Una imagen del unipersonal que se presentará en Morelia este mes y que ha sido concebido a partir de la recopilación de testimonios de migrantes latinoamericanos.
El grupo Espacio Vacio Teatro, de Morelia, emitió este lunes un comunicado-convocatoria en el que invita a toda la comunidad teatral y cultural, así como a interesados en general, a acudir a las funciones y talleres que realizará en la capital michoacana la compañía teatral carioca “Teatro Laberinto” del 11 al 18 de marzo.
Espacio Vacío detalla en su blog La nave en Latinoamérica que la agrupación Teatro Laberinto, de São Paulo, Brasil, es un colectivo diverso de creativos iberoamericanos integrado en 2007 con el fin de crear un grupo de investigación, puesta en escena y pedagogía teatral.
Strangenos o la vida en tránsito
Desde agosto de 2007 este colectivo ha estado trabajando en un proceso de entrenamiento creativo, fruto del cual surgió su primer espectáculo, titulado Strangenos, que será representado en Morelia.
Strangenos, en palabras de sus autores, “es un monólogo que cuenta la historia de emigrantes en busca de un sueño. Intentando encontrarse en un cotidiano distante de su tierra natal, embarcan en un viaje para dentro de sí mismos en un nuevo cotidiano. Viven un embate constante con problemas de comunicación, interminables trámites, la locura de las grandes ciudades y la soledad en la vejez. Muestra la parte humana y sensible de personas que dejaron su lugar de origen y se confrontaron con una nueva realidad, un mundo nuevo. Desde la exploración de lo sencillo (escenario vacío, vestuario neutro) el actor construye espacios y personajes con su propia poética, que junto con las luces estimulan la imaginación del público, colocándolo también como co-autor y co-actor de la obra”.
Este unipersonal obtuvo el premio de Mejor Interpretación Individual en la 17ª Mostra Nascente, de la Universidade de São Paulo, en 2009. En Abril del 2010, Teatro Laberinto la llevó al IV Festival de Monólogos de Campo Limpo Paulista (Brasil) donde obtuvo dos menciones: Mejor iluminación y Mejor dramaturgia. Aparte, el trabajo mereció el primer lugar del festival como Mejor Espectáculo; el Premio al mejor actor y el Premio a la mejor dirección.
En diciembre del 2010, Strangenos acudió al 5º Festival Iberoamericano de Teatro Cumbre de Las Américas (Mar Del Plata, Argentina), donde ganó el premio de Mejor Unipersonal Dramático Masculino.
En este mismo mes de marzo, Strangenos participará, seleccionado, en el 9º Festival Independiente de Teatro Íntimo Encuentro Internacional 2011, en la ciudad de Mérida, México.
Mientras, el colectivo Teatro Laberinto ha ofrecido diversos talleres en países como Belice, Guatemala, Perú, Brasil, Bolivia Argentina, Uruguay y Bélgica entre otros. También ha brindado asesoría artística gratuita a grupos de teatro aficionado en su país y otras latitudes del hemisferio.
Acerca del taller
Acerca del curso taller, que tendrá como sede el foro Casa Prados Verdes (Paseo del Tabachín, No.523 a, Col. Prados Verdes.), Espacio Vacío adelante que se titula Puntos de Vista Escénicos (Viewpoints), el actor en el espacio. Es impartido por Daniel Alberti. Los objetivos son experimentar la técnica de la improvisación desarrollada por Anne Bogard, que permite emplear un vocabulario que facilita el pensar y actuar sobre los movimientos y gestos. Esta técnica –añaden– es ampliamente usada para entrenar a los artistas, para la creación de un grupo y crear movimientos. A través de la relación entre el tiempo y el espacio se encuentra un lenguaje que habla de lo que sucede en el escenario y amplia la percepción espacial del cuerpo en escena.
El taller se impartirá del 14 al 18 de marzo, de 17:00 a 20:00 horas en Paseo del Tabachín No. 523 a, Col. Prados Verdes, con una cuota de recuperación: $1,500.00 pesos. Informes al correo-e produccionesespaciovacio@gmail.com y a los números 44 31 40 98 17 y 44 31 87 36 71.
Se publicarán el 28 de febrero en el Diario OficialAnunciarán las reglas del
Estímulo Fiscal al Teatro
Una escena de Intimidad, de Hugo Hiriart, en dirección de Hassam Díaz. A partir del 1 de marzo los interesados podrán encontrar las reglas generales, lineamientos y requisitos para acceder a la aplicación del estímulo principal en las direcciones electrónicas de la Secretaría de Hacienda, de Conaculta y del INBA.El próximo 28 de febrero, en el Diario Oficial de la Federación, aparecerán publicadas las reglas de operación del estímulo Efiteatro (Estímulo Fiscal al Teatro, artículo 226 bis), que es un incentivo fiscal para incrementar la producción teatral en México. A partir del 1 de marzo y hasta el último día hábil del mes de mayo, será el período de recepción de solicitudes de la comunidad teatral para acceder a dicho estímulo.
Así lo acaba de dar a conocer el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) a través de la sala de prensa de su página electrónica (el enlace, aquí).
En este su primer año de ejecución, el estímulo fiscal a distribuir entre los aspirantes beneficiados será de 50 millones de pesos; la aportación a cada contribuyente y proyecto de inversión en la producción teatral nacional no será mayor de 2 millones de pesos. En caso de que el monto al estímulo no haya sido asignado en su totalidad en el ejercicio fiscal correspondiente, se abrirá un periodo extraordinario de recepción de solicitudes.
El Estímulo Fiscal al Teatro Efiteatro 226 Bis, como se menciona, otorga un estímulo fiscal a los contribuyentes, consistente en aplicar un crédito fiscal equivalente al monto que, en el ejercicio fiscal de que se trate, aporte a proyectos de inversión en la producción teatral nacional. Será tarea de las compañías o responsables generar nuevas estrategias para involucrar en sus proyectos a los coinversores interesados en obtener este estímulo, que cubran absolutamente los requisitos, y con ello apoyar al teatro nacional.
El comunicado de prensa señala: “Debido al trabajo conjunto de Consuelo Sáizar, presidenta del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, y Teresa Vicencio, directora general del Instituto Nacional de Bellas Artes, además del apoyo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público y los miembros de la comunidad artística, involucrados desde el inicio en estas gestiones, se logró la definición de las Reglas Generales de Efiteatro”.
Detalla: el pasado 17 de febrero, se instaló el Comité Interinstitucional, el cual quedó integrado por Ernesto Francisco Revilla Soriano, representante de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público; Raúl Arenzana Olvera, representante del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y Teresa Vicencio Álvarez, directora general del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA). En esa misma reunión se acordaron las Reglas Generales de Efiteatro.
Los estímulos fiscales serán concedidos a aquellos proyectos con méritos culturales y artísticos que centren su valor en la expresión artística y que enriquezcan el patrimonio cultural del país. Esto dividiéndose en dos tipos de producciones teatrales: proyectos de inversión nacionales, que consideran aquellos donde los gastos de producción se realizan en territorio nacional en más del 80 por ciento y que en conjunto su cuerpo creativo y elenco sea de nacionalidad mexicana en un 70 por ciento.
También se considerarán los proyectos de inversión de coproducciones internacionales que se realicen en territorio nacional, cuyos gastos de producción se realicen en México en más del 60 por ciento y que en conjunto su cuerpo creativo y elenco sea de nacionalidad mexicana en un 60 por ciento.
Los proyectos para los cuales se buscará el estímulo serán recibidos por la Secretaría Técnica del Comité Interinstitucional quien enviará las solicitudes al Instituto Nacional de Bellas Artes, responsable de evaluarlos y dictaminar su viabilidad, conforme a los lineamientos de operación.
La decisión final de los proyectos elegidos para acceder al estímulo, serán marcadas por el Comité Interinstitucional, que se apoyará en la evaluación presentada por el INBA, en un plazo no mayor a los 45 días hábiles después del cierre de recepción, basada en las recomendaciones recibidas por el Consejo de Evaluación, que se conformará por destacados profesionales de teatro.
Así como se ha puesto especial atención en fortalecer las distintas etapas que implica un proyecto teatral, los beneficios de Efiteatro alcanzan a todos los creadores teatrales que participan en su totalidad en la puesta en escena: dramaturgos, directores de escena, diseñadores de vestuario, de escenografía, iluminación, diseño sonoro, escenofonía, creación musical original, movimiento escénico, multimedia, entre otros. Por supuesto, también se habla del principal receptor y fin último de cualquier proceso artístico creativo: el público.
La consolidación de este estímulo se suma a los distintos esfuerzos que realizan el Conaculta y el INBA a través de sus diversos programas y dependencias, cuyo interés es fortalecer los esquemas de producción teatral nacional y beneficiar todas las etapas que se implican: producción, temporada de estreno, ampliación de temporada, temporada de reposición o circulación nacional.
Los antecedentes que
impulsan la iniciativa
El comunicado añade la siguiente información:
La producción del cine mexicano se catapultó con la aprobación de Eficine 226: estímulo fiscal para los contribuyentes que otorga el Artículo 226 de la Ley del Impuesto sobre la Renta y que apoya la producción o postproducción de largometrajes de ficción, animación y/o documental; en menos de cinco años hubo un importante incremento, pues de 10 películas, a partir de la promulgación de este artículo se realizan 53 anuales.
Con estos antecedentes la senadora María Rojo y algunos miembros de comunidad teatral se dieron a la tarea de buscar, en esa misma línea, un estímulo fiscal enfocado a la producción teatral nacional. Después de varias reuniones de trabajo se acordó promover, ante la Cámara de Diputados de la LXI Legislatura, la creación del Artículo 226-Bis.
Estas gestiones dieron frutos cuando con 446 votos a favor, uno en contra y cinco abstenciones se logró aprobar dicho artículo en octubre del 2010. Fue en el Diario Oficial de la Federación del 19 de noviembre de 2010, donde quedó estipulada la adhesión del artículo 226 Bis a la Ley del Impuesto sobre la Renta, la cual entró en vigor el 1 de enero de 2011.
A partir del 1 de marzo los interesados podrán encontrar completamente las Reglas Generales, Lineamientos y Requisitos para acceder a la aplicación del estímulo principal en las direcciones electrónicas de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público (www.shcp.gob.mx); Conaculta, (www.conaculta.gob.mx) y el INBA (www.bellasartes.gob.mx).
Así lo acaba de dar a conocer el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) a través de la sala de prensa de su página electrónica (el enlace, aquí).
En este su primer año de ejecución, el estímulo fiscal a distribuir entre los aspirantes beneficiados será de 50 millones de pesos; la aportación a cada contribuyente y proyecto de inversión en la producción teatral nacional no será mayor de 2 millones de pesos. En caso de que el monto al estímulo no haya sido asignado en su totalidad en el ejercicio fiscal correspondiente, se abrirá un periodo extraordinario de recepción de solicitudes.
El Estímulo Fiscal al Teatro Efiteatro 226 Bis, como se menciona, otorga un estímulo fiscal a los contribuyentes, consistente en aplicar un crédito fiscal equivalente al monto que, en el ejercicio fiscal de que se trate, aporte a proyectos de inversión en la producción teatral nacional. Será tarea de las compañías o responsables generar nuevas estrategias para involucrar en sus proyectos a los coinversores interesados en obtener este estímulo, que cubran absolutamente los requisitos, y con ello apoyar al teatro nacional.
El comunicado de prensa señala: “Debido al trabajo conjunto de Consuelo Sáizar, presidenta del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, y Teresa Vicencio, directora general del Instituto Nacional de Bellas Artes, además del apoyo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público y los miembros de la comunidad artística, involucrados desde el inicio en estas gestiones, se logró la definición de las Reglas Generales de Efiteatro”.
Detalla: el pasado 17 de febrero, se instaló el Comité Interinstitucional, el cual quedó integrado por Ernesto Francisco Revilla Soriano, representante de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público; Raúl Arenzana Olvera, representante del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y Teresa Vicencio Álvarez, directora general del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA). En esa misma reunión se acordaron las Reglas Generales de Efiteatro.
Los estímulos fiscales serán concedidos a aquellos proyectos con méritos culturales y artísticos que centren su valor en la expresión artística y que enriquezcan el patrimonio cultural del país. Esto dividiéndose en dos tipos de producciones teatrales: proyectos de inversión nacionales, que consideran aquellos donde los gastos de producción se realizan en territorio nacional en más del 80 por ciento y que en conjunto su cuerpo creativo y elenco sea de nacionalidad mexicana en un 70 por ciento.
También se considerarán los proyectos de inversión de coproducciones internacionales que se realicen en territorio nacional, cuyos gastos de producción se realicen en México en más del 60 por ciento y que en conjunto su cuerpo creativo y elenco sea de nacionalidad mexicana en un 60 por ciento.
Los proyectos para los cuales se buscará el estímulo serán recibidos por la Secretaría Técnica del Comité Interinstitucional quien enviará las solicitudes al Instituto Nacional de Bellas Artes, responsable de evaluarlos y dictaminar su viabilidad, conforme a los lineamientos de operación.
La decisión final de los proyectos elegidos para acceder al estímulo, serán marcadas por el Comité Interinstitucional, que se apoyará en la evaluación presentada por el INBA, en un plazo no mayor a los 45 días hábiles después del cierre de recepción, basada en las recomendaciones recibidas por el Consejo de Evaluación, que se conformará por destacados profesionales de teatro.
Así como se ha puesto especial atención en fortalecer las distintas etapas que implica un proyecto teatral, los beneficios de Efiteatro alcanzan a todos los creadores teatrales que participan en su totalidad en la puesta en escena: dramaturgos, directores de escena, diseñadores de vestuario, de escenografía, iluminación, diseño sonoro, escenofonía, creación musical original, movimiento escénico, multimedia, entre otros. Por supuesto, también se habla del principal receptor y fin último de cualquier proceso artístico creativo: el público.
La consolidación de este estímulo se suma a los distintos esfuerzos que realizan el Conaculta y el INBA a través de sus diversos programas y dependencias, cuyo interés es fortalecer los esquemas de producción teatral nacional y beneficiar todas las etapas que se implican: producción, temporada de estreno, ampliación de temporada, temporada de reposición o circulación nacional.
Los antecedentes que
impulsan la iniciativa
El comunicado añade la siguiente información:
La producción del cine mexicano se catapultó con la aprobación de Eficine 226: estímulo fiscal para los contribuyentes que otorga el Artículo 226 de la Ley del Impuesto sobre la Renta y que apoya la producción o postproducción de largometrajes de ficción, animación y/o documental; en menos de cinco años hubo un importante incremento, pues de 10 películas, a partir de la promulgación de este artículo se realizan 53 anuales.
Con estos antecedentes la senadora María Rojo y algunos miembros de comunidad teatral se dieron a la tarea de buscar, en esa misma línea, un estímulo fiscal enfocado a la producción teatral nacional. Después de varias reuniones de trabajo se acordó promover, ante la Cámara de Diputados de la LXI Legislatura, la creación del Artículo 226-Bis.
Estas gestiones dieron frutos cuando con 446 votos a favor, uno en contra y cinco abstenciones se logró aprobar dicho artículo en octubre del 2010. Fue en el Diario Oficial de la Federación del 19 de noviembre de 2010, donde quedó estipulada la adhesión del artículo 226 Bis a la Ley del Impuesto sobre la Renta, la cual entró en vigor el 1 de enero de 2011.
A partir del 1 de marzo los interesados podrán encontrar completamente las Reglas Generales, Lineamientos y Requisitos para acceder a la aplicación del estímulo principal en las direcciones electrónicas de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público (www.shcp.gob.mx); Conaculta, (www.conaculta.gob.mx) y el INBA (www.bellasartes.gob.mx).
¿Producir más teatro o producir mejor teatro?. He ahi una de las cuestiones clave en torno a las reformas al artículo 226-bis del ISR. En la imagen, un momento de la puesta en escena Hamlet García, de reciente estreno, en la Escuela Popular de Bellas Artes de Morelia.Pocos lo saben, pero desde el día 1 de enero de este 2011, gracias a la reforma al artículo 226-bis de la Ley del Impuesto sobre la Renta (LISR), todos los teatristas de México pueden beneficiarse, para el desarrollo de un proyecto escénico, de una suma de hasta dos millones de pesos procedentes de inversionistas privados
Fue en noviembre pasado cuando la Cámara de Diputados avaló el dictámen que adicionó diversos artículos de la Ley del Impuesto Sobre la Renta (ISR), entre ellos el 226-bis, con el cual se ofrecen estímulos fiscales a la producción teatral.
Los estímulos, que en cierto sentido son una forma de crédito fiscal a quienes aporten proyectos de inversión en teatro, no deberán exceder los 50 millones de pesos durante este 2011. Mientras, como máximo, cada contribuyente (léase en este caso, inversionista teatral) puede apoyar a un proyecto hasta con un monto máximo de dos millones de pesos.
Por el momento, este estímulo será únicamente para productores independientes y para su entrega se creará un Comité Interinstitucional, el cual estará encargado de revisar los proyectos que se presenten.
El dictamen en cuestión se aprobó hace tres meses, ya casi en la recta final de 2010, con 446 votos a favor, uno en contra y cinco abstenciones.
La propuesta fue presentada por la comunidad teatral, representada en el Congreso por la senadora y actriz María Rojo.
Sesión informativa, hoy viernes
en el Palacio de las Bellas Artes
A través de un mensaje en este enlace de Facebook, la teatrista moreliana Selma Sánchez compartía la tarde de este miércoles 24 de febrero la siguiente información que fue proporcionada, a su vez, por los teatristas Luz Emilia Aguilar Zínser, José Antonio Cordero Chávez, Dobrina Cristeva, Jaime Chabaud Magnus, Mario Espinoza Ricalde, Flavio González Mello, Luis Mario Moncada Gil y Gabriel Pascal:
“Mañana viernes 25 de febrero a las 10 a.m. se llevará a cabo en el Palacio de Bellas Artes la conferencia de prensa para anunciar la PUESTA EN MARCHA del Estímulo Fiscal al Teatro previsto en el artículo 226-bis de la Ley del Impuesto sobre la Renta (EFITEATRO)”.
“Mediante el mecanismo previsto en dicho artículo, los contribuyentes físicos y morales podrán destinar hasta el 10% de su pago de ISR a la producción de una determinada obra teatral. Se dispondrá de hasta 2 millones de pesos por proyecto y hasta 50 millones de pesos anuales en total. La convocatoria para aplicar al EFITEATRO será anunciada en la conferencia de prensa y será abierta en los próximos días”.
“Es importante que el gremio conozca y utilice esta herramienta, pues en buena medida de eso dependerá que el monto máximo sea incrementado por la Cámara de Diputados el próximo año!”.
Reflexiones de Víctor
Ugalde desde IMCINE
A su vez, en el siguiente enlace de la página de IMCINE, el promotor fílmico Víctor Ugalde se congratula por el apoyo a los teatristas y ofrece las siguientes reflexiones:
Con gran alegría nos enteramos de que la iniciativa de reforma al artículo 226 bis de la Ley del Impuesto sobre la Renta (LISR) en apoyo al teatro mexicano, presentada por la senadora María Rojo con el apoyo de la comunidad teatral, fue recientemente aprobada por el pleno del poder legislativo de forma unánime. Un acto generoso y de justicia en el que se olvidaron los intereses partidistas y ganó el apoyo a este arte, que tanto prestigio ha dado a nuestro país. Este incentivo permite acreditar fiscalmente a los contribuyentes del ISR hasta 50 millones de pesos al año y apoyar hasta con 2 millones por producción teatral.
Este beneficio viene a corregir de forma sustantiva la política de recortes presupuestales para la producción de teatro mexicano, impulsada por el gobierno federal en los años recientes, sobre todo en el gasto directo a la creación dramática nacional.
Con el propósito de que funcione de la mejor manera y lo más pronto posible me permito trasmitir 10 tips, para que el estímulo al teatro mexicano sea democrático, incluyente, transparente y efectivamente pueda utilizarse desde el primero de enero del 2011 y no pase por los avatares, boicots y trampas que sufrió el estímulo del cine o el artículo 219, que se refería al apoyo a la ciencia y la tecnología que desapareció en 2009:
Que se incluya en la Comisión de Redacción de las Reglas, de operación a representantes de los diversos miembros e intereses de la comunidad teatral. Ahí deberían establecer la presencia permanente de invitados del teatro mexicano, con voz pero sin voto, al momento de estudiar y aprobar los proyectos. Estos representantes deberán rotar su presencia cada año sin relección posible.
Cincuenta pro ciento de los proyectos deberán ser de escritor nacional y el idioma será el español o cualquiera de las 56 lenguas indígenas del país. La nacionalidad del director será mexicana; en caso de ser extranjero deberá contar con una residencia en México con más de tres años comprobables.
El productor teatral y sus partes relacionadas sólo podrán obtener un apoyo al año. Sólo podrán obtener otro apoyo quienes hayan cumplido en tiempo y forma con el compromiso anterior.
Que en caso de que existan gestores de dinero para captar contribuyentes en apoyo al teatro, no sean partes relacionadas de éstos ni de los productores teatrales; por sus servicios podrán obtener máximo de 2.5 por ciento de los recursos conseguidos.
Que se establezcan tabuladores por cada uno de los oficios y necesidades teatrales.
Que se incluya en el costo de la producción teatral el costo de la promoción y publicidad, mismo que no deberá ser superior a 25 por ciento del costo de la producción teatral.
Que la empresa productora y sus integrantes no sean partes relacionadas de las grandes empresas de la comunicación nacional o extranjera.
El apoyo del 226 bis será de hasta dos millones o 80 por ciento del costo de la producción. En el caso de que se cuente con otros apoyos estatales, la suma de los mismos no podrá rebasar 80 por ciento del presupuesto total.
Al momento de terminar la temporada de estreno se deberá realizar una auditoría de cierre obligatoria.
Buscar indexar de forma automática el monto de los 50 millones de acuerdo con la inflación anual del Banco de México.
Explicar las razones del por qué de cada uno de los temas nos haría extendernos a un artículo interminable. Queda abierta la invitación para una reflexión más profunda entre nuestros gremios.
Dice la cultura popular que nadie aprende en cabeza ajena, pero si la comunidad teatral reflexiona sobre lo comentado, esto les permitiría evitar tropezarse con la misma piedra que obstaculizó, por largos periodos, el uso eficiente de los estímulos impulsados por el poder legislativo en beneficio de la ciencia, el arte y la cultura nacional.
Fue en noviembre pasado cuando la Cámara de Diputados avaló el dictámen que adicionó diversos artículos de la Ley del Impuesto Sobre la Renta (ISR), entre ellos el 226-bis, con el cual se ofrecen estímulos fiscales a la producción teatral.
Los estímulos, que en cierto sentido son una forma de crédito fiscal a quienes aporten proyectos de inversión en teatro, no deberán exceder los 50 millones de pesos durante este 2011. Mientras, como máximo, cada contribuyente (léase en este caso, inversionista teatral) puede apoyar a un proyecto hasta con un monto máximo de dos millones de pesos.
Por el momento, este estímulo será únicamente para productores independientes y para su entrega se creará un Comité Interinstitucional, el cual estará encargado de revisar los proyectos que se presenten.
El dictamen en cuestión se aprobó hace tres meses, ya casi en la recta final de 2010, con 446 votos a favor, uno en contra y cinco abstenciones.
La propuesta fue presentada por la comunidad teatral, representada en el Congreso por la senadora y actriz María Rojo.
Sesión informativa, hoy viernes
en el Palacio de las Bellas Artes
A través de un mensaje en este enlace de Facebook, la teatrista moreliana Selma Sánchez compartía la tarde de este miércoles 24 de febrero la siguiente información que fue proporcionada, a su vez, por los teatristas Luz Emilia Aguilar Zínser, José Antonio Cordero Chávez, Dobrina Cristeva, Jaime Chabaud Magnus, Mario Espinoza Ricalde, Flavio González Mello, Luis Mario Moncada Gil y Gabriel Pascal:
“Mañana viernes 25 de febrero a las 10 a.m. se llevará a cabo en el Palacio de Bellas Artes la conferencia de prensa para anunciar la PUESTA EN MARCHA del Estímulo Fiscal al Teatro previsto en el artículo 226-bis de la Ley del Impuesto sobre la Renta (EFITEATRO)”.
“Mediante el mecanismo previsto en dicho artículo, los contribuyentes físicos y morales podrán destinar hasta el 10% de su pago de ISR a la producción de una determinada obra teatral. Se dispondrá de hasta 2 millones de pesos por proyecto y hasta 50 millones de pesos anuales en total. La convocatoria para aplicar al EFITEATRO será anunciada en la conferencia de prensa y será abierta en los próximos días”.
“Es importante que el gremio conozca y utilice esta herramienta, pues en buena medida de eso dependerá que el monto máximo sea incrementado por la Cámara de Diputados el próximo año!”.
Reflexiones de Víctor
Ugalde desde IMCINE
A su vez, en el siguiente enlace de la página de IMCINE, el promotor fílmico Víctor Ugalde se congratula por el apoyo a los teatristas y ofrece las siguientes reflexiones:
Con gran alegría nos enteramos de que la iniciativa de reforma al artículo 226 bis de la Ley del Impuesto sobre la Renta (LISR) en apoyo al teatro mexicano, presentada por la senadora María Rojo con el apoyo de la comunidad teatral, fue recientemente aprobada por el pleno del poder legislativo de forma unánime. Un acto generoso y de justicia en el que se olvidaron los intereses partidistas y ganó el apoyo a este arte, que tanto prestigio ha dado a nuestro país. Este incentivo permite acreditar fiscalmente a los contribuyentes del ISR hasta 50 millones de pesos al año y apoyar hasta con 2 millones por producción teatral.
Este beneficio viene a corregir de forma sustantiva la política de recortes presupuestales para la producción de teatro mexicano, impulsada por el gobierno federal en los años recientes, sobre todo en el gasto directo a la creación dramática nacional.
Con el propósito de que funcione de la mejor manera y lo más pronto posible me permito trasmitir 10 tips, para que el estímulo al teatro mexicano sea democrático, incluyente, transparente y efectivamente pueda utilizarse desde el primero de enero del 2011 y no pase por los avatares, boicots y trampas que sufrió el estímulo del cine o el artículo 219, que se refería al apoyo a la ciencia y la tecnología que desapareció en 2009:
Que se incluya en la Comisión de Redacción de las Reglas, de operación a representantes de los diversos miembros e intereses de la comunidad teatral. Ahí deberían establecer la presencia permanente de invitados del teatro mexicano, con voz pero sin voto, al momento de estudiar y aprobar los proyectos. Estos representantes deberán rotar su presencia cada año sin relección posible.
Cincuenta pro ciento de los proyectos deberán ser de escritor nacional y el idioma será el español o cualquiera de las 56 lenguas indígenas del país. La nacionalidad del director será mexicana; en caso de ser extranjero deberá contar con una residencia en México con más de tres años comprobables.
El productor teatral y sus partes relacionadas sólo podrán obtener un apoyo al año. Sólo podrán obtener otro apoyo quienes hayan cumplido en tiempo y forma con el compromiso anterior.
Que en caso de que existan gestores de dinero para captar contribuyentes en apoyo al teatro, no sean partes relacionadas de éstos ni de los productores teatrales; por sus servicios podrán obtener máximo de 2.5 por ciento de los recursos conseguidos.
Que se establezcan tabuladores por cada uno de los oficios y necesidades teatrales.
Que se incluya en el costo de la producción teatral el costo de la promoción y publicidad, mismo que no deberá ser superior a 25 por ciento del costo de la producción teatral.
Que la empresa productora y sus integrantes no sean partes relacionadas de las grandes empresas de la comunicación nacional o extranjera.
El apoyo del 226 bis será de hasta dos millones o 80 por ciento del costo de la producción. En el caso de que se cuente con otros apoyos estatales, la suma de los mismos no podrá rebasar 80 por ciento del presupuesto total.
Al momento de terminar la temporada de estreno se deberá realizar una auditoría de cierre obligatoria.
Buscar indexar de forma automática el monto de los 50 millones de acuerdo con la inflación anual del Banco de México.
Explicar las razones del por qué de cada uno de los temas nos haría extendernos a un artículo interminable. Queda abierta la invitación para una reflexión más profunda entre nuestros gremios.
Dice la cultura popular que nadie aprende en cabeza ajena, pero si la comunidad teatral reflexiona sobre lo comentado, esto les permitiría evitar tropezarse con la misma piedra que obstaculizó, por largos periodos, el uso eficiente de los estímulos impulsados por el poder legislativo en beneficio de la ciencia, el arte y la cultura nacional.
Función en El Rincón de los sentidos
Cumple 50 representaciones
La pieza Round de sombras
Recién separados, el bioquímico Andrés Belaunzarán (David Hurtado) y la ejecutiva bursátil Julia (Aidet Fuentes Mapourmé) se reúnen una noche en la casa que compartieron. Él la ha invitado a cenar y durante el encuentro se muestra obsequioso, atento: busca una reconciliación. Ella, en cambio, se resguarda detrás de una calculada armadura de frialdad y sarcasmo por la que resbalan los intentos de Andrés en pos de empatía.
La cena se desarrolla con intensidad, entre diálogos que transitan activamente de las confidencias al enfrentamiento y al reproche mutuo. A través de ellos podemos reconstruir la historia de los personajes y, sobre todo, la naturaleza del momento que están compartiendo: una vez perdido el amor y con las heridas frescas y abiertas, no queda más que revolcarse entre los escombros de la intriga, el entredevoramiento mutuo y la desidealización.
Así: agria, irónica, de momentos dolorosos y un final contundente, Round de sombras hace de sus dos protagonistas ejemplares perfectos para la vivisección del desencanto, de los egoísmos, de los celos y de la culpa, pero sobre todo, permite la vivisección del amor como un duelo de poder.
Y en ese duelo cada uno de los enamorados, en nombre del amor, buscará (y logrará) la cruel destrucción del otro.
Un texto amplio, dedicado a la temporada de estreno de esta pieza, se puede visitar en este enlace, que incluye un video a la primera versión del ejercicio, ofrecida en el CEDART Miguel Bernal Jiménez.
La cena se desarrolla con intensidad, entre diálogos que transitan activamente de las confidencias al enfrentamiento y al reproche mutuo. A través de ellos podemos reconstruir la historia de los personajes y, sobre todo, la naturaleza del momento que están compartiendo: una vez perdido el amor y con las heridas frescas y abiertas, no queda más que revolcarse entre los escombros de la intriga, el entredevoramiento mutuo y la desidealización.
Así: agria, irónica, de momentos dolorosos y un final contundente, Round de sombras hace de sus dos protagonistas ejemplares perfectos para la vivisección del desencanto, de los egoísmos, de los celos y de la culpa, pero sobre todo, permite la vivisección del amor como un duelo de poder.
Y en ese duelo cada uno de los enamorados, en nombre del amor, buscará (y logrará) la cruel destrucción del otro.
Un texto amplio, dedicado a la temporada de estreno de esta pieza, se puede visitar en este enlace, que incluye un video a la primera versión del ejercicio, ofrecida en el CEDART Miguel Bernal Jiménez.
Originalmente, este trabajo duraba unos treinta minutos (un acierto, pues la economía de tiempo quedaba al servicio de la intensidad del contenido. Además, no debe olvidarse que Round de sombras es apenas una de las tres piezas de un tríptico).
Sin embargo, para participar en la Muestra Estatal de Teatro de 2009, que solicitaba trabajos de una duración mínima de 50 minutos, el equipo de Silencio Teatro optó por elaborar, a modo de experimento, una “segunda vuelta” repitiendo la pieza, pero invirtiendo los roles de los personajes (Julia es la laboratorista introvertida que invita a cenar a Andrés, el empleado bursátil y es ella la que finalmente desfigura el rostro de su compañero).
La idea, surgida al amparo del taller de dirección impartido en Morelia, dentro de las actividades previas de la muestra, es buena, ya que pone en perspectiva el rol de cada personaje y, sobre todo, introduce una variante para calibrar las reacciones del público ante una tipología femenina distinta.
La función del miércoles, en el café El Rincón de los Sentidos, ha tenido sus bemoles, ante todo porque ha debido medirse al entorno propio del teatro-bar, que no garantiza el control de todos los elementos implícitos en la puesta y ha debido ajustarse a los distractores e imponderables propios de un foro de ese tipo. Con todo, los resultados han valido la pena, como se puede ver en el siguiente video.
Sin embargo, para participar en la Muestra Estatal de Teatro de 2009, que solicitaba trabajos de una duración mínima de 50 minutos, el equipo de Silencio Teatro optó por elaborar, a modo de experimento, una “segunda vuelta” repitiendo la pieza, pero invirtiendo los roles de los personajes (Julia es la laboratorista introvertida que invita a cenar a Andrés, el empleado bursátil y es ella la que finalmente desfigura el rostro de su compañero).
La idea, surgida al amparo del taller de dirección impartido en Morelia, dentro de las actividades previas de la muestra, es buena, ya que pone en perspectiva el rol de cada personaje y, sobre todo, introduce una variante para calibrar las reacciones del público ante una tipología femenina distinta.
La función del miércoles, en el café El Rincón de los Sentidos, ha tenido sus bemoles, ante todo porque ha debido medirse al entorno propio del teatro-bar, que no garantiza el control de todos los elementos implícitos en la puesta y ha debido ajustarse a los distractores e imponderables propios de un foro de ese tipo. Con todo, los resultados han valido la pena, como se puede ver en el siguiente video.
Propuesta del grupo ContrapesoZapata, de Magdaleno:
la lógica de la traición
Algunos aspectos de la puesta en escena en dirección de Roberto Briceño, ofrecida a fines de enero en el foro La Bodega, en Morelia.
Del 25 al 29 de enero se presentó en Morelia, en el foro teatral La Bodega, de la Secretaría de Cultura, el auto trágico Zapata. La puesta se basa en la dramaturgia original de Mauricio Magdaleno y en dirección de Roberto Briceño. El texto fue seleccionado a fines de 2009 por la agrupación teatral Contrapeso para sumarse a una serie de actividades escénicas relacionadas con las conmemoraciones del bicentenario de la independencia y el centenario de la Revolución Mexicana.
En un primer momento, hacia marzo de 2010, el trabajo se presentó con el formato de una lectura dramatizada, en el ya extinto foro El Refugio del Juglar y varios meses después fue estrenada la versión escénicamente completa, que en su momento no pude ver.
Ahora, la temporada cumplida a fines del mes pasado me permitió al fin conocer la versión definitiva de la adaptación de Contrapeso.
Dividida en dos actos, Zapata formula un estudio de la traición como la gran clave que explica muchos hechos de nuestra historia. Esta propuesta se ocupa de tres momentos clave para el destino final de Emiliano Zapata, distribuidos entre 1917 y 1919.
En el primer tiempo vemos cómo, al seno del ejército suriano, los líderes de la bola cuestionan la lealtad del profesor Otilio Montaño, uno de los luchadores más veteranos del movimiento e integrante de la cúpula zapatista. Desilusionado por la violencia y la anarquía propias de toda guerra y en pos de soluciones diplomáticas, Montaño ha entrado en arriesgados tratos con el enemigo, colocándose al filo de la lealtad.
Entre el cariño que le guarda Zapata y los duros cuestionamientos de su propia gente, el general Montaño terminará por ser fusilado (tras el incidente de la revuelta en Buenavista de Cuéllar).
En el segundo tiempo de la puesta en escena, ubicado dos años más tarde, vemos cómo se desarrolla la emboscada contra Zapata que ha sido planeada por el general Pablo González, la cual es emprendida por el muy joven y ambicioso general gonzalista José María Guajardo, a la sazón de apenas 27 años de edad, quien se gana la confianza de los revolucionarios y conduce a Zapata, ya cuarentón, al lugar de su sacrificio.
En el tercer tiempo, consumado el crimen en Chinameca, el general Guajardo celebra el éxito de su operación y sueña con los beneficios que espera recibir, absolutamente ciego al destino que le aguarda a él mismo (murió fusilado un año más tarde, luego de abandonar las filas de Carranza para declararle su lealtad a Álvaro Obregón).
Para quienes deseen abundar o repasar un primer texto, aún válido, acerca de esta puesta, pueden visitar el post que publiqué el 25 de marzo en este mismo blog pulsando este enlace.
Mientras, la versión definitiva de Zapata, a cargo de Contrapeso, tiene sus aciertos y sus puntos débiles. De los primeros sobresale la escenografía, que se puede valorar bien en el video que acompaña a este material. De los segundos, algo ha ocurrido que no ha permitido que actoralmente la puesta vaya más allá de los (muy buenos, eso sí) resultados que se alcanzaron durante las presentaciones del trabajo como una lectura dramatizada.
Hay sus matices, claro. La actriz Metzery Jacobo, quien interpreta a Remedios, la compañera del caudillo, ha mejorado sustancialmente y su personaje convence. Sin embargo, los demás parecen haber encontrado difícil remontar los hallazgos que ya estaban prefigurados en la lectura de hace un año, entre ellos el personaje (nuevo) desarrollado por / para la actriz Sheila A. Rodríguez, que ha pasado de ser una mera narradora anónima e impersonal, a encarnar una coronela.
Pero el trabajo aporta reflexiones valiosas sobre la lógica que ha predominado en las diferentes luchas de poder y de transformación social en México y tiene, indudablemente, una vigencia real en los tiempos que vivimos.
En un primer momento, hacia marzo de 2010, el trabajo se presentó con el formato de una lectura dramatizada, en el ya extinto foro El Refugio del Juglar y varios meses después fue estrenada la versión escénicamente completa, que en su momento no pude ver.
Ahora, la temporada cumplida a fines del mes pasado me permitió al fin conocer la versión definitiva de la adaptación de Contrapeso.
Dividida en dos actos, Zapata formula un estudio de la traición como la gran clave que explica muchos hechos de nuestra historia. Esta propuesta se ocupa de tres momentos clave para el destino final de Emiliano Zapata, distribuidos entre 1917 y 1919.
En el primer tiempo vemos cómo, al seno del ejército suriano, los líderes de la bola cuestionan la lealtad del profesor Otilio Montaño, uno de los luchadores más veteranos del movimiento e integrante de la cúpula zapatista. Desilusionado por la violencia y la anarquía propias de toda guerra y en pos de soluciones diplomáticas, Montaño ha entrado en arriesgados tratos con el enemigo, colocándose al filo de la lealtad.
Entre el cariño que le guarda Zapata y los duros cuestionamientos de su propia gente, el general Montaño terminará por ser fusilado (tras el incidente de la revuelta en Buenavista de Cuéllar).
En el segundo tiempo de la puesta en escena, ubicado dos años más tarde, vemos cómo se desarrolla la emboscada contra Zapata que ha sido planeada por el general Pablo González, la cual es emprendida por el muy joven y ambicioso general gonzalista José María Guajardo, a la sazón de apenas 27 años de edad, quien se gana la confianza de los revolucionarios y conduce a Zapata, ya cuarentón, al lugar de su sacrificio.
En el tercer tiempo, consumado el crimen en Chinameca, el general Guajardo celebra el éxito de su operación y sueña con los beneficios que espera recibir, absolutamente ciego al destino que le aguarda a él mismo (murió fusilado un año más tarde, luego de abandonar las filas de Carranza para declararle su lealtad a Álvaro Obregón).
Para quienes deseen abundar o repasar un primer texto, aún válido, acerca de esta puesta, pueden visitar el post que publiqué el 25 de marzo en este mismo blog pulsando este enlace.
Mientras, la versión definitiva de Zapata, a cargo de Contrapeso, tiene sus aciertos y sus puntos débiles. De los primeros sobresale la escenografía, que se puede valorar bien en el video que acompaña a este material. De los segundos, algo ha ocurrido que no ha permitido que actoralmente la puesta vaya más allá de los (muy buenos, eso sí) resultados que se alcanzaron durante las presentaciones del trabajo como una lectura dramatizada.
Hay sus matices, claro. La actriz Metzery Jacobo, quien interpreta a Remedios, la compañera del caudillo, ha mejorado sustancialmente y su personaje convence. Sin embargo, los demás parecen haber encontrado difícil remontar los hallazgos que ya estaban prefigurados en la lectura de hace un año, entre ellos el personaje (nuevo) desarrollado por / para la actriz Sheila A. Rodríguez, que ha pasado de ser una mera narradora anónima e impersonal, a encarnar una coronela.
Pero el trabajo aporta reflexiones valiosas sobre la lógica que ha predominado en las diferentes luchas de poder y de transformación social en México y tiene, indudablemente, una vigencia real en los tiempos que vivimos.
Taller de "Hom-tah": Rocío
Díaz en el Museo del Estado
Díaz en el Museo del Estado
Rocío Díaz interpretando una improvisación al Hom-tah durante la presentación del taller que se emprende esta semana en el Museo del Estado, por las tardes, a partir de las 17:00 horasLa videoasta, fotógrafa y compositora moreliana Rocío Díaz imparte en el Museo del Estado un curso-taller dedicado a la confección de hom-tah, un instrumento de viento, de origen precolombino, que se elabora con el quiote de la planta del agave.
Rocío Díaz emprendió este lunes una conferencia y demostración del Hom-Tah, que ofrece una sonoridad profunda, como la de las caracolas o la de otros instrumentos aborígenes como el "didgeridoo" australiano.
El taller da continuidad a un proyecto emprendido por la autora en el Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras CMMAS, en Morelia, en el cual desarrolló un proyecto de grabación y experimentación sonora para la difusión y conservación del Hom-tah.
En su conjunto, ese proyecto tiene como objetivo difundir, recuperar, preservar e integrar a la vida cotidiana la práctica del Hom-tah. Este instrumento, también conocido como huaje, bocina, corneta purépecha o trompeta maya, está hecho de quiote de agave seco y quemado por dentro ó carcomido por termita. Para tocarlo, se utiliza la técnica de la respiración circular, que es la misma que se utiliza en el instrumento aborigen australiano "didgeridoo" y, en general, en todos los instrumentos de viento.
Durante esta semana, a partir de las cinco de la tarde, todos los días está sesionando el taller gratuito, en el que se prepararán quiotes para convertirlos en instrumentos musicales.
En el video, aquí abajo, aspectos de la presentación en Morelia.
Derecho Cultural, sesiónde coloquio en Morelia
Para concluir las actividades emprendidas en 2010 e interrumpidas por el clima de violencia e inseguridad que vivió Michoacán a finales del año pasado, esta semana se emprendió en Morelia la última sesión de trabajo correspondiente a la segunda reunión del coloquio Derechos Culturales en Michoacán, aproximaciones a su estudio, que se realiza en la División de Estudios de Postgrado de la Facultad de Derecho y Ciencias Sociales de la UMSNH. La actividad tiene como marco el curso-seminario Historia de los Derechos Culturales.
La sesión, que debió celebrarse originalmente el jueves 9 de diciembre de 2010, se conformó por dos mesas de trabajo en las que se presentaron las ponencias “De la construcción al reconocimiento de la identidad cultural en el texto constitucional mexicano” (María Isabel Domínguez Herrera), “La fotografía como medio para proteger la memoria histórica michoacana” (Andrea Janet Serna Hernández), “Breves notas sobre la imprenta en la Nueva España” (Gabriela Ponce Báez), “El derecho a la difusión de la memoria oral como identidad de los patzucarenses a través del cuentacuentos” (Gabriela Arellano Molina), “La educación como derecho cultural” (Yadira Espinoza Suazo) Y “Análisis teórico de los derechos culturales” (Indhira Karina Sánchez Sepúlveda).
En el curso seminario participan 14 académicos procedentes en su mayoría de las facultades de Derecho y de Economía de la UMSNH, quienes preparan sus tesis de maestría y se internan en la asignatura, relativamente reciente, de los Derechos Culturales.
El seminario cuenta con la asesoría del doctor Bolfy Cottom, quien es investigador de la Dirección de Estudios Históricos (DEH) del INAH, maestro en Derecho Constitucional y Administrativo, así como catedrático de dichas materias en la Escuela Nacional de Antropología e Historia y en la Universidad Nacional Autónoma de México.
El presente post incluye cinco clips de video que registran lo esencial de las participaciones de la primera de dos mesas de trabajo.
Las intervenciones documentadas corresponden al doctor Cottom (en la apertura de la jornada y en las conclusiones a la primera mesa), así como a María Isabel Domínguez Herrera, Andrea Janet Serna Hernández y Gabriela Ponce Báez.
Palabras de introducción en el coloquio Derehos Culturales en Michoacán, realizado en la división de postgrado de la facultad de Derecho, en Morelia.
Durante el inicio de la jornada de trabajo, el doctor Cottom recordó que la del derecho cultural es una temática prácticamente inédita en nuestro país, aunque que ha tenido un fuerte auge en organismos internacionales como la OEA y la UNESCO, así como en otros estados nacionales. El resultado de este estado de cosas es que “en México, los interesados en este campo nos hemos tenido que nutrir teóricamente de las realidades de países como España y Argentina, donde la asignatura del derecho cultural es un importante tema de estudio permanente”.
“A partir de ahí, la idea del seminario que se emprende en Morelia consiste en responder al reto de cómo construir nuestra propia experiencia teórico conceptual y no vivir dependiendo de un colonialismo conceptual”.
Intervención de Isabel Domínguez.
El especialista explica que, partiendo desde la base de un concepto núcleo, lo que el seminario trata de hacer es revisar lo que ha sido la historia institucional y aquella relacionada con formas identitarias y con expresiones culturales, “a fin de que ese ejercicio nos lleve en alguna medida a tener una idea de lo que significaría en concreto el derecho cultural”.
Reconoció que esta es una temática sumamente compleja, ya que “en abstracto se plantea muy bien e incluso se resuelve bien en términos teóricos, pero al momento de tratar de darle contenidos y de aterrizar lo teórico es donde comienzan las complicaciones, ya que no es solamente un desafío intelectual, sino un desafío de metodologías, de construcción de categorías, etcétera”.
Participación de Andrea Serna.
Por esta razón consideró que es mucho más valioso el trabajo que se emprende en este seminario, a partir de los ejercicios que emprenden los 14 participantes, ya que se trata de transformar toda la parte teórica en una parte teórico-práctica que a mediano y largo plazo pueda formular propuestas a la autoridad para afrontar a las situaciones que se viven en materia de derecho cultural.
“En la medida en que más gente esté formada y sepa lo que esto significa, habrá más elementos de participación y un espectro más amplio que pueda nutrirnos para orientar mejor el criterio de las autoridades”, ya que los asuntos relacionados con el derecho cultural plantea problemas que no pueden ser resueltos únicamente a nivel del gobierno federal, sino que tienen que ver con los gobiernos locales y, sobre todo, con la participación social.
Exposición de Gabriela Ponce.
Hacia el término de esta sesión del seminario, el doctor Cottom acentuó ante los participantes que “uno de los desafíos que tenemos es que estos temas que ahora se presentan podamos transformarlos en proyectos, de tal manera que lleguemos a una propuesta teórica de cuáles serían los derechos culturales michoacanos de una manera muy concreta, muy específica, con todo el sustento teórico, sociológico, antropológico, etcétera”, a fin de colaborar a desarrollar a una protección razonada y organizada del patrimonio.
En otro momento puntualizaría que estas acciones son prioritarias. “La situación es muy dramática porque no hay una política de Estado en materia de cultura; hay una crisis en los paradigmas que orientaban dicha política de Estado y nos encontramos además en un contexto de globalización y de crisis del concepto de Nación, que está siendo absorbido por un contexto mercantilista de regulación del capital, en donde todo es visto y valorado desde la perspectiva económica. Y si somos conscientes de que las actuales instituciones nacieron en un contexto distinto, cuya vocación era nacionalista y donde la existencia de los bienes era fundamental en la identidad cultural, reconoceremos que ahora, en este momento, todo eso ya no le sirve al sistema, a la estructura que empieza a construirse”.
Conlusiones a la primera mesa, por Bolfy Cottom
Erase una vez... / Carolina González Medina
Boca de cereza
A.M.O.R.Hijos de su tiempo (pues ¿qué belleza clásica puedes encontrar en una sociedad post-posmoderna en abierto proceso de descomposición interna, como la nuestra?), los irreprochables óleos de Carolina González ofrecen ante todo un curioso viraje al espíritu romántico que los habita, parcialmente enmascarado en una postura kitsch.
Yo ignoro si la autora se haya deslizado deliberadamente en la trayectoria que voy a sugerir en este párrafo, pero la primera impresión que me produjo esta colección de retratos fue la de un profundo sentimiento de ironía contra esos populares óleos decorativos en los que aparecen niños o payasos con una furtiva lagrimita rodando por sus mejillas. Supongo que todos los han visto y saben a qué me refiero. La observación la formulo como un halago. La autora emplea una paleta de colores directos, fuertes, primarios; con ellos revisita algunas de las imágenes más emblemáticas del sentimentalismo barato (conejos de peluche, payasos mustios, etcétera), pero toma todo el empalagoso melodrama de esos tópicos y lo revierte a través de lo grotesco, de lo cruel y de lo irónico. El resultado es una colección de lienzos de una potencia vehemente, vibrante, que en sus momentos más intensos rozan sin cortapisas el horror.
Yo ignoro si la autora se haya deslizado deliberadamente en la trayectoria que voy a sugerir en este párrafo, pero la primera impresión que me produjo esta colección de retratos fue la de un profundo sentimiento de ironía contra esos populares óleos decorativos en los que aparecen niños o payasos con una furtiva lagrimita rodando por sus mejillas. Supongo que todos los han visto y saben a qué me refiero. La observación la formulo como un halago. La autora emplea una paleta de colores directos, fuertes, primarios; con ellos revisita algunas de las imágenes más emblemáticas del sentimentalismo barato (conejos de peluche, payasos mustios, etcétera), pero toma todo el empalagoso melodrama de esos tópicos y lo revierte a través de lo grotesco, de lo cruel y de lo irónico. El resultado es una colección de lienzos de una potencia vehemente, vibrante, que en sus momentos más intensos rozan sin cortapisas el horror.
Brian WarnerEs indudable que sólo en un momento como el actual sería posible una manifestación como la que nutre los contenidos de Erase una vez…
Por confrontación y contraste, los óleos A.M.O.R. y Primera cita son probablemente los mejores ejemplos del espíritu que anima a esta exposición.
En A.M.O.R. aparece en el lienzo una figura ajada, prematuramente avejentada, de rostro deforme, llena de cicatrices y de llagas abiertas. La presencia repta cual zombie sobre un gatito blanco en medio de una atmósfera enrarecida, de mazmorra, donde los claroscuros ensombrecen y acentúan todavía más la asfixiante circunstancia.
En Primera cita una pequeña niña de párpados hinchados y enrojecidos posa para la foto sentada al lado de un grotesco personaje cuya sonrisa es en realidad una cicatriz, pero el elemento verdaderamente inquietante de esta estampa es la figura del diminuto gatito de inmaculado blanco que el monstruoso personaje de agresivos atuendos rojos lleva en el brazo (la corrupción de la inocencia).
Así pues, el placer por lo grotesco representa, en Érase una vez… una forma de protesta.
Carolina González saca el aguijón y se lanza a asaetear todo el glamour y todo el sentimentalismo que halla en lo cotidiano para develar lo que hay debajo de las formas relamidas de todos los días.
Por eso pienso que no es gratuito, en este sentido, que uno de los personajes que aparecen en las obras de esta exposición sea Marilyn Manson. Como Manson, Carolina se bate contra los espectros de la doble moral (en el caso de Manson era inevitable, dadas sus experiencias en la ultraconservadora Heritage Christian School de los años setenta donde sus padres lo refundieron a estudiar; pero en el de Carolina también, dados los hiper intoxicados escenarios que vivimos).
Por confrontación y contraste, los óleos A.M.O.R. y Primera cita son probablemente los mejores ejemplos del espíritu que anima a esta exposición.
En A.M.O.R. aparece en el lienzo una figura ajada, prematuramente avejentada, de rostro deforme, llena de cicatrices y de llagas abiertas. La presencia repta cual zombie sobre un gatito blanco en medio de una atmósfera enrarecida, de mazmorra, donde los claroscuros ensombrecen y acentúan todavía más la asfixiante circunstancia.
En Primera cita una pequeña niña de párpados hinchados y enrojecidos posa para la foto sentada al lado de un grotesco personaje cuya sonrisa es en realidad una cicatriz, pero el elemento verdaderamente inquietante de esta estampa es la figura del diminuto gatito de inmaculado blanco que el monstruoso personaje de agresivos atuendos rojos lleva en el brazo (la corrupción de la inocencia).
Así pues, el placer por lo grotesco representa, en Érase una vez… una forma de protesta.
Carolina González saca el aguijón y se lanza a asaetear todo el glamour y todo el sentimentalismo que halla en lo cotidiano para develar lo que hay debajo de las formas relamidas de todos los días.
Por eso pienso que no es gratuito, en este sentido, que uno de los personajes que aparecen en las obras de esta exposición sea Marilyn Manson. Como Manson, Carolina se bate contra los espectros de la doble moral (en el caso de Manson era inevitable, dadas sus experiencias en la ultraconservadora Heritage Christian School de los años setenta donde sus padres lo refundieron a estudiar; pero en el de Carolina también, dados los hiper intoxicados escenarios que vivimos).
Caperuza del bosqueAsí pues, he aquí, en los 13 lienzos de la exposición, un anecdotario de sensaciones e improntas oscuras para las que caben casi todos los adjetivos: espanto, obscenidad y, desde luego, peligro. Pero sería tonto quedarnos en la mera apariencia exterior, porque lo que vemos es Erase una vez… es una colección de monstruos internos.
Atenta a la cultura de la que ha abrevado junto con su generación, todos estos monstruos que nos ofrece Carolina fluyen a partir de referencias que nos han legado el cuento de hadas tradicional (como en el óleo Caperucita Roja), pero también los medios masivos de comunicación de nuestro tiempo: la música (Marilyn Manson), el cine (el Freddy Krueger de Pesadilla en la Calle del Infierno, la Heather de El proyecto de la bruja de Blair), la televisión (el asombroso parecido del personaje de El camerino de mamá con Montgomery Burns) e incluso las leyendas urbanas.
Sin embargo, aunque las referencias han sido tomadas de ámbitos como estos, Carolina González ha emprendido la esencial operación de interiorizarlas y cargarlas de lecturas singularizadas y, por tanto, novedosas. Ya sea caricaturizándolas, ya ironizando sobre ellas o presionando contrastes metafóricos. En todos los casos les devuelve a esas presencias el papel de entidades que moran (especialmente hoy) en la intimidad más inmediata de nuestra imaginación, como la espuma o la escoria de materiales internos en estado de fermentación.
Atenta a la cultura de la que ha abrevado junto con su generación, todos estos monstruos que nos ofrece Carolina fluyen a partir de referencias que nos han legado el cuento de hadas tradicional (como en el óleo Caperucita Roja), pero también los medios masivos de comunicación de nuestro tiempo: la música (Marilyn Manson), el cine (el Freddy Krueger de Pesadilla en la Calle del Infierno, la Heather de El proyecto de la bruja de Blair), la televisión (el asombroso parecido del personaje de El camerino de mamá con Montgomery Burns) e incluso las leyendas urbanas.
Sin embargo, aunque las referencias han sido tomadas de ámbitos como estos, Carolina González ha emprendido la esencial operación de interiorizarlas y cargarlas de lecturas singularizadas y, por tanto, novedosas. Ya sea caricaturizándolas, ya ironizando sobre ellas o presionando contrastes metafóricos. En todos los casos les devuelve a esas presencias el papel de entidades que moran (especialmente hoy) en la intimidad más inmediata de nuestra imaginación, como la espuma o la escoria de materiales internos en estado de fermentación.
ConejoteHe aquí, pues, imágenes que nos persiguen y que nos desafían. La naturaleza de ese desafío es muy precisa. Al enfrentarnos a estas visiones Carolina nos recuerda, simplemente, que a las imágenes, como a las palabras, no hay que tenerles miedo; no están allí para asustarnos (aunque puedan rozarnos con su espanto) sino para llamarnos a entenderlas. Este es uno de los valores que yo más recupero de esta tortuosa y temperamental exposición. A fin de cuentas, lo que hace Carolina es preguntarse / preguntarnos cómo son nuestros monstruos. Es importante saberlo y para ello es preciso exhibirlos a la luz. Sólo así podemos empezar a saber lo que necesitamos acerca de ellos: describir su forma, su color, su dimensión, sus expresiones.
Esta exigencia de conocimiento, de la cual da cuenta cada uno de los óleos de esta muestra, es el acierto fundamental de algo que, de otro modo, no pasaría de ser una chocante colección de figuraciones grotescas.
Esta exigencia de conocimiento, de la cual da cuenta cada uno de los óleos de esta muestra, es el acierto fundamental de algo que, de otro modo, no pasaría de ser una chocante colección de figuraciones grotescas.
Enojo azulTécnicamente, a la recién egresada de la Escuela Popular de Bellas Artes no le duele nada. Lo más cautivante de las obras desde este punto de vista es la manera precisa en que la autora maneja la temperatura del color para darle una gran fisicidad, una rotunda contundencia material, carnal, a sus personajes retratados. En estos términos, pero sin pretender ningún hiperrealismo, hay una extraordinaria veracidad.
Es importante acentuar esa dimensión “física” que alcanza la autora en sus mejores trabajos (entre ellos los retratos Boca de cereza y Pucheritos). Muy cuidadosa con lo técnico, pero todavía con una mirada muy fresca, los títulos de la exposición son también el fiel reflejo de un temperamento y un carácter fuertes, directos y poderosos.
Es importante acentuar esa dimensión “física” que alcanza la autora en sus mejores trabajos (entre ellos los retratos Boca de cereza y Pucheritos). Muy cuidadosa con lo técnico, pero todavía con una mirada muy fresca, los títulos de la exposición son también el fiel reflejo de un temperamento y un carácter fuertes, directos y poderosos.
El camerino de mamáMás allá de lo técnico es preciso, casi para concluir, señalar que el enfoque con el que Carolina ha acometido este trabajo también se mantiene atento a la manera en que lo monstruoso ha sido mediatizado en el mundo actual.
Y decir “mediatizar” es, en este caso, sinónimo de “domesticar”. Moviéndose a medio camino entre la resistencia y la inercia hacia ese proceso, en los trabajos hay un sentido de fascinación (casi de espectáculo) en esta calculada teratología pictórica. Sin embargo, este sentido… digamos, “teatral”, coexiste con la crítica y la mirada intensa, terrible y caótica, que finalmente legitima cuanto se expone a la vista del público.
Y decir “mediatizar” es, en este caso, sinónimo de “domesticar”. Moviéndose a medio camino entre la resistencia y la inercia hacia ese proceso, en los trabajos hay un sentido de fascinación (casi de espectáculo) en esta calculada teratología pictórica. Sin embargo, este sentido… digamos, “teatral”, coexiste con la crítica y la mirada intensa, terrible y caótica, que finalmente legitima cuanto se expone a la vista del público.
La primera cita
Niña con cicatrizEspejo y ventana de los horrores cotidianos del presente, Erase una vez… es un campanazo, una llamada de atención hacia las derivaciones monstruosas que conformamos todos los días a partir de nuestra forma de vivir y de las configuraciones de la época que (para bien y para mal) nos ha tocado. Es cierto. Basta lanzar una ojeada alrededor para confirmar que “el caos y la monstruosidad se han sentado con nosotros a la mesa y cenan familiarmente con nosotros”. Somos sus hijos, sus padres, sus amantes y hermanos.
Estas formas corruptas de alteridad proyectan en nosotros sus luces y sombras como las manifestaciones más directas de alienadas víctimas y victimarios indiferenciados en la cultura de una postmodernidad en crisis.
Una exposición que proyecta algunos de los más íntimos deseos de nuestro siglo cruel, a la vez anestesiado y sobre-estimulado, develando como una certeza lo que hasta poco antes sólo fue la sospecha de que todas estas monstruosidades palpitantes y vehementes no son sino una sucesión de fracasos, tal como lo dicta insidiosamente la cultura de la muerte que se empeña en marcarnos con su sino.
Estas formas corruptas de alteridad proyectan en nosotros sus luces y sombras como las manifestaciones más directas de alienadas víctimas y victimarios indiferenciados en la cultura de una postmodernidad en crisis.
Una exposición que proyecta algunos de los más íntimos deseos de nuestro siglo cruel, a la vez anestesiado y sobre-estimulado, develando como una certeza lo que hasta poco antes sólo fue la sospecha de que todas estas monstruosidades palpitantes y vehementes no son sino una sucesión de fracasos, tal como lo dicta insidiosamente la cultura de la muerte que se empeña en marcarnos con su sino.
Osuridad
Pucheritos
La asociación civil Cooperación Sociedad y Arte (COSA) dio a conocer este jueves la convocatoria para la tercera edición del Festival de Arte de la Tierra Volcán Paricutin, que es uno de los proyectos que este año recibe financiamiento por parte del Sistema Estatal de Creadores de Michoacán. El documento está dirigido a artistas residentes en Michoacán, a los cuales invita a presentar proyectos para participar en el Tercer Festival de Arte de la Tierra Volcán Paricutin, proponiendo ejercicios plásticos en el paisaje (instalaciones, ambientaciones, arte sonoro, performance, happening, etc.) bajo los siguientes lineamientos:
1. Se seleccionarán 3 participaciones de artistas residentes en Michoacán.
2. Se puede participar en individual o en colectivo (no siendo mayor a 3 personas)
3. Las propuestas deben estar encaminadas al paisaje formado por la lava, siendo el camino de piedras el espacio físico que se intervendrá.
4. Las propuestas deben ser pensadas para hacerse con materiales biodegradables, preferentemente del mismo lugar, o bien comprometerse a limpiar y retirar todo el material que pueda agredir al ecosistema del lugar.
5. También se pueden hacer propuestas que tengan como eje la interacción con la comunidad y tomar al espacio público como soporte de la propuesta.
6. Las propuestas deberán llevarse a cabo en el periodo que comprende la residencia artística (25 de abril al 4 de mayo del 2011) y los seleccionados se comprometerán a explicar y permanecer al tanto de sus piezas los días del festival (5, 6 y 7 de mayo del 2011)
7. A las propuestas seleccionadas se les cubrirá lo referente a materiales y herramientas, y a los artistas la residencia en el campamento.
8. Cada artista deberá llegar por sus propios medios hasta la comunidad de Angahuan y permanecer allí durante el periodo de residencia y festival.
9. Las propuestas serán recibidas vía correo electrónico y deberán contar con la siguiente información (en agregado, de preferencia capturada en word 97 o en formato PDF):
9.1 propuesta plástica
9.2 calendario de trabajo
9.3 lista de materiales y herramientas
9.4 curriculo vitae
9.5 copia de identificación oficial (IFE de preferencia).
9.6 Un portafolio de imágenes con obra reciente
10. La convocatoria queda abierta desde el día de hoy y hasta el día 5 de febrero del presente año a las 20 :00 horas (tomado en cuenta la fecha de envío que marque el correo electrónico) Las propuestas deberán ser envíadas a la siguiente dirección electrónica: festivaldeartedelatierra@gmail.com
11. No se aceptará ninguna propuesta que llegue después de la fecha de cierre.
12. Los resultados serán comunicados de manera personal a los seleccionados a la brevedad posible.
Cualquier duda o aclaración a la presente puede ser consultada al correo electrónico: festivaldeartedelatierra@gmail.com
1. Se seleccionarán 3 participaciones de artistas residentes en Michoacán.
2. Se puede participar en individual o en colectivo (no siendo mayor a 3 personas)
3. Las propuestas deben estar encaminadas al paisaje formado por la lava, siendo el camino de piedras el espacio físico que se intervendrá.
4. Las propuestas deben ser pensadas para hacerse con materiales biodegradables, preferentemente del mismo lugar, o bien comprometerse a limpiar y retirar todo el material que pueda agredir al ecosistema del lugar.
5. También se pueden hacer propuestas que tengan como eje la interacción con la comunidad y tomar al espacio público como soporte de la propuesta.
6. Las propuestas deberán llevarse a cabo en el periodo que comprende la residencia artística (25 de abril al 4 de mayo del 2011) y los seleccionados se comprometerán a explicar y permanecer al tanto de sus piezas los días del festival (5, 6 y 7 de mayo del 2011)
7. A las propuestas seleccionadas se les cubrirá lo referente a materiales y herramientas, y a los artistas la residencia en el campamento.
8. Cada artista deberá llegar por sus propios medios hasta la comunidad de Angahuan y permanecer allí durante el periodo de residencia y festival.
9. Las propuestas serán recibidas vía correo electrónico y deberán contar con la siguiente información (en agregado, de preferencia capturada en word 97 o en formato PDF):
9.1 propuesta plástica
9.2 calendario de trabajo
9.3 lista de materiales y herramientas
9.4 curriculo vitae
9.5 copia de identificación oficial (IFE de preferencia).
9.6 Un portafolio de imágenes con obra reciente
10. La convocatoria queda abierta desde el día de hoy y hasta el día 5 de febrero del presente año a las 20 :00 horas (tomado en cuenta la fecha de envío que marque el correo electrónico) Las propuestas deberán ser envíadas a la siguiente dirección electrónica: festivaldeartedelatierra@gmail.com
11. No se aceptará ninguna propuesta que llegue después de la fecha de cierre.
12. Los resultados serán comunicados de manera personal a los seleccionados a la brevedad posible.
Cualquier duda o aclaración a la presente puede ser consultada al correo electrónico: festivaldeartedelatierra@gmail.com
Ese instante. Políptico sobre papel tapizAquel emblemático horror al vacío que definió el espíritu del barroco hace ya varias centurias se ha transformado en Tapicería: Camuflaje en un permanente telón de ruido que es la antítesis de lo barroco: no anula el vacío, lo alimenta. No aporta significados singularizantes, establece estándares. No individualiza, conspira para anegar toda presencia de un Yo en la indistinta marea de lo general.
Esto es así porque los ritmos uniformes e impersonales de los diferentes diseños de papel tapiz que sirven de soporte y fondo a los óleos de Angélica Sánchez en esta exposición devienen una maraña que busca anular la forma y que intenta destruir el espacio necesario para su existencia. No lo consigue, desde luego… o dejaría de ser pintura. Pero esta permanente tensión entre uniformidad y forma (es decir, entre los ritmos muertos, reiterativos, onanistas de los fondos, y la voluntad de ser implícita en las presencias que los habitan), es el conflicto que da sentido a los contenidos de la muestra.
Tapicería: Camuflaje fue inaugurada el martes 11 de enero en la Arcada Mayor de la Casa de la Cultura de Morelia y es la primera exposición abierta en la capital michoacana en este 2011.
La muestra ha llegado a Michoacán luego de una temporada de exhibición, el año pasado, en el Museo de Arte Contemporáneo Número Ocho (el llamado MAC 8 de Aguascalientes). Previamente, una de las obras que integran la muestra ganó el segundo lugar en la III Bienal Enrique Guzmán, también en Aguascalientes.
Esto es así porque los ritmos uniformes e impersonales de los diferentes diseños de papel tapiz que sirven de soporte y fondo a los óleos de Angélica Sánchez en esta exposición devienen una maraña que busca anular la forma y que intenta destruir el espacio necesario para su existencia. No lo consigue, desde luego… o dejaría de ser pintura. Pero esta permanente tensión entre uniformidad y forma (es decir, entre los ritmos muertos, reiterativos, onanistas de los fondos, y la voluntad de ser implícita en las presencias que los habitan), es el conflicto que da sentido a los contenidos de la muestra.
Tapicería: Camuflaje fue inaugurada el martes 11 de enero en la Arcada Mayor de la Casa de la Cultura de Morelia y es la primera exposición abierta en la capital michoacana en este 2011.
La muestra ha llegado a Michoacán luego de una temporada de exhibición, el año pasado, en el Museo de Arte Contemporáneo Número Ocho (el llamado MAC 8 de Aguascalientes). Previamente, una de las obras que integran la muestra ganó el segundo lugar en la III Bienal Enrique Guzmán, también en Aguascalientes.
Ausencia. Óleo sobre tela.Se trata en total de nueve trabajos (entre ellos dos polípticos: Siete días y Ese instante), a los que acompañan, como objetos, una bolsa y un saco, ambos confeccionados con tapiz estampado, y un sofá forrado del mismo material.
A partir de lo anterior, Angélica Sánchez se aproxima a uno de los temas más universales en la cultura occidental: el de la enajenación que lleva al hombre a asimilarse a la masa, a convertirse en objeto, a despersonalizarse, es decir a perder su individualidad.
El del hombre-objeto, es decir: el de aquel que en todo se ciñe a lo que le dictan reglas e impulsos exteriores, ajenos a su voluntad y a su capacidad de decisión, es un tema que ha preocupado a distintos pensadores casi desde el nacimiento de Occidente. Ya recurre en las ideas de Diógenes de Sinope y desde allí lo podemos seguir hasta Karl Marx, con diversos puntos intermedios. En todos los casos, la tesis fundamental es que un hombre enajenado no es realmente un individuo, sino la mera apariencia de un ser humano.
En este sentido, la propia autora, en entrevista, diría: “Hago referencia a la tapicería por el lado de los objetos. Cuando las personas perdemos la esencia nos volvemos objetos. Yo creo que todos venimos aquí a ser algo, algo más importante. Pero el hecho es que lo habitual es que muchas personas pierden la esencia por el compromiso de pertenecer, de ser parte de gustos, ideas o esquemas masivos. A mí me parece que eso no es alternativa”.
A partir de lo anterior, Angélica Sánchez se aproxima a uno de los temas más universales en la cultura occidental: el de la enajenación que lleva al hombre a asimilarse a la masa, a convertirse en objeto, a despersonalizarse, es decir a perder su individualidad.
El del hombre-objeto, es decir: el de aquel que en todo se ciñe a lo que le dictan reglas e impulsos exteriores, ajenos a su voluntad y a su capacidad de decisión, es un tema que ha preocupado a distintos pensadores casi desde el nacimiento de Occidente. Ya recurre en las ideas de Diógenes de Sinope y desde allí lo podemos seguir hasta Karl Marx, con diversos puntos intermedios. En todos los casos, la tesis fundamental es que un hombre enajenado no es realmente un individuo, sino la mera apariencia de un ser humano.
En este sentido, la propia autora, en entrevista, diría: “Hago referencia a la tapicería por el lado de los objetos. Cuando las personas perdemos la esencia nos volvemos objetos. Yo creo que todos venimos aquí a ser algo, algo más importante. Pero el hecho es que lo habitual es que muchas personas pierden la esencia por el compromiso de pertenecer, de ser parte de gustos, ideas o esquemas masivos. A mí me parece que eso no es alternativa”.
Origen. Óleo sobre tapiz.Acerca de las técnicas y soportes empleados por la autora, hay que decir de entrada que el trabajo sobre tapiz no es nuevo, aunque Angélica Sánchez sí le da al material una significación exclusivísima.
Basten unos ejemplos para hacer esto más evidente.
El gran clásico en esta combinación es La Partie de pêche des amoureux (Jean Miró, 1965), un óleo sobre tapiz de 150 x 200 centímetros que pueden conocer en este enlace a una página italiana, y en el cual el genial barcelonés creó una de las tensiones más extraordinarias entre el tema clásico estampado en el soporte original y sus libres trazos sobre el motivo.
Desde esta referencia, pertinente para el caso de hoy, el trabajo sobre tapiz tiene referentes importantes en diferentes latitudes.
Pensando en nuestro hemisferio vale la pena recuperar al peruano Aarón López, cuyo Kevin, retrato de un niño de diez años, es un sobresaliente ejemplo en términos de propuesta, al hablar de violencia, marginalidad y otros padecimientos sociales que nos son comunes.
Por otro lado, desde derroteros opuestos, absolutamente de ornato, una solución más que es prudente citar la brinda el chileno Nicolás Olivares, que se puede ver aquí.
En lo que atañe a México, importa recuperar al chihuahuense Andrés G. Valenzuela como uno de los cultivadores de esta técnica, de cuyo quehacer se puede ver un ejemplo en este enlace que conduce a su óleo sobre tapiz Inocencia (1998):
Pero, sin ir más lejos, aquí mismo, en Michoacán, no olvidemos que una de las obras incluidas en la VII bienal nacional de pintura y grabado Alfredo Zalce, en 2009-2010, fue el Acrílico sobre tapiz Mass media (2009, 78.5 x 126 cms.), del moreliano Favio Martínez García, que pueden revisitar en este post y que muestra afinidades explícitas con la manera en que Angélica echa mano del mismo soporte.
Basten unos ejemplos para hacer esto más evidente.
El gran clásico en esta combinación es La Partie de pêche des amoureux (Jean Miró, 1965), un óleo sobre tapiz de 150 x 200 centímetros que pueden conocer en este enlace a una página italiana, y en el cual el genial barcelonés creó una de las tensiones más extraordinarias entre el tema clásico estampado en el soporte original y sus libres trazos sobre el motivo.
Desde esta referencia, pertinente para el caso de hoy, el trabajo sobre tapiz tiene referentes importantes en diferentes latitudes.
Pensando en nuestro hemisferio vale la pena recuperar al peruano Aarón López, cuyo Kevin, retrato de un niño de diez años, es un sobresaliente ejemplo en términos de propuesta, al hablar de violencia, marginalidad y otros padecimientos sociales que nos son comunes.
Por otro lado, desde derroteros opuestos, absolutamente de ornato, una solución más que es prudente citar la brinda el chileno Nicolás Olivares, que se puede ver aquí.
En lo que atañe a México, importa recuperar al chihuahuense Andrés G. Valenzuela como uno de los cultivadores de esta técnica, de cuyo quehacer se puede ver un ejemplo en este enlace que conduce a su óleo sobre tapiz Inocencia (1998):
Pero, sin ir más lejos, aquí mismo, en Michoacán, no olvidemos que una de las obras incluidas en la VII bienal nacional de pintura y grabado Alfredo Zalce, en 2009-2010, fue el Acrílico sobre tapiz Mass media (2009, 78.5 x 126 cms.), del moreliano Favio Martínez García, que pueden revisitar en este post y que muestra afinidades explícitas con la manera en que Angélica echa mano del mismo soporte.
Siete días parte III, del políptico sobre tapiz Siete días.Así pues, Angélica Sánchez aporta aquí su grano de arena a una línea en laque telas estampadas se incorporan al discurso de una propuesta visual. No pretende haber descubierto el agua tibia, pero lo que sí hace es darle al material una intención y una significación precisas.
El trabajo que da título a toda la exposición es muy explícito en este tenor: Camuflaje muestra a un sillón cuya misma identidad de objeto se ve amenazada por los agresivos estampados del fondo. Fuera del cuadro cuelga un saco realizado con el mismo tipo de estampado: es el recurso mimético con el que su invisible usuario puede invisibilizarse, al fundirse con su entorno. Ya para protegerse o para acechar.
Pero este doble juego, el de la víctima o el del verdugo (ya que el mimetismo sirve para emboscar o para despistar), es apenas anecdótico.Ya sea una u otra, quien se mimetiza termina por asimilarse a aquello que le rodea.
Es así como, en la mayor parte de sus trabajos, la autora acude a los ritmos uniformes del tapiz para representar esos gustos mediatizados que destruyen la singularidad de quienes se rinden a tales influencias. La lectura es no sólo pertinente, sino indispensable en tiempos como los que corren.
El trabajo que da título a toda la exposición es muy explícito en este tenor: Camuflaje muestra a un sillón cuya misma identidad de objeto se ve amenazada por los agresivos estampados del fondo. Fuera del cuadro cuelga un saco realizado con el mismo tipo de estampado: es el recurso mimético con el que su invisible usuario puede invisibilizarse, al fundirse con su entorno. Ya para protegerse o para acechar.
Pero este doble juego, el de la víctima o el del verdugo (ya que el mimetismo sirve para emboscar o para despistar), es apenas anecdótico.Ya sea una u otra, quien se mimetiza termina por asimilarse a aquello que le rodea.
Es así como, en la mayor parte de sus trabajos, la autora acude a los ritmos uniformes del tapiz para representar esos gustos mediatizados que destruyen la singularidad de quienes se rinden a tales influencias. La lectura es no sólo pertinente, sino indispensable en tiempos como los que corren.
Reclusión. Óleo sobre tapiz.Sólo echaría de ver aquí cierto exceso de lirismo que recorta los alcances de la tesis.
En efecto, la amenaza a la individualidad de la cual se ocupa la autora está muy conectada a situaciones emotivas personales, de carácter muy existencial. Faltaría una mirada más amplia, menos nihilista, más maliciosa hacia otras resonanias. Pero vale: Angélica Sánhez pone al día al menos una de las condiciones del esclavo moderno y da a conocer al menos una de las formas de mistificación que ocultan esta condición servil organizada en torno al mayor de los mitos de hoy: el de que la democracia liberal contemporánea (neoliberal), en la cual la organización en boga no tiene nada de democrático ni de liberal.
En efecto, la amenaza a la individualidad de la cual se ocupa la autora está muy conectada a situaciones emotivas personales, de carácter muy existencial. Faltaría una mirada más amplia, menos nihilista, más maliciosa hacia otras resonanias. Pero vale: Angélica Sánhez pone al día al menos una de las condiciones del esclavo moderno y da a conocer al menos una de las formas de mistificación que ocultan esta condición servil organizada en torno al mayor de los mitos de hoy: el de que la democracia liberal contemporánea (neoliberal), en la cual la organización en boga no tiene nada de democrático ni de liberal.
EN VIDEO / Apuntes y entrevista
DOS POEMAS
Canto al suicidaElla siempre una cifra abierta, un silencio
Siempre extendido siempre
como un ave en su vuelo suspendida.
Su cuerpo cifra y tan callado
No deja de proferir palabras cada día
desde ese día desde esa plancha de acero
Tan callada
Sólo su extenso silencio muerde
Y allí tan blanca
Cada día un enigma sobre mi mesa
En mi pan, cada día una pregunta
sobre mi mesa sobre mi lámpara
Una pregunta que mira silenciosa
Y
como una flor que tan callada
de tanto silencio se abre
la flor de frutos peligrosos
Preguntas tomando aire
para tener siempre más y más hambre
Y ritmo y preguntar de nuevo y empezar
Siempre
Ave, cuerpo, palabra, palabra flor
Se deshoja, se desdobla, se quintuplica
Y cada vez más aves
Más cuerpos
Y preguntas
El espacio ocupado de silencios
el silencio ocupando más espacio
que mi cuarto
que mi cuerpo
espacio que se rasga su vestidura
que tengo que hilar cada noche
que tengo que hilar con un solo hilo
de puro silencio de hielo se me quiebra
en las manos se quiebra su silencio.
Dios ebrio
Las cosas son más eternas de lo que uno cree
Alguien tomó mi mano y escribe
Toma mi pata y hace huellas
escribe una historia que no era la mía
Soy la bruja jodida de la más vieja hora
De la más antigua hoguera
alguien escribió mis presagios y encantamientos
que yo sólo dancé
Los venenos y mis vuelos los dibujó. ¿quién?
Con sus pies en un surco de algún espacio
dictó su veredicto
Y por ese dios ebrio me quemaron
Con su capuchón serio y solemne
Sentenciaron los jueces
Juega
Fuego pirotecnia encanto
Cuento; un viejo blus y hoguera
Cifra canciones y dibujos en la caverna
En Chicago con su saxo, en el DF también arden
en la pira del ritmo y del sueño
Con pinceles profana templos
o piedras pulidas jades
ayer hoy
a la hoguera
mi ceniza vuelve
siempre vuelve o
vuela
y vuelve…
a la hoguera
cátara bruja incrédula.
Morelia al comienzo de 2011Como conteniendo el aliento, Morelia recibió el año nuevo con una sensación de "compás de espera" que todavía no se diluye, luego de la ola de violencia, de alzas de precios y, en general, de empobrecimiento del nivel de vida, que marcó al 2010, especialmente en su último trimestre.
Para empezar bien el año que da comienzo, comparto este primer trabajo con algunas vistas a la capital michoacana a distintas horas en los primeros días del año que abre.
Para el momento de subir este post, las actividades de cultura ya se van encarrerando en la escena moreliana, primero con una exposición en la Arcada Mayor de la Casa de la Cultura local, luego con el acto de homenaje a Alfredo Zalce en el MACAZ, con un recital de música de cuarteto (que, como dice una querida amiga "estas cosas sólo las ves en Morelia") y la inauguración, anoche miércoles, de una muy buena exposición en la Escuela Popular de Bellas Artes.
Mañana habrá modo de comenzar a documentar tal actividad. Por lo pronto, esta es la bienvenida al 2011. Por lo que ha sido, por lo que es y, en consecuencia inevitable, por lo que vendrá.
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