esa intervención:
EN VIDEO / Palabras del director
RECURSOS EN LA WEB A continuación, algunos enlaces de interés en torno al bullying y a algunos estudios sobre el suicidio entre adolescentes y jóvenes en México. El segundo enlace, dedicado al Manual de la SEP para la atención de casos de bullying, es particularmente importante.
Manual escolar para la atención de casos de Bullying Este documento fue dado a conocer en 2010 por la Secretaria Educación Pública en la Ciudad de México, está orientado a dar atención al problema del acoso y la violencia entre condiscípulos en las aulas escolares. El material es descargable en formato pdf.
Prevalencia de intento suicida en estudiantes adolescentes de la ciudad de México: 1997 – 2000 Una investigación que se concentra a detalle en el periodo referido. Destaca que en 1997 la prevalencia del intento suicida en estudiantes adolescentes en la Ciudad de México fue de 8.3%, pero que para el 2000 el porcentaje se incrementó a 9.5%.
El pasado sábado 19 de febrero el proyecto teatral La nave concluyó finalmente un ciclo de vida que se extendió (caso inusitado en el Michoacán escénico contemporáneo) por espacio de cuatro años. La pieza, escrita por el autor moreliano José Luis Pineda Servín y dirigida por Gunnary Prado con asesoría de Perla Szuchmacher (1946 - 2010), ha sido probablemente la más alta y cumplida apuesta que ha dado el teatro para niños en Michoacán en la primera década del siglo XXI. Al mismo tiempo, el trabajo marca un referente y un desafío (tanto para el propio colectivo involucrado en el proyecto como para futuras experiencias alusivas al teatro para niños en Michoacán).
La historia que narra esta soberbia pieza breve es ya conocida: Un Nando adulto, quien se apresta a su primera misión como astronauta, nos comparte los momentos más importantes de su infancia, aquellos en los que descubrió el poder creador de la imaginación, el valor de la amistad, de la confianza y en los que tuvo también su primer encuentro con la muerte. Se trata de un episodio en el cual, en compañía de su hermana, Katy, y de su mejor amigo, Yiyo, Nando emprende el proyecto de idear una nave capaz de llevarlos al espacio. En torno al proyecto, los personajes comparten con el público una serie de vivencias propias de los niños que frisan entre los 8 y los 10 años de edad. La reseña elaborada por el propio grupo para el programa de mano incluía una línea muy sugestiva. Decía: “Nando y Yiyo son los mejores amigos y se preparan para el viaje más maravilloso: cruzar el cosmos a la velocidad de la luz y regresar a casa antes de la hora de la cena para que mamá no se enoje”. Así, concebida como una historia de iniciaciones, La Nave fue una pequeña odisea escénica enfocada a esas experiencias vitales para la formación del carácter del adulto. La hora de la primera mentira, de la primea confesión sincera, de la primera trasgresión a las reglas, de la primera complicidad y de muchas otras “primeras veces”, cuya resolución templará y encauzará el carácter de los protagonistas.
La génesis y desarrollo del proyecto La Nave comenzó en 2006, cuando la Secretaría de Cultura de Michoacán convocó al I Concurso de Dramaturgia Infantil. El primer lugar de ese certamen fue para esta pieza, que a la sazón era la segunda escrita por José Luis Pineda Servín (luego de En la ciudad de la furia y antes de Baños de secundaria). Para el año siguiente, con apoyos de la Secretaría de Cultura (que estaban previstos como parte del premio), La Nave se montó con un colectivo integrado en su totalidad por egresados de la Escuela Popular de Bellas Artes de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo, todos ellos reunidos en los grupos Santa Herejía Producciones, Espacio Vacío Teatro y Producciones Cinema Teatro. Como se trataba de una empresa que coadyuvara a fortalecer las herramientas escénicas de los galardonados, se gestionó asimismo la asesoría de una experta en teatro infantil: la dramaturga y directora Perla Szuchmacher. La primera función de La Nave tuvo lugar el sábado 6 de octubre de 2007 en la colonia Trincheras, en Morelia, bajo la dirección de Gunnary Prado Coronado. A partir de ahí, la pieza comenzó una serie de presentaciones a las cuales, bajo un modelo de creación, realización e itinerancia, se añadieron actividades para compartir y difundir los conocimientos adquiridos por el colectivo. Fue así, por ejemplo, como los integrantes de La Nave compartieron su experiencia con integrantes del grupo de teatro del Colegio de Bachilleres de Cherán, en la Meseta Puhrépecha. De modo que La Nave comenzó una gira por municipios y comunidades de Michoacán, para lo cual contó con el respaldo de la Secretaría de Desarrollo Social (SEDESO, hoy SEPSOL). También en 2007, durante los meses de septiembre y noviembre, la obra hizo temporada en su Alma Mater, la Escuela Popular de Bellas Artes, en Morelia, así como en otros foros, gracias a los programas de difusión cultural de la UMSNH. Para marzo de 2008, la calidad de la propuesta logró que le abrieran las puertas a La Nave en el Centro Dramático de Michoacán, en la ciudad de Pátzcuaro, donde ofreció otras funciones. Más tarde, en abril de 2008, el colectivo fue el invitado especial para la conmemoración del XV aniversario del foro La Casona del Teatro, en Morelia; asimismo, a través del PROART (de triste y ambigua memoria), el trabajo se integró a la programación para público infantil del Teatro de las Artes de Zamora. Paralelamente, en convenio con la Secum, durante abril y mayo La Nave emprendió un circuito de funciones en escuelas primarias y secundarias de Morelia. Este recorrido, en Michoacán, la llevaría asimismo a obtener uno de los tres premios de la Muestra Estatal de Teatro en 2008.
Más allá de Michoacán, la pieza representó a nuestro estado en el V Coloquio Internacional de Teatro Alternativo, en Tepic, Nayarit (mayo de 2008) y en el X Festival del Desierto Altiplano Potosino (junio de 2008), así como en el X Festival de Teatro de Nuevo León (agosto de 2008), en el Festival Otras Latitudes (septiembre de 2008), en la Ciudad de México, así como en las jornadas del I Coloquio Internacional de Teatro Alternativo de Nuevo León (octubre, 2008). Esta trayectoria llevaría al trabajo a ser uno de los seleccionados como representantes de Michoacán en la XXIX Muestra Nacional de Teatro, celebrada en Ciudad Juárez, Chihuahua, en noviembre de 2008, donde, por cierto, fue la única obra dirigida al público infantil en todo el programa de esa edición. Los otros dos grupos representantes de Michoacán fueron Contrapeso y Puerta al Teatro con el proyecto Los locos de Valencia, emprendido al alimón por Roberto Briceño y Rodolfo Guerrero.
Para enero de 2009, en el teatro Melchor Ocampo, en Morelia, los integrantes de La Nave develaron la placa conmemorativa de cien representaciones, pero la pieza ya había trascendido fronteras y alcanzó, de hecho, una proyección internacional. Primero con su participación en el X Festival de Teatro de las Américas y en el VII Congreso de Teatro Universitario Iberoamericano, en la ciudad de Cali, Colombia, al seno de una gira de cuatro meses que se extendió ella misma sobre la marcha y que terminó incluyendo seis países (Colombia, Costa Rica, Venezuela, Bolivia, Argentina y Perú), así como cinco circuitos y festivales en el cono sur, entre ellos el I Festival Internacional de Artes Escénicas “Movimiento Continuo” en Bogotá; el V Encuentro de Teatro Popular Latinoamericano, en Venezuela; el Encuentro Intercultural Iberoamericano de Teatro 2010 de Villa Tunari; el VIII Encuentro de Teatro del Borde y el VIII Festival Internacional de Acciones Escénicas de Lima-Norte. Fue precisamente en el curso de esta gira por Sudamérica (apoyada por la Secum a través de su programa de co-inversiones) cuando la nave cumplió las 200 representaciones. La historia llega a su fin con la función de despedida, celebrada el 19 de febrero en el auditorio José Rubén Romero, de la que da cuenta el video, debajo de estas líneas. Un ciclo que concluye para que otros den comienzo y del que queda, ante todo, un proceso de aprendizaje al que será importante darle seguimiento.
EN VIDEO / La Nave, función final
SANTO Y SEÑA
La Nave Dirección: Gunnary Prado
Elenco: Erik Gallardo (Nando) Javier Bravo (Yiyo) Valentina Freire (Katy)
Dramaturgia, composición musical, diseño escénico e iluminación José Luis Pineda.
Asesoría escénica Perla Szuchmacher.
Asistencia de dirección Selma Sánchez (en 2007)
Producción ejecutiva Erandini Alvarado.
Realización escénica Camilo Lachino.
Realización de vestuario Venus Solorio / Ariadna Pineda
contacto: produccionesespaciovacio@gmail.com
Reporte oficial del US Fish and Wildlife Service
Declaran extinto al puma del Este
Rara vez tenemos la oportunidad de ver el momento preciso en el que se expide el acta de defunción de alguna especie animal. El pasado 2 de marzo (hace apenas dos días), el US Fish and Wildlife Service (USFWS), que es la entidad dedicada a la protección de la fauna y la pesca en Estados Unidos, anunció que el puma del este, una especie en peligro de extinción desde 1973, acaba de desaparecer definitivamente. Esta variedad de puma (nombre científico: Felis concolor) habitaba 21 estados de la Unión Americana y su supervivencia estaba en riesgo desde hace casi 40 años a causa de los cazadores furtivos y por las dificultades de reproducción en el escabroso hábitat montañoso que le era característico. Este enlace conduce a la noticia (en idioma inglés) en la página oficial de la USFWS. Un extracto del informe, en español, dice: “Reconocemos que numerosas personas han visto pumas en diversas montañas del país. Sin embargo, hemos comprobado que estos animales avistados no corresponden a la especie del Puma del Este y no hemos encontrado ningún animal vivo ni ningún rastro de la subespecie”, en voz de Martin Miller, jefe del Servicio de la Región del Nordeste para la Protección Animal en Estados Unidos. El Puma del Este o puma de montaña alcanzaba a medir 2,40 metros (cola incluida) y un peso de 115 kilos. A diferencia de otros felinos, no vivían en manada, sino en territorios individuales fuertemente delimitados por el olor. Para reproducirse, el macho de esta variedad de puma invadía el territorio de una hembra y la asediaba hasta consumar el apareamiento. Luego, la madre se hacía cargo de los cachorros. Dependiendo de la altitud donde viviera, estos pumas podían tener hábitos diurnos o nocturnos. Ahora, otra especie de felino en riesgo de extinción es la pantera de Florida, que vive en las montañas del sureste de Estados Unidos y de la que permanecen vivos entre 120 y 160 ejemplares.
NOTAS 1 Secretaría de Relaciones Exteriores, Compilación de recomendaciones a México de los mecanismos internacionales y los comités de Derechos Humanos de las Naciones Unidas y de la Organización de los Estados Americanos, México, SRE, 2003.
RECURSOS EN LA WEB Dejo los siguientes enlaces para quien desee explorar un poco más en el tema de la adolescencia y el embarazo en México.
El embarazo de las adolescentes en México Un ensayo del Dr. Vicente Díaz Sánchez aparecido en Gaceta Médica de México (Vol. 139 Suplemento 1, que data de 2003 pero que tiene total vigencia en sus líneas fundamentales), el cual aparece en la página de la Fundación Mexicana para la Planeación Familiar.
Abre el 10 de marzo en el Centro Cultural Clavijero
La exposición de máscaras funerarias mayas Rostros de la divinidad. Los mosaicos mayas de piedra verde, que habría sido inaugurada la semana pasada en París, Francia, pero que fue cancelada a raíz de la escaramuza diplomática entre México y la nación gala por el caso de Florence Cassez (la ciudadana francesa condenada a 60 años de cárcel por complicidad en secuestro en nuestro país), será inaugurada en Morelia la semana próxima en el Centro Cultural Clavijero (CCC). La inauguración está prevista para el jueves 10 de marzo a las 19:00 horas y de acuerdo al director del CCC, Vicente Guijosa, se exhibirá casi la totalidad de las piezas presentadas en el Museo Nacional de Antropologóa (MNA), del DF, donde esta muestra se inauguró en 2010.La información se dio a conocer este miércoles 2 de marzo por la Secretaría de Cultura durante una conferencia de prensa vespertina. Allí, el Secretario de Cultura de Michoacán, Jaime Hernández Díaz, describió en lo general la importancia de la muestra, que presenta por primera vez los ajuares funerarios con que fueron enterrados seis dignatarios mayas hace más de mil años. La exposición completa está integrada por 147 piezas mayas, entre las que destacan 13 máscaras funerarias de piedra verde y un pectoral zoomorfo de concha, recuperadas en templos prehispánicos de las ciudades de Palenque, Calakmul, Dzibanché y Oxkintok. En la exposición, que es organizada por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), se recrearon los sepulcros de seis soberanos mayas, que fueron descubiertos entre las décadas de 1980 y 1990. También se podrán apreciar collares, anillos, brazaletes, petos, pectorales y figurillas ceremoniales, tal y como los mayas las colocaron para acompañar a sus gobernantes al enterrarlos. En la exposición, por lo menos en su versión original, que se alojó en el MNA durante 2010, sobresale la recreación de la tumba de K'inich Janaab’ Pakal, quien dirigió la ciudad de Palenque, en Chiapas, entre 615 y 683 d. C., acompañado de todo su ajuar funerario, y la reproducción digital de su lápida, que permite apreciar a detalle las imágenes iconográficas grabadas en la piedra y su significado. La curadora de la exposición, es Sofia Martínez del Campo Lanz, quien ya trabaja en Morelia, en el Centro Cultural Clavijero, junto con su equipo, para definir la museografía definitiva que verá el público en la capital michoacana.
EN VIDEO / LA CONFERENCIA DE PRENSA
Interrogado acerca de cómo llega a Morelia esta exposición, que de no ser por el conflicto por el caso Cassez, en estos momentos ya estaría alojada en la Pinacoteca de París, Jaime Hernández dijo: "Nosotros hemos platicado con el embajador Alfonso de María y Campos sobre la importancia de que algunas de estas exposiciones de itinerancia internacional vengan primero con nosotros. Esa fue la gestión, la inquietud de nosotros. Obviamente, el director general del INAH nos ha informado de los compromisos que tienen, de las itinerancias internacionales. En este caso hubo una circunstancia de coyuntura que propicia que se concrete lo que habíamos platicado, que cuando regresaran estas grandes exposiciones, la itinerancia nacional comience por Michoacán. Hoy agradecemos que esas gestiones que hemos hecho a nivel de plática, de peticiones, se concreten por las modificaciones que sufrieron las actividades previstas para esta exposición".
Museos y seguridad: no confundir la gimnasia con la magnesia": JHD
Mucho más adelante, cuestionado en el sentido de que se han adquirido cuatro cámaras de seguridad nuevas para el Centro Cultural Clavijero, a fin de responder a las necesidades de seguridad de esta exposición por parte de INAH e INBA, mientras que los demás museos estatales dependientes de la Secum siguen sin contar con una infraestructura de seguridad equivalente, el secretario de Cultura pidió "no confundir la gimnasia con la magnesia" y pospuso el tema para otro momento, tal como se puede apreciar, de manera íntegra, en el siguiente video.
– ¿Qué piensas, Hamlet, de la guerra? ¿Ya tomaste partido? ¿Qué haces? – ¿Qué puedo hacer? ¿Me imaginas hombre de partido? – No. Tampoco yo lo soy, pero tengo un sitio. ¿Lo tienes tú? – No, ¿dónde está el sitio de un metafísico? – En alguna parte estará, Hamlet. Hamlet a sí mismo, en sueños, en El diario de Hamlet García (1941-1944, pág. 318) / Paulino Masip
Tengo la seguridad de que hoy es un día duro, uno de esos en los que quisieras no haberte levantado. Monólogo de La Mujer Madura en Hamlet García (2003) / Miguel Morillo
Busca a tu complementario, que marcha siempre contigo y suele ser tu contrario. Nuevas canciones (1924) / Antonio Machado
Strangenos o la vida en tránsito Desde agosto de 2007 este colectivo ha estado trabajando en un proceso de entrenamiento creativo, fruto del cual surgió su primer espectáculo, titulado Strangenos, que será representado en Morelia. Strangenos, en palabras de sus autores, “es un monólogo que cuenta la historia de emigrantes en busca de un sueño. Intentando encontrarse en un cotidiano distante de su tierra natal, embarcan en un viaje para dentro de sí mismos en un nuevo cotidiano. Viven un embate constante con problemas de comunicación, interminables trámites, la locura de las grandes ciudades y la soledad en la vejez. Muestra la parte humana y sensible de personas que dejaron su lugar de origen y se confrontaron con una nueva realidad, un mundo nuevo. Desde la exploración de lo sencillo (escenario vacío, vestuario neutro) el actor construye espacios y personajes con su propia poética, que junto con las luces estimulan la imaginación del público, colocándolo también como co-autor y co-actor de la obra”. Este unipersonal obtuvo el premio de Mejor Interpretación Individual en la 17ª Mostra Nascente, de la Universidade de São Paulo, en 2009. En Abril del 2010, Teatro Laberinto la llevó al IV Festival de Monólogos de Campo Limpo Paulista (Brasil) donde obtuvo dos menciones: Mejor iluminación y Mejor dramaturgia. Aparte, el trabajo mereció el primer lugar del festival como Mejor Espectáculo; el Premio al mejor actor y el Premio a la mejor dirección. En diciembre del 2010, Strangenos acudió al 5º Festival Iberoamericano de Teatro Cumbre de Las Américas (Mar Del Plata, Argentina), donde ganó el premio de Mejor Unipersonal Dramático Masculino. En este mismo mes de marzo, Strangenos participará, seleccionado, en el 9º Festival Independiente de Teatro Íntimo Encuentro Internacional 2011, en la ciudad de Mérida, México. Mientras, el colectivo Teatro Laberinto ha ofrecido diversos talleres en países como Belice, Guatemala, Perú, Brasil, Bolivia Argentina, Uruguay y Bélgica entre otros. También ha brindado asesoría artística gratuita a grupos de teatro aficionado en su país y otras latitudes del hemisferio.
Acerca del taller Acerca del curso taller, que tendrá como sede el foro Casa Prados Verdes (Paseo del Tabachín, No.523 a, Col. Prados Verdes.), Espacio Vacío adelante que se titula Puntos de Vista Escénicos (Viewpoints), el actor en el espacio. Es impartido por Daniel Alberti. Los objetivos son experimentar la técnica de la improvisación desarrollada por Anne Bogard, que permite emplear un vocabulario que facilita el pensar y actuar sobre los movimientos y gestos. Esta técnica –añaden– es ampliamente usada para entrenar a los artistas, para la creación de un grupo y crear movimientos. A través de la relación entre el tiempo y el espacio se encuentra un lenguaje que habla de lo que sucede en el escenario y amplia la percepción espacial del cuerpo en escena. El taller se impartirá del 14 al 18 de marzo, de 17:00 a 20:00 horas en Paseo del Tabachín No. 523 a, Col. Prados Verdes, con una cuota de recuperación: $1,500.00 pesos. Informes al correo-e produccionesespaciovacio@gmail.com y a los números 44 31 40 98 17 y 44 31 87 36 71.
Periodista de cultura. Vive, ama, trabaja, juega y a veces duerme en Morelia desde 1986. Ha sido integrante de los equipos fundadores del extinto vespertino "Buendía" (1990) y del diario "Cambio de Michoacán" (1992). Ha escrito en la sección de cultura de "El Financiero" y en las páginas de "La Voz de Michoacán" en tres periodos (1986-87, 1994-2000 y 2002-2009). Ha procurado especializarse en teatro, artes visuales y cine. Desde 2009 optó por abandonar los medios impresos y abrió el blog poliedrodigital.
